L'evoluzione storica e artistica delle icone ortodosse nel tempo

Origine e significato delle icone

Le icone, dal greco eikôn ("immagine"), sono immagini sacre dei paesi ortodossi, portatili o fisse.

Raggruppate all'interno della Chiesa ortodossa sulla parete di legno che separa i fedeli dal luogo in cui il sacerdote officia (= iconostasi) e disposte secondo un ordine stabilito, le icone trovano il loro posto non solo negli edifici religiosi dell'impero bizantino, ma anche in quelli di tutti i paesi della religione ortodossa, fino alla Russia. Spesso, si trovano anche all'interno di abitazioni private

Evoluzione storica delle icone

Le icone più antiche risalgono al V e VI secolo. Scoperte nel monastero di Santa Caterina sul Monte Sinai, sono state dipinte a cera e sono simili ai ritratti funerari romano-egiziani, sia nel modo che nel tipo e nell'intensa espressione dello sguardo dei personaggi.

Dopo il Concilio di Nicea II del 787, quando si concluse la prima "disputa delle immagini" – in cui la dottrina dell'iconoclastia si era violentemente opposta alla rappresentazione degli esseri divini – il ruolo e il significato teologico dell'icona furono chiaramente definiti per essere nuovamente specificati nell'843, alla fine della seconda crisi iconoclasta.

Funzione e rappresentazione delle icone

Sebbene siano riconosciuti come oggetti di culto, le icone hanno una funzione e un'origine molto diverse dalle icone dei ritratti. I primi, il cui ruolo è didattico, traspongono in immagini episodi dell'Antico e del Nuovo Testamento e le vite dei santi. Invece, le icone, che derivano dai dipinti del Fayoum, sono considerate sacre, persino miracolosi; alcuni di questi ultimi, qualificati come acheiropoietes (= non eseguiti dalla mano dell'uomo), potrebbero quindi essere giudicati di essenza divina. In entrambi i casi, le icone sono rappresentazioni che, secondo san Giovanni Damasceno, "contengono un mistero e, come un sacramento, sono portatrici di energia e grazie divine".

Arte bizantina e scuole regionali

Le icone sono state a lungo dipinte da sacerdoti che, non firmando le loro opere, hanno rafforzato il potere spirituale dell'immagine. Nel corso dei secoli, l'arte bizantina riprodurrà le stesse figure sacre, seguendo degli standard ben definiti; così, durante L'XI secolo, i monaci del Monte Athos raccolgono, in un trattato, le istruzioni riguardanti sia la tecnica del disegno che l'uso dei colori, nonché la rappresentazione dei personaggi e la scelta del soggetto.

Sebbene queste rigide regole proibissero qualsiasi interpretazione personale, verso la fine DELL'XI secolo una certa evoluzione è accompagnata dalla formazione di scuole regionali o straniere. L'Ospitalità di Abramo (XIV secolo, esposta al Museo Benaki, Atene) o la Crocifissione (Museo di Berlino) sono tra le opere più rappresentative di un'arte che ebbe, in Russia, uno sviluppo prodigioso al tempo in cui il principe Vladimir, regnante a Kiev e convertito all'Ortodossia nel 988, invitò nella sua città, diversi artisti di Costantinopoli.

Influenza russa e scuole artistiche

Conosciamo solo poche icone russe certamente eseguite a Kiev, all'epoca in cui la città ereditò l'arte bizantina. La famosa Vergine di Vladimir (Galleria Tretyakov, Mosca), da Costantinopoli, sembra essere arrivata nella città ucraina intorno al 1155. I pittori russi, pur ispirandosi ai loro modelli bizantini, presto realizzarono delle icone in un modo un po 'diverso; ma coloro che per primi lavorarono anonimamente a Kiev non riuscirono, almeno per i posteri, a fare scuola: nel 1240, la devastazione della città da parte dei mongoli portò alla distruzione di un gran numero di immagini religiose.

Sviluppo artistico in Russia

Se le scuole brillanti si svilupparono nelle città di Suzdal e Vladimir dal XII al XV secolo, a Laroslav, dal XIII al XVII secolo, la produzione delle icone più spoglie, ma più significative, proveniva Novgorod. Dall'XI secolo fino a quando la città fu annessa a Mosca nel 1475, opere come l'Angelo dai capelli d'oro, San Giorgio o l'Ingresso a Gerusalemme testimoniano la maestria raggiunta dai suoi artisti. L'influenza bizantina scomparve per far posto a un'arte sempre meno ieratica e ispirata.

Supremazia artistica di Mosca

Dopo la caduta di Costantinopoli, presa dai turchi ottomani nel 1453, solo Mosca poté rivendicare la supremazia artistica nel campo dell'icona. La città ebbe maestri che dirigevano il lavoro nei laboratori e imprimevano alle opere la loro personalità. Lo stile di Teofane il Greco (1335-1410 circa) ricorda i primitivi italiani: la Vergine del Don. Lo stile di Andrei Rublev (circa 1360-1430) è simile a quello del suo contemporaneo Beato Angelico. La Trinità, uno dei capolavori di Rublev, con la sua composizione erudita e semplice allo stesso tempo, il suo gioco sottile e discreto di linee, i suoi rapporti tonali, offre le caratteristiche essenziali di un capolavoro. La Crocifissione è una delle icone più belle del Maestro Denis (1440-1508 circa).

Influenze occidentali e cambiamenti

Dopo l'incendio di Mosca nel 1547, pittori provenienti da tutta la Russia furono chiamati nella capitale per eseguire nuove icone. Dall'anno 1551, i laici sostituirono gradualmente i monaci ortodossi nella produzione di icone. Verso la fine del XVI secolo, gli Stroganov, una potente famiglia di mercanti, ordinarono icone realizzate in uno stile affascinante, pieno di bellezza, il cui spirito era già legato a effetti decorativi gratuiti. La prospettiva e gli aspetti sempre più realistici testimoniano l'influenza dell'Occidente cattolico. D'ora in poi, le icone saranno, artisticamente, molto distanti dal sentimento mistico e dalla poesia che emanavano da quelle tradizionali.

Icone nei Balcani e in Serbia

Dobbiamo le numerose icone trovate nei Balcani ai pittori greci, che le importarono o le eseguirono sul posto. Tra le più notevoli, ma direttamente correlate allo stile bizantino, le icone di Okhrid, in Macedonia, risalgono al periodo che dall'XI secolo alla fine del XIV secolo.

Fino a quando il dominio turco non si impose sulla Serbia, questo paese conobbe un grande sviluppo dell'arte dell'icona, caratterizzata dall'uso di colori vivaci, da forme più libere e meno soggetto ai modelli bizantini. Le icone della Dalmazia, di origine locale o italiane, sono fortemente intrise di influenze occidentali, e il loro stile, quando non italo-bizantino, è toscano o veneziano. Alle icone dalle influenze bizantine, jugoslave e greche si aggiungono le notevoli produzioni italiane e cretesi, che combinano la via bizantina con l'artigianato italiano.

Diffusione e tecniche di pittura

L'arte dell'icona si diffuse in Bulgaria dal X secolo. Dipinte in uno stile inizialmente molto simile a quello dell'arte bizantina, le icone bulgare, verso la fine del XV secolo, vengono eseguite nella tradizione di un'arte popolare goffa, ma non priva di fascino. Dal 1396, l'intera cultura bulgara soccombette al dominio ottomano e con essa anche l'arte dell'icona.

Le icone della Romania sono paragonabili a un'arte che è il più delle volte una manifattura artigianale.

Materiali e tecniche di realizzazione

Le due principali tecniche di pittura di icone, entrambe ereditate dall'antichità, sono l'encausto e la tempera. Il primo, che consiste nel mescolare pigmenti colorati con cera riscaldata, è stato utilizzato principalmente nel VI e VII secolo ed è abbastanza vicino ai dipinti funerari dell'Egitto come li conosciamo dai Ritratti del Fayum.

Dall'VIII secolo, la tempera, che utilizza colori diluiti in acqua con l'aggiunta di uova, diventa la normale tecnica di pittura di icone.

Processo di creazione delle icone

L'icona è realizzata su una tavola di legno senza nodi, la doska. Tutti i legni possono teoricamente essere utilizzati per realizzare le tavole, purché siano asciutte. Di conseguenza, per secoli, l'iconografo (di solito un monaco) ha usato il legno che ha trovato nelle vicinanze. Il tiglio sembra il più adeguato perché molto omogeneo e tenero. Inoltre, è facile da lavorare. Ma a seconda della regione vengono utilizzati legni diversi; nei paesi mediterranei: cipressi, platani, querce, palme. In Russia e nei Balcani, tiglio, betulla, quercia, frassino; faggio e abete nel nord. Il più delle volte il legno è leggermente scavato nella parte in cui sarà dipinta l'immagine.

Sul fondo, veniva stesa, caldo, della colla di pelle, poi una tela chiamata pavoloka la cui finezza dipendeva dalla ricchezza dell'icona.

Questa tela veniva poi ricoperta da diversi strati di una miscela di colla e polvere di alabastro chiamata "levkas" o "gesso" che, dopo l'essiccazione, veniva levigata per ottenere una superficie liscia e uniforme.

Sulla doska preparata, l'iconografo riportava il disegno dell'icona, seguendo scrupolosamente le indicazioni fornite dai maestri e utilizzando modelli esistenti. Le linee del disegno erano poi leggermente incise nella levkas.

Lo sfondo dorato veniva applicato su un rivestimento rossastro prima che iniziasse il dipinto vero e proprio.

Poi, arrivava la fase di verniciatura, composta da pigmenti minerali naturali (ocra, ossidi metallici...) o animali (nero avorio...). I pigmenti mescolati con tuorlo d'uovo e acqua vengono applicati con un pennello (una tecnica nota come "tempera"), iniziando con le tonalità più scure e poi schiarindo. Per le parti visibili del corpo (viso, mani...) l'iconografo stendeva prima uno sfondo ocra scuro (il "proplasma") che esaltava i lineamenti delle figure.

Le icone di solito hanno indicazioni scritte che specificano la persona o il tema raffigurato. Infine, l'icona è protetta da un preparato a base di olio di lino.

L'icona aveva, talvolta, un rivestimento di metallo prezioso (argento o argento dorato), lavorato a sbalzo e decorato con ornamenti floreali, busti di santi in medaglioni o piccole scene e spesso arricchito con smalti o gemme. Esso, poteva essere limitato alla cornice o coprire l'intero sfondo o anche l'intera superficie dell'icona, ad eccezione del viso.