Arte accademica – Caratteristiche ed evoluzione

Definizione e origine dell'arte accademica

Nelle Belle Arti, il termine "arte accademica" è usato per descrivere un particolare stile pittorico , difeso dalle accademie d'arte europee, in particolare dall’Accademia francese di Belle Arti.

Questo stile artistico "ufficiale", che in seguito fu associato alla pittura neoclassica e, in misura minore, al Simbolismo, è il risultato in una serie di regole pittoriche e scultoree che tutti gli artisti, per essere tali, dovevano rigidamente seguire. Particolare enfasi è stata posta sull'elemento intellettuale, combinato con un insieme di regole estetiche. Soprattutto, i dipinti devono contenere un messaggio sufficientemente alto. L’olandese Peter-Paul Rubens e il francese Nicolas Poussin, due pittori del XVII secolo, sono tra gli artisti le cui opere caratterizzano meglio di altri, gli ideali dell'arte accademica.

Influenza e declino dell'Accademia francese

L’Accademia francese ottenne ben presto l’approvazione della monarchia perché il re, in tal mondo, intendeva rafforzare il proprio controllo e la propria autorità sulla vita artistica del paese. Col tempo, fra la vita artistica reale e le regole dettate dall’Accademia si scavò un fossato sempre più profondo. Basti pensare che artisti come Courbet, Monet, Van Gogh e Picasso, pur ignorando completamente i suoi dettami, ebbero un ruolo fortemente innovativo nell’arte del proprio tempo.

Sviluppo delle Accademie in Europa e America

Le prime Accademie sorsero nel XVI secolo con l’obiettivo di formare i giovani pittori, insegnando loro i canoni dell’arte classica, rivalorizzata dal Rinascimento. Si sarebbero anche resi autonomi dalle corporazioni di mestieri, molti influenti, e, distinguendosi al di sopra della categoria degli apprendisti di bottega e potevano pensare ad emergere e a farsi un nome. In Italia nella seconda metà del XVI, furono fondate l’Accademia di Firenze e di Roma, la cui creazione, però suscitò malcontenti all’interno delle corporazioni perché vedevano in esse un rischio di vedere diminuire l’importanza del loro lavoro.

Invece nel resto dell’Europa, le Accademie proliferarono rapidamente: la prima aprì ad Haarlem, seguita dall’Accademia Reale di Parigi, nel 1648. In breve tempo, tutte le grandi capitali europee ebbero la loro. In America, la prima Accademia di Belle Arti nacque a Filadelfia, nel 1805.

Principi fondamentali dell'arte accademica

I principi più importanti su cui si fondava l'arte accademica erano:

3.1. Razionalità

Lo stile artistico "intellettuale", voluto dall’Accademia era in contrasto con lo stile "sensuale e raffinato" del Rococò, con lo stile "con finalità sociali" del Realismo francese, con lo stile "visivo" dell’Impressionismo, e con lo stile "emozionale" dell’Espressionismo. Considerava le belle arti come una disciplina intellettuale che implicava molte ragioni. La "razionalità" di un dipinto era quindi fondamentale. Questa razionalità era esemplificata dal soggetto di un'opera, dal suo uso di allegorie classiche o religiose e / o dai suoi riferimenti a soggetti classici, storici o allegorici. Si richiedeva una pianificazione attenta – attraverso gli schizzi preliminari o l'uso di modelli in cera.

Grande importanza veniva data al "messaggio" del dipinto, che doveva essere “edificante”, cioè, esprimere un alto contenuto morale. Questo principio era la base per la “gerarchia", un sistema di classificazione annunciato per la prima volta nel 1669 dall'Accademia Francese. I generi sono elencati nel seguente ordine di importanza:

(1) Pittura a tematica storica

(2) Ritratto d'arte

(3) Pittura di genere

(4) Paesaggi

(5) Natura morta

L'idea era che i dipinti di storia costituissero modalità più consone con cui comunicare un messaggio chiaro. La scena di una battaglia o una di ispirazione biblica era adatta a trasmettere un ovvio messaggio morale sul coraggio o sulla spiritualità (per esempio), mentre un'immagine di natura morta di un vaso di fiori avrebbe fatto fatica a raggiungere l’identico obiettivo, anche se, in pratica, gli artisti sono riusciti a far veicolare contenuti morali con tutti i tipi di immagini, comprese le nature morte. Si veda, ad esempio, la “pittura di vanità”, introdotta da Harmen van Steenwyck (1612-56) e altri, che generalmente, descrivendo un insieme di oggetti simbolici, trasmettevano una serie di messaggi morali basati sulla futilità di una vita senza valori cristiani.

Oltre ai principi cristiani o alle qualità umanistiche, gli artisti venivano incoraggiati a comunicare una verità o un ideale eterno allo spettatore. Pertanto, alcuni dipinti accademici sono semplici allegorie con nomi come "Sera", "Amicizia", ecc., in cui l'essenza di questi ideali è incarnata da una singola figura.

Nel corso del tempo, le autorità accademiche hanno gradualmente messo in atto una serie di regole e convenzioni pittoriche. Eccone una piccola selezione:

Dibattiti storici sull'arte accademica

Le caratteristiche dell'arte accademica non sono apparse improvvisamente. Al contrario, sono emerse nel tempo, a seguito di diversi dibattiti sui diversi punti di vista, solitamente incarnati da alcuni artisti che poi sono diventati "modelli" da copiare. Ci sono stati diversi dibattiti, come ad esempio:

Il Rinascimento italiano ha visto opporsi due importanti fazioni: il Rinascimento fiorentino, fazione che difendeva la supremazia del "Disegno" e la fazione del Rinascimento veneziano che preferiva il "colorito"(= colore). La differenza tra queste due fazioni può essere riassunta come segue:

Per un fiorentino, un dipinto consisteva in una forma/disegno più un colore: in altre parole, il colore era una qualità da aggiungere al disegno. Ma per un veneziano, un dipinto consisteva in una forma/disegno fuso con il colore: in altre parole, era inseparabile dal disegno. A Firenze, il colore era considerato un attributo dell'oggetto a cui apparteneva: così, un cappello blu o un albero verde erano aree di blu e verde confinate entro i confini di questi oggetti. A Venezia il colore era considerato una qualità senza la quale non si può dire che il cappello o l'albero esistano, e quindi la capacità del pittore di mescolarsi. I pigmenti colorati erano della massima importanza.

Confronto tra Poussin e Rubens

Dopo che l'Académie francese fu riorganizzata nel 1661, si accese un forte dibattito fra due fazioni rivali. L’oggetto del contendere era questo: quale stile artistico è superiore – quello dell'artista francese, Nicolas Poussin o quella del pittore fiammingo Peter Paul Rubens. Poussin era specializzato nella realizzazione di tele di formato medio, nella pittura mitologica e nella rappresentazione di paesaggi classici e di ambiente pastorale, come E in Arcadia Ego (1637); egli metteva in valore soprattutto la chiarezza e la razionalità. Per molti, questo approccio razionale di alto livello lo rese la perfetta incarnazione degli ideali dell'Accademia. Rubens, d'altra parte, dipinse tutte le grandi scene religiose e storiche con enorme verve e stile, e con un’attenzione eccezionale per i colori sontuosi. In poche parole, la domanda era: la linea di Poussin (disegno) o il colore di Rubens (colorito) dovrebbero essere predominanti? Cuore dell'arte: intelletto o emozione? La questione non fu mai definitivamente risolta – anche perché entrambi erano artisti eccezionali – ed essa riemerse un secolo e mezzo dopo.

Neoclassicismo e Romanticismo nel XIX secolo

Nel XIX secolo, la discussione fu ripresa, ma questa volta con nuovi artisti: i dipinti neoclassici di Jacques-Louis David come la Morte di Marat (1793) e il Giuramento degli Orazi (1785) – e del suo discepolo Ingres, contrastavano con la drammaticità di ispirazione romantica di Eugene Delacroix. Ingres era l'accademico per eccellenza. I suoi ritratti in sordina, i nudi femminili e i dipinti di soggetto storico erano splendidamente disposti e realizzati secondo le convenzioni classiche. Al contrario, Delacroix era l'eroe focoso del Romanticismo le cui vigorose, a volte violente (anche se accuratamente preparate e abbozzate) tele di grande formato rappresentavano un'interpretazione molto più semplice della teoria classica.

Alla fine, Ingres fu nominato direttore dell'Accademia francese di Roma e coprì tale incarico per 5 anni (1835 - 1840), ma l'obiettivo dell'arte francese diventò presto quello di arrivare ad una sintesi fra la linea perfetta ed armoniosa del Classicismo e il colore del Romanticismo.

Metodi di insegnamento accademico

Un altro dibattito sullo stile artistico accademico ha riguardato i metodi di lavoro di base. Era meglio per un artista imparare l'arte osservando la natura o imitando i dipinti dei vecchi maestri? In altre parole, cosa era superiore: la capacità intellettuale di interpretare e organizzare ciò che vediamo, o la capacità di riprodurre ciò che vediamo? In un certo senso, questo dibattito accademico ha anticipato le dispute tra impressionisti e post-impressionisti sui meriti di una meticolosa configurazione dello studio rispetto alla spontaneità.

Fino al 1863, l’unico insegnamento si basava sull’imitazione delle opere di vecchi maestri. Copiare tali capolavori era considerato l'unico modo per imparare e fare propri i principi di contorno, luce e ombra.

Gli studenti iniziavano con il disegno, ricopiando opere dei classici, di Michelangelo e Raffaello. La produzione veniva poi sottoposta a valutazione. In caso di successo, passavano poi a disegnare, prendendo come modello calchi in gesso o originali di statue antiche. Ancora una volta, dovevano presentare i disegni per la valutazione. In caso di successo, erano autorizzati a copiare nudi maschili dal vivo.

Una delle conseguenze collaterali dell’importanza data al nudo maschile fu quello di rendere difficile per le donne artiste entrare nell'Accademia fino alla seconda metà del diciannovesimo secolo (1861 per la Royal Academy di Londra), per ovvie ragioni morali.

Dopo solo diversi anni di formazione nel disegno, così come nell'anatomia e nella geometria, agli studenti veniva permesso di dipingere, cioè di usare il colore. Inoltre, regolari concorsi artistici si svolgevano in condizioni cronometrate per registrare le abilità di ogni studente.

Allo stesso tempo, le accademie mantennero il rigoroso sistema di classificazione del genere della pittura. La pittura storica era la forma più alta, seguita da ritratti, dipinti di genere, paesaggi e infine nature morte. Così, i premi più alti erano assegnati ai pittori storici - una pratica che causava molto malcontento tra gli artisti studenti.

Mostre e riconoscimenti accademici

Di norma, durante l’anno, ogni accademia d'arte teneva una serie di mostre (saloni), suscitando un vivo interesse da parte di acquirenti e collezionisti. Perché un dipinto fosse accettato dal Salon, doveva prima essere approvato dalla giuria – un comitato di accademici che controllava ogni presentazione.

Un successo in una di queste mostre era un sigillo di approvazione garantito per un aspirante artista. Di solito erano esposte diverse migliaia di dipinti: c'era una forte concorrenza per una posizione di rilievo da parte del comitato, che, come al solito, era influenzato dal genere di un dipinto e (probabilmente) dalla "conformità accademica" del suo artista.

L'Accademia Francese, ad esempio, aveva una propria mostra d'arte ufficiale, nota come Salon de Paris. Tenuto per la prima volta nel 1667, il Salon era l'evento artistico più prestigioso del mondo. Di conseguenza, la sua influenza sulla vita artistica francese fu enorme. Una mostra di successo al Salon offriva a un artista anche un notevole vantaggio commerciale.

Anche se un artista si era diplomato in una scuola dell'Accademia e si era "mostrato" al Salon, le sue prospettive dipendevano ancora in gran parte dal suo status all’interno dell’Accademia. Agli artisti che si esibivano regolarmente al Salon di Parigi e i cui dipinti o sculture erano stati "approvati" poteva essere offerta una forma associativa e, infine, una piena adesione all'Accademia, cioè gli veniva conferito lo status di Accademico. Ottenere questo ambito onore era l'obiettivo di qualsiasi pittore o scultore ambizioso.

La British Royal Academy (RA) si poneva sulla stessa linea dell'Accademia francese di Belle Arti, anche se, in certi casi, adottò un atteggiamento più autonomo. Ad esempio, nonostante uno stile non certamente ortodosso, a Turner non fu impedito di diventare il membro più giovane della RA.

Declino e alternative all'arte accademica

Nel 1860, l'Accademia Francese e altri avevano perso il contatto con le tendenze artistiche e continuarono ostinatamente a promuovere l'arte accademica e un metodo di insegnamento rigido, obsoleto e scollegato dagli stili moderni. Insistevano sempre nel classificare i dipinti secondo la "Gerarchia dei generi".

A causa di questa incapacità di tenersi aggiornati, il ruolo dell’Accademia divenne sempre più conservatore e alla fine subì un declino significativo. I primi segni di declino apparvero nel 1863, quando Napoleone III creò un Salon des Refusés, contemporaneamente al salone ufficiale, per presentare al pubblico tutte le opere respinte dalla giuria del Salon ufficiale. Questa mostra alternativa si rivelò popolare quanto quella ufficiale. Fra l’altro, è doveroso sottolineare che l'impressionismo francese non fu accettato dalla mostra ufficiale, e i pittori furono costretti ad organizzare delle mostre private e quindi senza il patrocinio dell’Accademia.

A cavallo fra il XIX e il XX secolo fu grazie a queste esposizioni alternative che il pubblico poté entrate in contatto con le nuove e moderne correnti pittoriche che snobbavano le regole dell’Accademia come il neoimpressionismo, il fauvismo e il cubismo e tutta l’arte astratta in genere.

Nel 1880, due sistemi artistici erano attivi contemporaneamente in Francia:

• il sistema "ufficiale", che coinvolgeva l'Accademia di Belle Arti e la Scuola di Belle Arti

• un sistema alternativo, che comprendeva scuole private, il Salon des Indépendants e altre sedi espositive sempre private.

Il sistema ufficiale era rivolto ai conservatori ma non aveva alcuna influenza reale altrove, soprattutto perché l’arte innovativa era scoraggiata. Fu criticato da artisti realisti come Gustave Courbet per la sua promozione dell'idealismo, invece di prestare maggiore attenzione alle preoccupazioni sociali contemporanee. Fu criticato dai pittori impressionisti per la sua finitura estetica ordinata, costringendo gli artisti a modificare il dipinto per allinearlo agli standard stilistici accademici, idealizzando le immagini e aggiungendo dettagli perfetti. E i praticanti del realismo e dell'impressionismo contestarono il basso rango accordato nella gerarchia accademica dei generi. ai paesaggi, ai dipinti di genere e alle nature morte.

Nel frattempo, il sistema alternativo stava fiorendo. Ogni collezionista, commerciante e critico d'arte serio a Parigi prestava molta più attenzione ai nuovi sviluppi del Salon des Indépendants che al vecchio stile ripetitivo di pittura accademica del Salon ufficiale: le scuole private fiorirono. In Europa cominciarono a fiorire altre scuole, come la tedesca Bauhaus, funzionante dal 1919 al 1932. Nel frattempo, la Secessione, che si stava diffondendo in tutta Europa, creò delle tendenze progressiste, alternative alle tradizionali Accademie. Insomma, all'inizio del secolo, tutto ciò che era nuovo, innovativo ed eccitante veniva prodotto "fuori" dal sistema ufficiale.

La reputazione dell'arte in stile universitario si deteriorò ulteriormente durante i primi tre decenni del XX secolo. In primo luogo, come accennato in precedenza, c'era il Movimento espressionista, seguito da Cubismo, entrambi considerati totalmente anti-accademici. Poi, durante il periodo 1916-1925, il Movimento Dada attaccò l'idea stessa di arte tradizionale. Successivamente, ad eccezione del surrealismo figurativo e della pittura scenica americana, l'astrazione dominò l'arte almeno fino agli anni Sessanta. Così, movimenti come il Neoplasticismo, l’Espressionismo astratto e l’Op-Art, difendevano un insieme di estetiche completamente diverso da quello dell'arte accademica. Nessuno di questi stili richiedeva formazione accademica e la maggior parte sembrava contraddire quasi tutte, le regole stabilite dalla civiltà greca, riscoperte dal Rinascimento italiano e promosse dalle Accademie.

Dopo il 1960, il mondo dell'arte – il cui centro era ora situato a New York, non a Parigi – perse ancora le sue caratteristiche. A complicare la situazione, furono inventati nuovi tipi di arte, come l'arte concettuale. Emersero nuove forme di fotografia d'arte, così come vari tipi di tecnologie digitali e computer art. Significativo è il fatto che verso la fine del XX secolo, concorsi di arte contemporanea, come il Turner Prize raramente sono stati vinti da artisti di impostazione tradizionale provenienti da studi accademici.

Tuttavia, anche se rimane un divario tra lo stile artistico postmoderno e lo stile accademico, è ragionevole pensare che la situazione possa cambiare, nonostante il fatto che l'arte non accademica, sia il tipo di arte più alla moda nelle case d'asta come Christie's e Sotheby's.

Rinascita e modernizzazione dell'arte accademica

Perché potrebbe esserci una rinascita dell'arte accademica? L'arte insegnata nelle accademie di oggi è molto diversa da quella insegnata 50 anni fa, figuriamoci 100 anni fa. L'arte accademica stessa ha subito una significativa modernizzazione, sia in termini di contenuto che di metodi di insegnamento. Ma il motivo principale per cui potrebbe diventare più importante è che oggi è l'arte astratta e ipermoderna che domina: è questo genere di cose che è diventato importante. Quindi forse i collezionisti cercheranno qualcosa di nuovo – come un ritorno ai vecchi valori, almeno nella pittura o nella scultura. D'altra parte, la potenza sempre crescente dei computer, con il loro software di arte e design e altri strumenti online, potrebbe alla fine rendere tutti gli oggetti d'arte fatti a mano ridondanti o addirittura estinti.