Riassunto esame Storia del Cinema, prof. Minuz, libro consigliato Manuale di Storia del cinema, Thompson e Bordwell

VINCENTE MINELLI

Figlio di una famiglia di attori girovaghi, inizia fin dall’infanzia a lavorare nel mondo dello

spettacolo. Nel 1940 viene chiamato dal produttore della MGM. Nell’arco della sua carriera

spazia dalla commedia al melodramma, anche se il terreno a lui più congeniale è soprattutto

quello del musical. Il regista esplora il rapporto tra mondo reale e immaginazione. (es. Mago di

Oz).

REGISTI IMMIGRATI

Alcuni registi immigrati tornarono in Europa poco dopo l’Armistizio, ma altri prosperarono a

Hollywood. Il successo maggiore arrise ad Alfred Hitchcock. Fritz Lang continuò a realizzare

sobri e cupi film di genere che emanavano un malessere al limite della paranoia. Billy Wilder

divenne un regista di primo piano soprattutto per i suoi drammi carichi di ironia e per il cinismo

delle sue commedie a sfondo erotico.

ALFRED HITCHCOCK

Hitchcock continuò per tutta la sua carriera a essere un abilissimo manipolatore del sonoro e

un regista capace di inquadrare e montare le scene in modo da lasciar intuire i pensieri dei

personaggi. L’impiego delle soggettive dei personaggi sarebbe rimasto un tratto caratteristico

del suo stile, come lo humour.

La sua immagine del “maestro del brivido” fu sfruttata con astuzia in molteplici canali, come

trailers-conferenza, una rivista di mistery e una serie televisiva di cui Hitchcock presentava

personalmente ogni episodio con la sua caratteristica flemma e il suo humour nero. Il regista

mirava a una reazione pura, quasi fisica: il suo fine era la suspense non l’orrore o il mistero.

Molti critici ritengono che Hitchcock abbia vissuto il suo periodo d’oro nel dopoguerra. Delitto

per delitto utilizza un teso montaggio alternato per dividere le nostre simpatie tra l’eroe e il

cattivo. Hitchcock aveva un enorme fiuto nel cogliere i desideri del pubblico: Psyco scatenò

diversi cicli di film su folli assassini. Gli uccelli del 1963 anticipava gli horror centrati sulla

vendetta della natura.

PSYCO dopo il successo del dispendioso Intrigo Internazionale del 1959 prodotto della MGM,

Alfred vira verso un impianto quasi minimalista con Psyco del 1960, film a basso costo che si

rivelerà comunque un altro campione d’incassi. Nel rivisitare il genere thriller, il maestro della

suspense segna una tappa fondamentale della storia del cinema, il cui impatto è concepibile

solo grazie all’unione strategica di musica e immagine. Il senso di instabilità angosciante che

perdura nel corso di tutto il film viene stabilito proprio a partire dall’impronta sonora dei titoli di

testa. Questo progetto estetico si svela pienamente nella sequenza della doccia, eletta a vero e

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proprio topos audio-visivo dell’irrazionalità. L’insistenza della macchina da presa sui primi piani

conferisce un senso di claustrofobia.

VERTIGO apparso nel 1958, la donna che visse due volte costituisce una vera e propria

vertigine stilistica. In questo film tutte le componenti espressive sono volte a rafforzare,

l’ambiguità della perdita, metaforicamente espressa dalla paura del vuoto e dell’altezza. Si

carica di un persistente senso di colpa che conduce il protagonista alla paralisi. L’incapacità di

agire di Scottie è particolarmente evidente nella relazione con il femminile. L’abilità del regista

è quella di suggerire questo doppio e contrastante movimento, che è pure all’origine della

vertigine, con un procedimento filmico complesso formato da un carrello all’indietro unito a uno

zoom in avanti, e di rafforzarlo attraverso l’immagine ricorrente della spirale. Nel passaggio

emotivo dello sfaldamento dell’identità del soggetto è riflesso dall’uso del colore: la dominanza

del rosso, nella scena del ristorante in cui Scottie vede per la prima volta Madeleine che dà

inizio alla sua performance, cede più avanti a una variazione di tonalità verdi più fredde che

alludono alla fluidità, al sottile confine tra vita e morte. Ma ciò che conferisce all’opera un

carattere unitario è lo stile che si affida in particolare all’uso consapevole e reiterato della

soggettiva. Fin dalla prima sequenza lo spettatore è invitato a condividere con il protagonista

l’esperienza della vertigine.

BILLY WILDER

Negli USA comincia Wilder a collaborare alla stesura di soggetti e sceneggiature per registi del

calibro di Ernst Lubitsch e Howard Hawks, stabilendo poi un felice sodalizio alla Paramount con

lo scrittore Brackett. A partire dagli anni Quaranta, Wilder decide di dirigere lui stesso sulla

base delle sceneggiature nate dalla collaborazione con Brackett. Nei suoi primi lavori emerge

una doppia attitudine drammaturgica che contraddistinguerà tutta la sua produzione,

costantemente sospesa tra due mondi: da un lato il dramma che trova nel noir il campo

d’elezione per scandagliare le contraddizioni del sogno americano, dall’altro la commedi,

genere solo in apparenza più leggero, in realtà anch’esso strumento privilegiato per osservare

e denunciare le illusioni e le mitologie ricorrenti nelle dinamiche sociali.

Il cinema di Wilder è affollato da figure di vinti, emarginati, la cui presenza sottolinea

l’esasperazione d un individualismo che porta a una tensione inevitabile verso la morte. In

Wilder, tuttavia, il colpevole finisce per essere l’elemento chiave in grado di assicurare la

sopravvivenza alla società, che ha sempre bisogno di un capro espiatorio.

Sono gli anni della crisi dell’industria cinematografica del dopoguerra e Wilder punta a mettere

in evidenza le contraddizioni interne al sistema sociale, arrivando a mostrarle anche attraverso

il rispetto quasi esasperato delle sue regole di funzionamento come in Arianna e in Sabrina.

L’apparenza ingannevole della realtà raggiunge uno dei suoi vertici nell’inversione dei ruoli

sessuali alla base di A qualcuno piace caldo. Riesce a mettere a nudo le contraddizioni della

contemporaneità.

ORSON WELLES VS HOLLYWOOD licenziato dalla RKO dopo L’orgoglio degli Amberson, Welles

divenne un regista errante: produsse gran parte delle sue opere con fondi racimolati tramite

finanziatori europei e grazie a proventi delle sue apparizioni come attore. Continuò ad adottare

la tecnica dell’uso gotico chiaroscuro, profondità di campo, colonne sonore di devastante

potenza, improvvisi stacchi, accavallarsi e interrompersi del dialogo, labirintici movimenti di

macchina.

IL TEATRO Orson Welles proveniva dagli ambienti del teatro progressista di New York, così

come parecchi registi che come lui approdarono a Hollywood. Durante gli anni Trenta il Group

Theatre trapiantò in America il “metodo” naturalistico di recitazione insegnato da Stanislavskij

al Teatro d’arte di Mosca. Il principale allievo del Group era Kazan. Dopo la guerra Kazan e due

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colleghi di NY fondarono l’Actors Studio, nella convinzione che il metodo di Stanislavskij

richiedesse all’attore di radicare la sua performance in esperienze personali: l’improvvisazione

era una strada verso una recitazione naturale, anche se a volte si rivelò dolorosa e non priva di

rischi. La concezione di Kazan trovò in Marlon Brando il suo principale esponente. Il metodo

avrebbe avuto un’enorme influenza su hollywood attraverso Kazan, Brando, James Dean, Karl

Malden e altri membri dell’Actors Studio.

12. IL NEOREALISMO (1945-1954)

Il neorealismo fu un importante fenomeno cinematografico che si affermò in Italia in quegli

anni. Pur non essendo un movimento così compatto come si è a lungo pensato, senza dubbio

creò un diverso atteggiamento nei confronti del cinema di finzione ed ebbe enorme influenza a

livello internazionale. I film intendevano confrontarsi con i gravi problemi lasciati in eredità dal

secondo conflitto mondiale, raccontano vicende ispirate dalla cronaca e dall’attualità del

momento, narrate secondo logiche assai distanti da quelle tradizionali. Per i neorealisti il

cinema si rivelò uno strumento prezioso per scoprire la realtà circostante coinvolgendo in

questo processo conoscitivo anche il pubblico, chiamato a esercitare un ruolo più attivo e

consapevole di quello abitualmente riservatogli. Il neorealismo nacque in un’Italia distrutta

dalla guerra, industria completamente distrutta, non c’era più cinecittà o produttori e si

sviluppò senza appoggio di attori veri e scenografie spettacolari fino al 1953 quando venne

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ricostruita Cinecittà e tutto il potere passò alla Democrazia Cristiana che procedette per un

cinema più americano.

Molte case di produzione dopo la guerra dovettero ridimensionarsi. Mentre i produttori

lottavano faticosamente per sopravvivere, il cinema neorealista si impose come una forza di

rinnovamento culturale e sociale. Durante il declino del regime fascista, nella letteratura e nel

cinema era affiorato un impulso realista (“seguendo il passo lento e stanco dell’operaio che

torna alla sua casa”). Dopo la liberazione, nella primavera del 1945, la gente d ogni classe

sociale divenne ansiosa di rompere con il passato, i registi italiani furono pronti a farsi testimoni

di quella che fu chiamata la “primavera italiana”. Gli studi di Cinecittà avevano subito pesanti

danni durante la guerra e non erano in grado di ospitare grandi produzioni, per cui i cineasti si

spostarono nelle strade e nelle campagne, le troupe potevano girare in esterni e registrare il

dialogo in seguito. Roma città aperta era ispirata a eventi reali avvenuti nell’inverno 1943-44. Il

film rappresenta la Resistenza come un’alleanza tra comunisti e cattolici a fianco della

popolazione.

L’INIZIO Nella trilogia pre-neorealista (4 passi tra le nuvole, Ossessione, I bambini ci

guardano) è la volontà di cogliere le profonde contraddizioni sociali finora occultate sui nostri

schermi. Il termine neorealismo viene impiegato per la prima volta a proposito di Ossessione.

Secondo una tradizione consolidata, l’atto di nascita del neorealismo coincide con Roma città

aperta che rinvia ad avvenimenti depositati nella memoria degli abitanti della capitale, in modo

però da proporre una lettura della resistenza come un fenomeno unitario, capace di cancellare

le profonde divisioni interne al Paese.

PAISA’ frutto di una lavorazione assai travagliata ma non priva di una certa disponibilità di

mezzi tecnici e finanziari, Paisà presenta il rapporto tra civili italiani e militari alleati all’insegna

di una comunicazione difficoltosa ma non impossibile. Quinto lungometraggio diretto da

Rossellini, è anche uno dei film più rappresentativi della dinamica neorealista, forse in assoluto

quello che meglio ne esemplifica alcune caratt