Riassunto esame Cinema, libro adottato Introduzione alla storia del cinema, Bertetto

Istituzione della storia del cinema

Il cinema delle origini e la nascita del racconto cinematografico

Il 28 dicembre 1895 si tiene la prima proiezione pubblica a pagamento del cinématographe Lumière a Parigi, una data simbolica dell'inizio della storia del cinema. È la prima volta in cui il cinematografo aspira a diventare uno spettacolo per il pubblico pagante.

• Nel 1891, negli Stati Uniti, Thomas A. Edison e il suo assistente Dickson creano il kinetoscopio, che consente la visione di un breve film a una persona alla volta, che si china sull'apparecchio e vede le immagini in movimento attraverso un mirino.
• L'apparecchio dei Lumière consente la proiezione su grande schermo, quindi una proiezione collettiva, che richiede:
  • Pellicola su supporto flessibile
  • Trascinamento regolare della pellicola a 16 fotogrammi al secondo
  • Movimento intermittente della ripresa

Alla fine del 1800, la proiezione di film avviene in sedi precarie o integrata a spettacoli come circo o teatro di varietà. Il responsabile principale del modello produttivo è l'operatore alla macchina da presa. Verso il 1900, si inizia a valorizzare la messa in scena e il film narrativo a scapito delle riprese dal vero. Si dividono le figure dell'operatore da quelle del regista, che diventa responsabile della concezione del film e sovrintende alla sua lavorazione.

Il cinema diventa la forma di spettacolo più popolare. Nascono le prime sale cinematografiche permanenti, soprattutto in America, con lo sviluppo dei nickelodeon: locali dedicati al cinema che attirano il pubblico popolare con programmi rapidi, varietà di orari e prezzi bassi.

• Intorno al 1905 si rafforzano le prime grandi strutture produttive. La Francia è il paese più forte.
• Tra il 1908 e il 1914, la qualità e il successo dei film italiani sono un fenomeno mondiale. Si specializza nella produzione di film storici monumentali, melodrammi mondani d'atmosfera dannunziana e drammi realisti.
• La Danimarca è un'altra grande potenza produttiva con intrecci polizieschi e drammi torbidi e sensuali.
• Negli USA, c'è uno stallo produttivo a causa della "guerra dei brevetti" indetta da Edison, che tenta di impedire lo sfruttamento commerciale del cinema rivendicando l'esclusività dei brevetti.
• Nel 1906 nascono le serie comiche, le prime sono francesi con Deed e Linder, ma già negli anni '10 abbiamo i rivali americani con M. Sennet che, attraverso brevi film a una o due bobine, perfezionano il modello della slapstick comedy: comicità violenta con sberle, cadute, comicità catastrofica che fornisce una lettura grottesca della società.

Max Linder, André Deed e Mack Sennet contribuiscono all'affermazione della produzione cinematografica in serie su scala industriale. Nel 1908, la costruzione della Motion Pictures Patents Company (MPPC) consente alle case di produzione americane di acquisire il controllo del mercato, riducendo la presenza francese, italiana e danese dal mercato interno.

Il cinema narrativo e l'organizzazione del discorso cinematografico

Il cinema narrativo diventa un'opzione esclusiva mentre altri film entrano in crisi. Si cerca di investire il cinema di responsabilità morali e legittimarlo sul piano culturale, attingendo al patrimonio letterario. In Francia nasce il Film d'Art con Pathé, che usa adattamenti da testi teatrali famosi e interpretati dalla Comédie Française.

Dopo il 1910, in Europa e negli USA, abbiamo la produzione di lungometraggi, incoraggiata dal successo dei film storici italiani e dei sensuali melodrammi danesi. I primi anni '10 segnano l'espansione dell'industria cinematografica americana: la produzione si sposta a Hollywood per le condizioni climatiche favorevoli alle riprese esterne e ai paesaggi.

Le cinematografie europee tendono a differenziarsi come "scuole nazionali" per l'autonomia creativa dei registi. Con la prima guerra mondiale, tutto cambia:

• Francia e Italia escono indebolite
• Nel 1916, il cinema americano si impone. Le piccole compagnie di produzione e distribuzione si fondono in aziende più grandi: Warner Bros, Universal...

Il cinema delle origini secondo Burch

Il cinema delle origini è chiamato da Burch "modo di rappresentazione primitivo MRP" per distinguerlo dal "modo di rappresentazione istituzionale MRI" (cinema narrativo classico hollywoodiano).

• L'inquadratura, e non il montaggio, è il centro privilegiato della rappresentazione.
• Fino al 1902, i film sono monopuntuali: una sola inquadratura.
• Nel 1903 si inizia a registrare una moltiplicazione dei piani, film pluripuntuali anche se il film è una giustapposizione di scene singole. Ogni piano, per passare all'altro, deve esaurire l'azione che si sviluppa in quel quadro.

Inquadratura del cinema primitivo:

• Illuminazione uniforme
• Cinepresa fissa e in posizione frontale
• Uso di fondale dipinto
• Considerevole distanza tra macchina e attori
• Montaggio non continuo: non è ancora stato inventato un sistema di raccordi tra inquadrature. Abbiamo quindi un'elissi tra il passaggio di inquadrature.
• Montaggio ripetitivo dell'azione: l'azione si prolunga nell'inquadratura successiva creando un effetto di sovrapposizione temporale.

Tom Gunning e André Gaudreault hanno individuato tra il 1895 e il 1915 due diverse modalità di organizzazione del discorso cinematografico:

• Il sistema delle attrazioni mostrative: priorità di attrarre facendo vedere. Attrazione vicina a quella del circo. Utilizzo di trucchi ed eventi fuori dall'ordinario. Abbiamo quindi clown, danzatrici, animali. Componente narrativa molto debole.
• Il sistema dell'integrazione narrativa: il racconto diventa l'elemento portante del sistema. Le inquadrature si integrano nell'unità del racconto. Inizia una linearizzazione narrativa delle inquadrature: le riprese vengono realizzate in funzione del montaggio.

I primi tentativi di creare una forma narrativa lineare si hanno con le riprese di incontri di box, ma bisognava conoscere le regole del pugilato. Il passaggio dal cinema delle attrazioni al cinema dell'integrazione narrativa porta a un cambio di relazioni tra film e spettatore. Non c'è un contatto diretto tra mondo del film e mondo della sala. Il film narrativo è un universo chiuso in se stesso.

• Fino al 1908: Cinema delle attrazioni.
• 1908 - 1915: Cinema dell'integrazione narrativa.

Lumière e Méliès

Il cinema di Lumière è la vita colta sul fatto, il rifiuto di una messa in scena: cinema della realtà, non narrativo. Il cinema di Méliès è più spettacolare: cinema del trucco e del mondo inventato dentro i teatri. Lavorano entrambi a un cinema della mostrazione.

Dopo la presentazione pubblica del cinématographe, Lumière promuove la formazione di alcuni operatori che girano il mondo per arricchire un catalogo di vedute con 1422 titoli. Questo è possibile grazie alla leggerezza della macchina e al suo potere di assolvere le funzioni richieste dall'attività cinematografica. Vengono riprese parate militari, cerimonie ufficiali, esposizioni, vedute di città d'arte.

Il film Lumière è un prodotto in serie:

• Una sola inquadratura di 50 s.
• Cinepresa fissa collocata su un supporto mobile
• Privilegia le vedute d'insieme con un'angolazione decentrata
• Unità del film data dai flussi di movimento
• Protagonisti dell'immagine sono corpi o oggetti in movimento
• Immagine sempre "ben confezionata" di ottima qualità che rende la gamma sfumata dei grigi e il dinamismo della luce
• L'immagine Lumière è centrifuga: il movimento dell'oggetto esce dai limiti del quadro

L'arrivo di un treno alla Ciotat (1895): l'ingresso del treno crea dinamismo e l'uscita dal quadro ricorda allo spettatore l'esistenza di uno spazio fuori dal campo selezionato.

George Méliès è tra i primi a concepire la produzione di film nei termini di invenzione artistica e messa in scena:

• 1888 compra il teatro Robert Houdin
• Nel 1896 nel programma del suo teatro troviamo produzioni animate

Il cinema di Méliès inventa un mondo meraviglioso, più burlesco che terrificante. I procedimenti più utilizzati sono arresto/sostituzione e la sovrimpressione (sdoppiamento e scomposizione del corpo):

• Cinepresa di solito fissa
• Effetti dinamici sono un'illusione legata ai movimenti di elementi interni al profilmico
• I viaggi messi in scena sono molto articolati
• Di rado c'è una progressione del racconto
• Prevale la successione di eventi non continui
• Elemento centrale: attrazione
• Interessato al contenuto delle singole scene piuttosto che al loro montaggio
• Strategie di racconto legate al montaggio

Il cinema inglese e il montaggio

Tra il 1896 e il 1906 si elaborano soluzioni fondamentali per il MRI: il cinema inglese si distingue per la capacità inventiva. Nei film dei pionieri inglesi notiamo un'attenzione per la componente attrazionale del trucco:

• James Williamson – Un grande boccone

I risultati più importanti sono avuti sul piano del montaggio. La tendenza alla divisione dell'azione in diverse inquadrature correlate è evidente nel film Il bacio nel tunnel – Smith: azione sezionata in tre inquadrature. Lavora anche sulla divisione in più inquadrature di uno stesso spazio o sull'alternanza di immagini tra chi guarda e cosa guarda: La lente della nonna – Smith.

Smith offre un contributo importante al problema della frammentazione della scena in diverse inquadrature, Williamson è più interessato alla continuità dell'azione tra inquadrature girate in spazi diversi. Fermate il ladro (1901) – Williamson mette in successione più inquadrature di spazi contigui per rappresentare l'inseguimento di un ladro: film ad inseguimento (poursuite). Al fuoco (1901) – Williamson storia più articolata ma la concatenazione dei legami causa effetto tra inquadrature è perfetta e abbiamo anche un uso corretto dei raccordi di direzione.

Fino al 1903, il procedimento più usato per legare due inquadrature era la dissolvenza, in questi film di Williamson il passaggio da un'inquadratura all'altra è dato da uno stacco prima che l'azione sia finita.

Edwin S. Porter e il cinema di finzione

Tra i registi che contribuiscono a fare dei film di finzione la principale risorsa dell'industria cinematografica americana c'è Edwin S. Porter. Vita di un pioniere americano (1902) riprende lo spunto narrativo di Fire ma trasforma il pompiere in un vero e proprio personaggio con una sua interiorità (sogno inizio). La grande rapina al treno (1903) mescola elementi tipici del cinema delle attrazioni con il piano della narrazione.

• Racconta in 14 inquadrature la storia di una banda che assale un treno
• Il montaggio prova a costruire una continuità spazio temporale tra le inquadrature
• Non abbiamo ancora un montaggio alternato
• Abbiamo anche delle inquadrature con funzione narrativa e piani vicini a una logica mostrativa attrazionale (bandito che spara verso la cinepresa – spettatore)
• Distanza attore cinepresa si riduce per creare un'attrazione che aggredisca lo spettatore

L'aumento della domanda di film narrativi legata al boom dei nickelodeon porta alla nascita del director system e quindi alla centralità della figura del regista.

David Wark Griffith e il montaggio alternato

David Wark Griffith ha un ruolo importante nei cambiamenti che porteranno al MRI. Si concentra sulle diverse opzioni di montaggio e studia le risorse drammatiche della profondità di campo. È attirato dal dinamismo della composizione interna al quadro e all'eloquenza simbolica dei dettagli.

Importante nella sua attività è il lavoro di sistemazione e messa a punto delle risorse linguistiche e spettacolari del cinema, che porta alla trasformazione della MRP. Vuole costruire tramite il montaggio un universo continuo ed omogeneo a partire da un materiale frammentario. È necessario codificare una sintassi della continuità per rendere comprensibili le relazioni temporali che si intrecciano nello spazio ricostruito dal montaggio: serve un sistema di regole che organizza la materia narrativa.

L'ubiquità dell'istanza narrante e la sua ispirazione al pieno coinvolgimento dello spettatore sono evidenti nel montaggio alternato. Con questo, lo spettatore inizia a capire che la successione di due inquadrature può esprimere anche una simultaneità tra due azioni (non solo una relazione tra prima e seconda inquadratura).

Last minute rescue (salvataggio all'ultimo minuto) meccanismo di sospensione/rinvio. Il cinema viene così investito di responsabilità moralizzatrici, abbiamo un'esaltazione dei valori della comunità, del mito della nuova nazione. Il lieto fine diventa la forma narrativa preferita. Per sviluppare il suo discorso morale si serve dei personaggi e di alcuni montaggi psicologici. Il valore del primo piano griffithiano assume una valenza simbolica quasi universale. Il volto in primo piano ha una valenza espressiva che allontana lo spettatore dal racconto per un istante e trasforma il personaggio in emblema di una particolare condizione interiore o sociale.

La nascita di una nazione (1915) - Griffith mette al centro del lungometraggio la ferita ancora aperta della guerra civile americana. La storia e i drammi degli individui si integrano in un equilibrio tra epica e psicologia.

• Esprime una visione individualistica della storia: gli eventi iniziano quando un uomo decide di passare all'azione
• Nelle sequenza della battaglia di Petersburg abbiamo un'alternanza di inquadrature tra i fronti opposti come a suggerire un'identità tra gli avversari
• La vera tragedia è l'uccisione di Lincoln: attentato che genera il disordine della collettività
• I responsabili della rottura sono i neri che non vogliono stare al loro posto
• Verso la conclusione abbiamo un salvataggio all'ultimo minuto: capanna assediata dai neri ma salvati dai Ku Klux Klan
• Montaggio alternato è l'esito stilistico di questa strategia manichea: due serie di inquadrature si oppongono nel montaggio e questo per evitare che il male (i neri) possa contaminare lo spazio del bene
• Il film provoca tumulti razziali ma è uno dei più grandi successi del cinema muto americano

Intolerance (1916) offre una rappresentazione del tema dell'intolleranza nei secoli e costruisce una struttura narrativa innovativa articolata su quattro episodi. La Storia garantisce l'unità narrativa.

• Le quattro storie in diversi stili, si alternano nel montaggio, sono legate da un leitmotiv che ricorda il tema centrale della tolleranza
• Storia a suspense con intensificazione ritmica e drammatica prodotta dal montaggio alternato
• Imprime al film un'accelerazione progressiva. Nel finale si ha l'impressione che le storie si fondano
• Fallimento commerciale

Il cinema europeo e le innovazioni tecniche

Dopo il 1910 aumenta il divario tra cinema europeo (che cerca di potenziare le risorse espressive della scena senza montaggio) e cinema americano, che predilige la ricerca sul montaggio.

In Francia, Pathé approfondisce la ricerca sulle possibilità espressive del fondale dipinto, realizzando scenografie ad effetti tridimensionali. Ricerca analoga avviene anche nei kolossal storici italiani dei primi anni '10.

Cabiria – Pastrone è importante per la valorizzazione dei poteri della messa in scena che emergono.

• Le singole inquadrature dilatano la visibilità e la dinamicità interna della scena
• Le scenografie diventano reali: vere costruzioni architettoniche
• Utilizzo della lampada elettrica ad arco. Con la luce elettrica riesce a governare la direzione dei fasci di luce: si moltiplicano gli effetti di contrasto, ombre, fuochi
• Soluzione di messa in scena più innovativa: uso del carrello
• La presenza della cinepresa in movimento implica una variabilità di funzioni come la connessione all'interno dello stesso piano tra due o più elementi della scena

Emilio Ghione è una delle personalità più significative del cinema muto italiano. Introduce una recitazione nuova e stilizzata, priva di enfasi e gesticolazione eccessive, giocata sull'energia contratta e nervosa del corpo smagrito.

Il cinema danese è uno dei più influenti e conosciuti al mondo negli anni '10. Contribuisce a un cinema della scena e della profondità di campo e per le ricerche sull'illuminazione. I registi danesi lavorano con insistenza sulla direzionalità e la fonte dei fasci luminosi.

Il cinema svedese inizia a produrre film significativi nel 1913 grazie a Stiller e Sjöström, che possiedono una grande abilità nell'uso drammatico della profondità di campo. Nei film nordici emerge il sentimento della natura, l'utilizzazione espressiva del paesaggio come elemento portante dell'azione e specchio delle tensioni interiori.

Il cinema russo si specializza nella realizzazione di sofisticati e malinconici melodrammi di sapore decadente. Evgenij Bauer è il regista più noto: nei suoi film abbiamo una recitazione rallentata e piena di pause, inquadratura lunga e statica, finali tragici. La logica rappresentativa si concentra sulla composizione interna della singola inquadratura. Scenografie raffinate con riferimenti all'Art Nouveau.

La musica e il colore del cinema muto

Il film delle origini (muto) aveva un accompagnamento musicale attraverso la musica di un pianoforte in sala, che aveva sì il compito di coprire il suono del proiettore ma, essendo in diretta, aumentava anche il potere evocativo dell'immagine.

Le prime colonne sonore nascono dalla creatività dei maestri di musica, rumoristi e imbonitori (oggi spariti). Nel 1910 inizia l'era delle orchestre nei locali più signorili. Pianisti e orchestre...