Surrealismo - Opere e maggiori esponenti

Max Ernst, il primo artista ad aderire al Surrealismo

Nell'opera “Oedipus rex” compaiono alcuni oggetti enigmatici (le teste di animali, una appesa a un filo, l'altra incastrata in una sorta di recinto) e fuori scala come le grandi dita di una mano.

Nel cielo, si può vedere una mongolfiera blu. Il titolo fa riferimento a un mondo di desideri oscuri, con un palese richiamo alla vicenda mitologica del complesso di Edipo. L'estremo realismo conferisce al dipinto un’atmosfera misteriosa e fantastica, che genera un sentimento di inquietudine.
In “Coppia Zoomorfica” si può individuare una forma animale a cui si affianca una umanoide, che accarezza l'animale stesso. I sinuosi segmenti chiari che attraversano le zone scure del dipinto sono ottenuti appoggiando sulla tela pezzi di corda, in modo da ricordare la tecnica del frottage, ovvero sfregamento, che consiste infatti nello strofinare una matita su un foglio posto su un oggetto a rilievo. Questi dipinti surrealisti rappresentano, quindi, scene immaginifiche.
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Paul Delvaux e la figura femminile nelle sue opere

scelse come tema fondamentale la figura femminile. Infatti, nel dipinto “La finestra” è rappresentata la visione ravvicinata delle mura di un'abitazione e una donna di spalle. Non c'è dubbio che ci troviamo all'esterno; lo dicono le bugne grigie che contornano l'apertura della finestra e la posizione della donna al di là di essa: con il gesto della mano sembra invitare l'osservatore a entrare. Lo stile pittorico è descrittivo, ma l'ordine logico delle cose è capovolto: l'interno si è fatto esterno.
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Rene Magritte e l'analisi del paradosso del linguaggio

indagò il paradosso del linguaggio poiché secondo la sua opinione si basa su convenzioni sprovviste di verità ed è, quindi, fonte di fraintendimenti. In “Il tradimento delle immagini” si indaga lo scarto tra la realtà e la sua riproduzione grafica. Su uno sfondo neutro vi è rappresentata una pipa che, in quanto dipinta, non può essere fumata. La didascalia che recita “Questa non è una pipa” è scioccante nella sua ovvietà: l'immagine non è infatti un oggetto in grado di essere afferrato, così come non lo è il suo nome.
“L'impero delle luci” consiste in un paesaggio con pochi elementi: un piccolo specchio d'acqua in primo piano, una casa con un grande albero, vegetazione e cielo a caratterizzarne lo sfondo. L'immagine produce un senso di sbigottimento, dovuto alla presenza in un'unica immagine in due momenti differenti: il giorno e la notte. La parte alta del quadro, infatti, rappresenta un cielo diurno precorso da nubi bianche, mentre nella parte inferiore la casa, l'albero e il lago sono immersi nella notte.
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Salvador Dalì e la soggettività del tempo

Nell'opera del pittore ricorrono temi che hanno la loro radice nell'inconscio (collegamento). In “Enigma del desiderio, mia madre, mia madre, mia madre...” Dalì dà espressione al complesso edipico. A dominare la scena è un grande massa informe, il cui reticolato a cellette, contenenti l'ossessiva ripetizione dell'espressione “ma mère”, ricorda la massa cerebrale. Nella “Venere di Milo con cassetti” egli sceglie come modello una delle più antiche statue greche. La particolarità dell’opera sta nel fatto che sul corpo della dea compaiono molteplici aperture, ovvero cassetti con pomelli ornati.
“La persistenza della memoria” fu dipinto da Salvador Dalì nel 1931. L'opera, quindi, rappresenta un paesaggio di Port Lligat, con gli scogli aguzzi e un ulivo secco in primo piano. La composizione è asimmetrica. Due orologi molli e viscidi penzolano dall'albero e da un cubo, mentre un terzo si adagia sopra una inquietante sagoma cigliata, autoritratto dell'artista. Il quarto e ultimo orologio è compatto, ma assalito da un cumulo di formiche brulicanti. Collegandosi al pensiero di Bergson (collegamento) e alla sua concezione duplice del tempo, Dalì intendeva dimostrare che lo scorrere del tempo segue una logica legata degli stati d'animo. Il concetto fondamentale dell’opera riguarda la fluidità del tempo, che non è affatto rigido come rigide sono le lancette degli orologi.
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Joan Mirò e le suggestioni dell’inconscio all’interno delle sue opere

Una delle opere più rappresentative dello stile del maestro, “Il carnevale di Arlecchino” è una sorta di balletto. Il dipinto è la trascrizione poetica delle suggestioni dell'inconscio: queste sono così controllate da far pensare, a una rappresentazione teatrale. Un disegno preparatorio dell'opera mostra come l'artista avesse studiato attentamente la disposizione delle forme, individuando nell'incrocio tra le due sagome sinuose, la bianca e la nera, il centro visivo del dipinto. In un grande spazio vuoto sono concentrate innumerevoli forme: oggetti fantastici e forme astratte. Alla spazialità dell'ambiente, resa in maniera semplificata, fanno da contraltare un tavolo in prospettiva e la finestra che lascia vedere un piccolo astro bicromatico, un cono nero e una lingua di fuoco color rosso. A produrre un effetto vitalistico concorre in misura decisiva anche il colore. Creò, anche, la serie “Costellazioni”, di cui fanno parte “Numeri e costellazioni innamorati di una donna”. In questa serie è evidente l'insistente presenza del nero che riduce gli altri colori e il continuo movimento della linea che genera sulla tela una molteplicità di presenze biomorfe con gli occhi sgranati che sembrano interrogare l'ignoto.