Riassunto esame Storia dell'arte contemporanea, prof, Valotti, libro consigliato L'opera d'arte, Guardini

L'opera d'arte di Romano Guardini

Romano Guardini è un filosofo/teologo che crede molto nella storia dell’arte. Punto di riferimento per artisti in Germania, fa parte di coloro che hanno spinto per il Concilio Vaticano II.

Estetica = disciplina che considera la storia dell’arte sul piano assoluto comprendendo tutti i casi di esperienza fisica. Non può essere normativa: ha il compito di spiegare in cosa consiste l’esperienza artistica e che posto abbia rispetto all’esperienza umana.

L’arte contemporanea costringe ad una posizione umana più aperta, più interrogativa di fronte all’opera. L’opera d’arte apre, non chiude, alla totalità. L’opera d’arte si basa su un centro. Il rischio è strumentalizzare l’arte, ovvero far dire all’opera quello che vogliamo noi.

La questione

Ci si domanda cosa sia questa strana entità, l’opera d’arte, così irreale e tuttavia così efficace, così superflua secondo tutti i criteri pratici e così indispensabile per chi l’ha vista.

Incontro e costituzione della forma

Chi ha talento pittorico incontrandosi con un oggetto della realtà esterna (es. un albero, un animale…) si sente toccato dalla particolare caratteristica delle sue linee, colori e movimenti che lo fanno non solo essere, bensì dire qualcosa, rivelare attraverso la facoltà della forma dell’essenza. In questo stato l’artista si protende verso ciò che si trova fuori di lui per ricrearlo di nuovo. In che modo però? Lo riproduce e costituisce un prodotto che appare esteriormente simile all’oggetto (simile: entro i limiti fissati dal materiale che utilizza e dalla particolare tendenza stilistica). In questo operare egli diventa creatore.

Tale creatività è subordinata ad un compito: serve all’esistenza. In che senso? Le forme di una cosa esprimono l’essenza dell’oggetto, l’artista si sente spinto a svilupparla. Vede affiorare dalle forme l’essenza e si mette a sua disposizione affinché possa rivelarsi più pienamente. Il pittore guidato dalle forme le domina e le plasma e compie qualsiasi cosa per esaltare la loro forza. Il pittore cogliendo l’essenza della cosa coglie in verità anche sé stesso. Quando percepisce il contatto essenziale di quell’ente, si risveglia nella sua propria essenza qualcosa. Questo significa l’incontro che non è semplice imbattersi: vediamo una cosa, ne percepiamo la caratteristica peculiare e come un’eco vivente, qualcosa risponde in noi stessi.

L’artista non coglie semplicemente la cosa come gli sta dinanzi, ma dalla sua apparenza ricava l’essenza; allo stesso modo emerge nell’incontro anche la sua propria essenza, qualcosa di quanto egli non è semplicemente ogni giorno, bensì giace nel suo intimo più profondo (non si tratta però di soggettivismo). A seconda delle diverse epoche e delle diverse personalità differiscono anche gli aspetti che inducono all’opera d’arte: l’interesse di alcuni artisti si rivolge verso il movimento (Michelangelo) ecc. Fino alla Prima Guerra Mondiale l’arte parte da ciò che è dato dalla natura per plasmarlo, poi gli artisti ricercano forme elementari alla base delle figure naturali per esprimere la realtà elementare della vita.

Diverso è anche il processo in cui l’artista, avuta la prima impressione, ricerca ed elabora. Ci si accosta qui alla storia della singola opera d’arte nell’artista e, insieme, la storia che egli stesso sperimenta nel suo creare. Così ci sono artisti in cui l’impressione si trasforma immediatamente nell’opera (esempio, i disegni geniali di Daumier). Altri, invece, avvertono il contatto, ma poi inizia un lungo processo; una lenta genesi e lotta che si esprime in ripetuti tentativi, sempre ripudiati, finché da ultimo si giunge al risultato vero e proprio (esempio, Hans von Marées).

Le immagini

Ciò che abbiamo finora esposto si poteva scorgere immediatamente nell’opera d’arte. Ci sono però anche altri elementi che non si presentano così palesemente, ma non per questo sono meno importanti. Vi rientrano "le immagini".