Clouet, Jean – Ritratto di Francesco I - Analisi

Origini del ritratto rinascimentale

Il ritratto è un genere pittorico che appare nel XV secolo, dalle Fiandre, come dimostrano, ad esempio, le opere del pittore Jan Van Eyck. I suoi modelli sono rappresentati in tre quarti, gli occhi fissano colui che guarda il dipinto. Rughe, difetti della pelle non sono nascosti per poter rendere così più realistica l’immagine. Tu solo all'inizio del XVI secolo, sotto l'influenza di artisti italiani (Botticelli, Leonardo da Vinci...), utilizzando formati più grandi e diversificando tecniche formali e pregiudizi in base alla destinazione di queste rappresentazioni (specialmente per i ritratti ufficiali), che l'arte della ritrattistica fiorì in tutta l'Europa rinascimentale. Gli sfondi scuri e monocromatici del XV secolo sono arricchiti da sfondi paesaggistici che riflettono la vita spirituale e lo stato d'animo della persona raffigurata (come nel dipinto di Leonardo da Vinci, La Gioconda). Il ritratto perde gradualmente il suo aspetto iconico per rivelare i misteri dell'anima umana. Anche se i ritrattisti eseguono i loro dipinti in studio, spesso in assenza del modello, prima fanno un disegno in presenza di quest'ultimo. Jean Clouet avrebbe avuto il monopolio virtuale sull'esecuzione dei ritratti reali. Ci sono ancora molti disegni preparatori di Clouet, probabilmente presi sul luogo, poiché alcune sessioni di posa sono attestate, a Blois nel marzo 1529 e a Fontainebleau nel 1537.

Evoluzione del ritratto di stato

Il XVI secolo moltiplicò le immagini di Francesco I, testimoniando l'interesse, senza precedenti, per l'apparizione di un principe la cui apparizione veniva continuamente celebrata. Fu nel Rinascimento, che apparve il "ritratto di Stato", appositamente progettato per rappresentare figure eminenti nelle loro caratteristiche ufficiali il più delle volte a mezzo busto o mezzo corpo. Fu anche in questo periodo che i ritratti reali apparvero sulle monete, un ritorno di un'antica tradizione. È anche il momento dello sviluppo dell'immagine stampata, l'incisione, che permette di espandere la ricezione della cultura iconica, nello spazio e nel tempo. Il ritratto divenne nel Rinascimento un importante strumento politico, modulare secondo le diverse circostanze e il valore simbolico e ideologico desiderato. Va anche notato che i ritratti del sovrano rispondono a due modelli diversi a seconda del mezzo:

• le rappresentazioni dei profili dominano le effigi numismatiche;

• tre quarti delle vedute sono in gran parte nella maggioranza della pittura e delle arti grafiche, principalmente opere di Jean Clouet, pittore ufficiale di Francesco I.

Tuttavia, per essere efficace, il ritratto doveva essere facilmente riconoscibile e relativamente non modificato; il fatto più importante non era tanto l'effettiva somiglianza con il modello vivente, ma la possibilità di riconoscerlo da un'immagine all'altra. Queste immagini sono, inoltre, il risultato di un'impresa collettiva: venivano segretari, poeti, cronisti, pittori, orafi... e in ogni caso, era il prodotto di una committenza. Tuttavia, Francesco I non si è mai occupato personalmente di queste rappresentazioni anche se probabilmente ha prestato attenzione ad esse.

Il ritratto cerimoniale di Francesco I

Il ritratto di corte riflette il desiderio del re di diffondere un'immagine controllata. Oggetti prestigiosi, ritratti in abiti di lusso hanno un uso ristretto a differenza delle immagini moltiplicate per il conio di monete e medaglie e per la stampa su carta. Il suo ruolo documentario ci permette di accedere all'aspetto fisico del re. Il genere "ritratto cerimoniale", si sviluppò in Italia all'inizio del XVI secolo. Per raffigurare il re, i pittori di corte usavano un processo utilizzato fin dal XV secolo per i ritratti di individui: indirizzo diretto dello sguardo che dà l'impressione che la persona dipinta stia guardando lo spettatore. Gli occhi del re ora si posano su quest'ultimo. Il sovrano guarda direttamente i suoi sudditi, il che ne accentua così la grandezza. Si tratta di una rivoluzione della rappresentazione che poi avviene nelle arti europee e di cui gli italiani sono stati i pionieri. Tuttavia, questi grandi ritratti rinascimentali sono anche caratterizzati da un'idealizzazione della persona secondo le tradizioni pittoriche italiane e del realismo dei dettagli delle scuole del Nord Europa. L'idealizzazione si traduce nella rigidità delle posture, nei gesti limitati e in un numero limitato di attributi, riflettendo l'ideale umanista del Rinascimento, quello del rigore, sia fisico che morale.

Dettagli del ritratto di Clouet

Jean Clouet dipinse questo ritratto cerimoniale di Francesco I, nel 1525. È esposto al Museo del Louvre.

È stato dipinto ad olio su un pannello di quercia di 96 cm per 74 cm. Le dimensioni, che rispondono a un desiderio di monumentalità, si riferiscono al ritratto reale che ovviamente ne è servito da modello, il Ritratto di Carlo VII di Fouquet (verso il 1450) e dove troviamo la stessa inquadratura del modello a metà corpo, la testa di tre quarti, le mani poste nella parte anteriore del dipinto. Esami di laboratorio hanno attestato la presenza di un sotto strato d'argento sotto la lacca rossa del damasco davanti al quale èraffigurato Francesco I. L'elegante cappello piumato, il sontuoso viola bianco e nero ricamato in oro con forature sorrette da delicati aghi, il luccicante cappotto di raso e il colletto dell'Ordine di San Michele manifestano l'alto rango del modello, la cui qualità regale è indicata dalle corone fiorite del tendaggio. Tuttavia, il monarca, con benevolenza, guarda il pittore, e quindi gli spettatori - i suoi sudditi o i principi stranieri portati a contemplare questo dipinto ufficiale - La somiglianza con il modello è indiscutibile e senza lusinghe, se crediamo ad altri ritratti, come quello di Joos Van Cleve (Museum of Art di Philadelphia) o quello di Tiziano (1538, Museo del Louvre) dove troviamo lo stesso naso pronunciato, lo stesso mento arrotondato, trafitto da una fossetta che scompare sotto la barba, la stessa sensualità della bocca.

Gli storici dell'arte sono stati a lungo divisi sull'attribuzione di questo dipinto a Jean o François Clouet. Alcuni hanno persino visto la partecipazione dell'ipotetico fratello di Jean, Polet. Secondo alcuni critici, Jean dipinse il volto, mentre nella posizione aggraziata delle mani va riconosciuta la partecipazione di François.

Significato politico del ritratto

Jean Clouet ha imposto la sua visione del re a tal punto che essa persiste ancora oggi. Questo grande ritratto a mezzo busto, quasi frontale, con un volto di tre quarti, senza alcun attributo regale (ad eccezione della corona presente sullo sfondo), con il ricco costume e il cappello, sembra direttamente ispirato al ritratto di Carlo VII di Fouquet. Tuttavia, risponde anche alla grande innovazione del ritratto di stato rinascimentale: il re pone lo sguardo sullo spettatore. Quando è stato dipinto questo dipinto? Durante la prigionia del re in Spagna? Quando ritornò in Francia? Si noti che la faccia piuttosto piatta è troppo fortemente in contrasto con l'indumento reale. Quindi possiamo pensare che il dipinto sia stato eseguito in due fasi. È ovviamente fatto per rendere il monarca presente a corte nello splendore del suo potere. La rappresentanza del corpo del sovrano non può essere rimossa dal suo significativo contesto politico. Questo prestigioso modello ha quindi un valore che è insieme identitario e legittimante. Ci colpisce soprattutto la sontuosità del costume, simbolo di potere, che lascia l'impressione di una presenza fisica massiccia e intimidatoria, rafforzata dall'effetto gonfio del capo. Clouet ha anche reso tutti gli effetti della materia (seta, raso, velluto) in modo molto realistico. Il pittore ha quindi scelto questo vero e proprio abito cerimoniale, in grado di sottolineare la maestosità del modello. Infatti, Francesco I indossava quotidianamente, soprattutto abiti che coprivano il corpo fino ai piedi e spesso imbottiti. Ma tali vesti erano essenzialmente indossate dagli ufficiali di giustizia e finanza e non avrebbero potuto quindi costituire un'abitudine corrispondente alla maestà del re. Va anche notato che la scelta dei colori del costume del re non è priva di importanza: nero, bianco e color bronzo (marrone arancio) sono i colori personali di Francesco I, anche se si vestiva quotidianamente di tutti i colori, e sempre più in nero, sotto l'influenza della moda spagnola. Questa affermazione della magnificenza del monarca fu senza dubbio voluta da Francesco I, un Francesco I dalla corporatura robusta, un costume squallido come immagine politica in opposizione a quella del suo principale rivale, Carlo V di bassa statura e in abito nero. Questo ritratto segna così la necessità di aggiungere prestigio culturale alla corte di Francia, essenziale per la perpetuazione dell'immagine reale. Il grande ritratto di Clouet è oggi il modello di riferimento del ritratto di Francesco I, stabilendo definitivamente i criteri per identificare il monarca: un grande naso (una caratteristica elogiativa all'epoca), occhi a mandorla, capelli corti, barba, copricapo e colletto dell'Ordine di San Michele. Tuttavia, fu solo dopo il 1521, a seguito di un incidente in cui un panno venne a bruciargli il viso, che Francesco I adottò capelli corti e barba: ha poi lanciato una moda, proveniente dall'Italia, che è stata copiata da tutti i signori della corte. Il re cercò anche di introdurre, come Enrico VIII d'Inghilterra, una tassa sulla barba del clero, costringendo così a radersi anche i semplici monaci. La presenza del Collare dell'Ordine di San Michele sui ritratti reali è molto più simbolica.

Simbolismo del collare di San Michele

Rispondendo al collare del Toson d'Oro degli Spagnoli e dell'Ordine Inglese della Giarrettiera, il collare dell'Ordine di San Michele è una distinzione rara e prestigiosa, simbolo di fedeltà al re, fedeltà alla monarchia, finalmente vittoriosa. L'ordine era stato creato nel 1469 da Luigi XI che pose così la Francia sotto la protezione di San Michele (e non più Saint Denis, da quando gli inglesi occuparono poi Parigi), che seppe combattere il drago, incarnazione del male proveniente dal mare (come gli inglesi). La collana è formata da conchiglie d'oro e il medaglione raffigura la vittoria sul drago. Tuttavia, questo ritratto di Clouet e quello di Tiziano furono difficilmente copiati e diffusi prima del XIX secolo, una volta esposto al Louvre dal 1804 quello di Tiziano e dal 1848 quello di Clouet. Nel XVI secolo, il più diffuso era quello realizzato da Joos van Cleve intorno al 1532. Tuttavia, van Cleve riprende già lo stesso motivo di Clouet: disposizione generale, naso grande, barba, cappello piumato bianco, mano sinistra posta sul pomello della spada, mano destra che tiene un guanto, grande sviluppo del busto imponente.