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4-­‐UN  OGGETTO  IMMAGINARIO

•  Fermare  il  corso  del  tempo  

La   musica   è   presente   nelle   nostre   vite   e   nei   nostri   pensieri.   C’è   e   allo   stesso   tempo   non   c’è.   Ne   abbiamo   segni  

ovunque  (spartiti,  libri,  strumenti),  eppure  questi  segni  non  sono  la  musica.  Non  potete  indicare  la  musica  o  afferrarla,  

perché  non  appena  si  realizza,  scompare,  inghiottita  nel  silenzio,  senza  lasciare  tracce.  

Le  note  e  le  notazioni  assolvono  tre  funzioni:  

•   La   conservazione,  perché  danno  stabile  e  visibile  forma  all’evanescente  

•   Il  mezzo  per  la   comunicazione  della  musica  da  una  persona  all’altra,  ad  esempio  dal  compositore  all’esecutore.  

•   La   parte   integrante   della   concezione   della   musica,   dei   modi   in   cui   tutti   quelli   che   lavorano   con   la   musica   la  

immaginano  o  la  pensano.  

La  musica  del  passato  esiste  solo  in  una  sorta  di  vita  a  metà  perché  ci  sono  aspetti  della  musica  sui  quali  la  notazione  

non  dice  nulla,  ad  esempio  la  velocità  di  esecuzione  e  il  tipo  di  emissione  vocale.  Il  problema  persiste  ancor  oggi.  La  

notazione  conserva  la  musica,  ma  nasconde  altrettanto  di  ciò  che  rivela.  La  notazione  gioca  un  ruolo  fondamentale  nel  

mantenere   e   definire   la   cultura   musicale,   per   questo   occorre   distinguere   due   tipi   diversi   di   notazione   o   più  

precisamente  due  modi  in  cui  la  notazione  può  risultare  efficace:  la  rappresentazione  dei  suoni  (le  note,  i  silenzi…)  e  la  

rappresentazione   delle   cose   che   gli   esecutori   devono   fare   per   produrre   i   suoni   (per   es.   l’indicazione   “una   corda”   in   un  

pezzo  per  pianoforte  che  significa  che  bisogna  abbassare  il  pedale  di  sinistra),  non  descrive  un  suono  ma  l’azione  che  si  

compie  per  produrlo  e  a  questo  principio  fa  riferimento  il  tipo  di  notazione  detto  “intavolatura”.  Di  questa  notazione  

ce  ne  sono  diversi  tipi  dei  quali  i  vantaggi  sono  la  semplicità  di  apprendimento  rispetto  alla  notazione  su  rigo,  i  difetti  

sono  la  non  applicabilità  universale,  perché  se  uno  usa  la  notazione  per  una  chitarra,  questa  non  andrà  bene  per  un  

flauto.   L’intavolatura   è   usata   principalmente   in   oriente   e   ciò   non   fa   parlare   di   musica   omogenea   o   di   una   cultura  

musicale  comune  e  condivisa;  in  occidente  invece  si  parla  di  musica  occidentale.    

 

•  Musica  tra  le  note  

I  registratori  DAT  e  i  campionatori  non  sono  selettivi  perché  registrano  tutto.  Essi  non  sono  come  le  notazioni  musicali  

che   sono   condizionate   da   ciò   che   devono   o   non   devono   registrare,   fungendo   da   filtri.   Gli   etnomusicologi   usano   le  

tecniche   occidentali   per   studiare   musica   non   occidentale,   usano   la   notazione   su   pentagramma   per   trascrivere   la  

musica  che  studiano,  sia  per  capirla,  sia  per  comunicare  ai  lettori  le  proprie  conclusioni.  Hanno  la  consapevolezza  di  

costringere   la   musica   non   occidentale   in   un   sistema   che   non   era   stato   affatto   concepito   per   quella   musica.   La  

notazione   su   pentagramma   tratta   qualunque   musica   come   se   fosse   fatta   di   note   distinte,   ciascuna   posta   a   una  

determinata   distanza   dall’altra:   in   pratica   presuppone   che   tutti   gli   strumenti   funzionino   sullo   stesso   principio   del  

pianoforte.   Ma   molti   strumenti   non   funzionano   così:   sul   violino   si   possono   produrre   innumerevoli   suoni   intermedi   tra  

un  si  e  un  do;  lo  stesso  vale  per  la  voce  umana.  Inoltre  la  musica  indiana  o  cinese  è  composta  da  suoni  per  così  dire  

“tra   le   note”.   Musica   e   notazione   erano   in   conflitto.   Vi   sono   due   correnti   anche   all’interno   della   spera  

dell’etnomusicologia:   c’è   chi   pensa   che   il   sistema   occidentale   debba   essere   assunto   come   notazione   universale,   chi  

invece   considera   la   notazione   occidentale   come   indispensabile   solo   per   comunicare   qualcosa   della   musica   di   una  

cultura  a  lettori  che  non  ne  conoscono  il  sistema  di  scrittura.  Il  fatto  che  la  notazione  non  si  preoccupi  di  sottigliezze  

dinamiche  o  temporali,  non  significa  che  noi  non  ce  ne  dobbiamo  preoccupare.  E  se  la  nostra  notazione  semplifica  la  

musica  eliminando  queste  cose,  è  perché  la  semplificazione  è  nella  natura  dei  sistemi  di  notazione.  Una  notazione  che  

cercasse  di  scrivere  tutto,  finirebbe  per  essere  troppo  complicata  per  essere  letta.  Ogni  notazione  omette  qualcosa:  

solo   che   ciascuna   omette   una   cosa   diversa.   In   termini   di   completezza   e   fedeltà,   nessun   altro   mezzo   di  

rappresentazione   della   musica   potrebbe   competere   con   un   CD:   il   fatto   che   continuiamo   a   usare   la   notazione  

tradizionale  dimostra  quanto  siano  importanti  per  noi  le  altre  sue  funzioni.  La  notazione  trasmette  un  intero  modo  di  

concepire  la  musica.  La  partitura  stabilisce  solo  la  struttura  che  identifica  come  essenziali  certi  attributi  della  musica,  e  

se   l’esecutore   non   li   rispecchia   allora   non   la   si   può   definire   un’esecuzione   di   quella   musica.   La   struttura   fondamentale  

nota-­‐dopo-­‐nota  è  una  parte  della  musica,  perché  c’è  anche  una  variabile  interpretativa  grazie  alla  quale  scegliere  se  

suonare  lentamente,  velocemente,  piano  o  forte.  

 

•  Il  maestro  del  minimo  passaggio  

La  demarcazione  tra  ciò  che  è  determinato  dalla  notazione  e  ciò  che  non  lo  è,  ciò  che  costituisce  un  dato  di  fatto  e  ciò  

che  invece  è  questione  di  esecuzione  interpretativa,  è  una  delle  cose  che  definiscono  la  cultura  musicale;  definisce  il  

modo  in  cui  la  musica  viene  trasmessa,  anche  il  modo  in  cui  si  pongono  in  relazione  tra  loro  i  soggetti  le  cui  attività  

definiscono  insieme  una  cultura  musicale.  Comporre  nell’ambito  di  una  qualunque  tradizione  significa  concepire  dei  

suoni  in  termini  di  particolari  configurazioni  di  determinatezza  e  indeterminatezza,  compatibili  con  quella  tradizione;  

ciò   a   sua   volta   significa   che   la   notazione   è   più   collegata   all’atto   compositivo   di   quanto   si   crede.   Sia   Mozart   che  

Beethoven   riescono   a   vedere   la   musica   con   uno   sguardo   e   paragonarla   a   un’immagine.   La   composizione   avviene  

mentalmente  e  lo  scriverla  diventa  banale,  la  notazione  interviene  esclusivamente  dopo.  Essi  confermano  il  fatto  che  il  

concepire  la  musica  sia  esclusivamente  un  fatto  ideale,  svincolata  dallo  scrivere  su  carta.  Per  Mozart  e  per  Beethoven,  

come   anche   per   Dio   la   creazione   si   concentra   in   un   momento   di   verità,   dove   è   compresso   tutto   lo   svolgimento   del  

tempo;  è  proprio  questo  momento  che  gli  studiosi  cercano  di  riafferrare.  

 

•  Il  paradosso  della  musica  

Qualunque   descrizione   della   musica   comporta   delle   metafore,   ma   non   sempre   sono   evidenti   (note   alte   e   basse,  

consistenza…).  Le  metafore  sono  talmente  comuni  nel  nostro  linguaggio  che  non  ci  accorgiamo  di  usarle  e  tutte  queste  

metafore  illustrano  quella  che  le  supporta  tutte  e  che  potrebbe  essere  definita  la  metafora-­‐base  della  cultura  musicale  

occidentale:   la   musica   è   una   sorta   di   oggetto.   La   notazione   occidentale   su   pentagramma   mostra   la   musica   “muoversi”  

su  e  giù  e  da  sinistra  a  destra,  ma  non  si  muove  nulla;  quando  si  girano  le  pagine  di  uno  spartito  separiamo  la  musica  

dal   passare   del   tempo.   Qui   si   trova   il   paradosso   fondamentale   della   musica.   Viviamo   la   musica   in   una   dimensione  

temporale,  ma  per  manipolarla  e  comprenderla  la  mettiamo  al  di  fuori  del  tempo  e  in  questo  senso  la  falsifichiamo.    

   

5-­‐UNA  QUESTIONE  DI  RAPPRESENTAZIONE

•  Due  modelli  di  arte  

Il   filosofo   Ludwig   Wittgenstein   paragonò   la   comprensione   di   una   frase   alla   comprensione   di   un   tema   musicale   in  

occasione   di   un’argomentazione   contro   la   teoria   “rappresentativa”   del   linguaggio.   Questa   teoria   è   radicata   molto  

profondamente   nella   cultura   occidentale   e   quella   che   si   potrebbe   definire   estetica   “classica”   è   un   tentativo   di  

applicare   la   teoria   “rappresentativa”   alle   arti.   L’idea   di   opera   d’arte   senza   tempo,   quasi   religiosa,   si   ricollega   al  

pensiero   ottocentesco   sulla   musica.   Essa   però   era   considerata   come   parte   dell’estetica   classica   già   da   molto   prima.  

L’idea  che  la  musica  sia  una  rappresentazione  dell’armonia  cosmica  perdurò  fino  al  Medioevo  e  al  Rinascimento.  Nel  

XVIII   secolo   fu   soppiantata   dalla   teoria   degli   affetti.   “Affetto”   inteso   come   a   metà   tra   uno   “stato   d’animo”   e  

“sentimento”   e   il   significato   della   musica   deriva   dalla   sua   efficacia   nel   cogliere   e   trasmettere   affetti   quali   amore,  

rabbia   o   gelosia.   La   musica   aveva   significato   in   quanto   rappresentava   una   realtà   esterna   alla   musica   stessa.   La  

principale   argomentazione   di   Wittgenstein   era   che   il   linguaggio   costruisce   la   realtà.   Benjamin   Lee   Whorf,   un   linguista,  

ha   proposto   una   teoria   secondo   la   quale   il   linguaggio   non   si   limita   a   riflettere   le   diverse   maniere   in   cui   le   diverse  

culture  vedono  il  mondo,  ma  le  determina.  È  possibile  che  il  linguaggio  costruisca  la  realtà  più  che  rappresentarla.  I  

valori  artistici  stanno  nell’esperienza  dello  spettatore,  che  non  è  più  elemento  staccato  dal  processo  artistico,  ma  ne  

diventa  partecipe  in  modo  essenziale.  In  questo  modo  i  presupposti  fondamentali  dell’estetica  classica  sono  ribaltati.  

Questo  approccio  può  essere  applicato  anche  alla  musica.  Le  metafore  accennate  precedentemente  rappresentano  sia  

qualcosa   che   già   si   è   esperito,   e   portano   a   esperire   la   musica   in   un   modo   diverso.   Pensando   alla   musica   come  

rappresentazione,   l’orchestra   classica,   con   la   sua   evoluzione,   riproduce   le   strutture   organizzative   della   società  

contemporanea  con  le  sue  gerarchie.  

 

•  Un  approccio  esauriente  alla  musica  

Il   contenuto   concreto   della   musica,   contribuisce   a   determinare   la   natura   della   società,   il   modo   in   cui   le   persone   si  

mettono  in  relazione  tra  loro.  La  musica  “d’arte”  della  tradizione  occidentale,  concepita  nell’ambito  della  metafora-­‐

guida  del  museo  immaginario  ed  espressa  in  una  notazione  di  incomparabile  efficacia,  è  pensata  per  la  riproduzione;  è  

pensata   per   essere   ascoltata   come   un’esecuzione   di   qualcosa   che   esiste   già   da   prima,   con   una   propria   storia   e   una  

propria   identità,   e   per   trarre   il   suo   senso   dall’essere   un’“esecuzione   di”   quella   cosa.   La   partitura   nasconde   tanto  

quanto   rivela,   gli   esecutori   hanno   un   ruolo   creativo   e   non   solamente   riproduttivo   nella   cultura   musicale   e   una  

semplice  occhiata  al  mercato  della  musica  rende  noto  che  l’interesse  che  gran  parte  della  gente  ha  per  la  musica,  è  

rivolto   alla   sua   interpretazione.   Esecutori   e   ascoltatori   sono   tutti   coinvolti   nel   medesimo   processo:   l’interpretazione  

della  musica.  Ci  occorrono  entrambe  le  modalità  di  approccio  alla  musica,  quella  basata  sulla  composizione  e  quella  

basata   sulla   ricezione   e   uno   dei   motivi   per   cui   occorre   un   approccio   basato   sulla   ricezione,   sta   nel   fatto   che   è  

onnicomprensivo:  la  ricezione  ci  dice  che  il  modo  migliore  per  capire  la  musica  è  starci  dentro.  Ci  dice  che  il  punto  di  

partenza  deve  essere  il  modo  in  cui  noi  usiamo,  interiorizziamo  o  ci  occupiamo  di  musica.  

 

   

6-­‐MUSICA  E  ACCADEMIA

•  Come  ci  siamo  arrivati...  

Nel   curriculum   medioevale,   lo   studio   della   musica   (intesa   più   come   una   disciplina   teorica   che   come   attività   pratica)  

occupava   un   posto   d’onore,   assieme   alle   scienze   matematiche,   alla   grammatica   e   alla   retorica.   In   seguito,   la   disciplina  

conobbe   un   lungo   declino.   Nella   prima   metà   del   XX   secolo   la   si   poteva   studiare   solo   in   poche   università.   Dopo   la   II  

guerra   mondiale,   però,   ci   fu   una   rapida   espansione   delle   università   e   in   questo   contesto   lo   studio   accademico   della  

musica   si   consolidò   come   soggetto   autonomo.   Il   progetto   di   Beethoven   di   interessare   gli   editori   a   produrre  

un’edizione  completa  e  autorevole  della  sua  musica,  fornì  un  modello  al  più  ambizioso  progetto  della  musicologia  del  

XX  secolo:  la  produzione  di  edizioni  autorevoli  della  musica,  sia  di  singoli  compositori,  sia  di  repertori  nazionali.  Questo  

progetto  implica  due  problemi:    

1) è   arduo:   spesso   vi   è   una   molteplicità   di   fonti,   sovente   malridotte,   incomplete   e   contraddittorie.   Le   versioni  

precedenti   alla   più   tarda   possono   aver   subito   degli   errori   di   stampa   o   viceversa,   quindi   ci   si   chiede   quale   sia   la  

versione  più  plausibile.  

2) può  essere  irrealizzabile:  la  musica  spesso  sopravvive  in  più  versioni,  ciascuna  delle  quali,  in  un  modo  o  nell’altro,  

ha   impresso   il   marchio   del   compositore.   Ci   si   chiede   quale   delle   versioni   pubblicate   sia   la   definitiva,   ma   in  

compositori-­‐pianisti   come   Chopin,   e   in   particolare   Liszt,   suonavano   la   loro   musica   ogni   volta   in   modo   differente,  

quindi  non  c’è  un’autorevole  e  unica  versione  della  loro  musica.  

Kerman,  faceva  delle  recriminazioni:  1-­‐  I  musicologi,  finita  di  curare  l’edizione  di  un  pezzo,  si  limitavano  a  passare  al  

successivo   e   non   facevano   uso   della   loro   conoscenza   musicale   come   base   di   una   critica.   Non   trattavano   la   cura   del  

lavoro   editoriale   come   qualcosa   che   potesse   contribuire   a   fare   della   musicologia   una   disciplina   umanistica.   2-­‐   La  

seconda   area   dell’attività   musicologica   può   essere   definita   come   quella   degli   studi   contestuali.   In   questo   caso,  

l’oggetto  principale  non  è  la  musica  in  quanto  tale,  ma  l’insieme  delle  circostanze  storiche  e  sociali  che  le  hanno  dato  

vita.   Ciò   può   spaziare   dalla   datazione   della   musica   e   dell’identificazione   dell’autore,   fino   alle   finalità   pratiche   della  

musica,   le   sue   funzioni   in   relazione   all’economia   o   alle   strutture   politiche   contemporanee   o   la   posizione   del  

compositore  e  degli  altri  musicisti  nella  società.  

 

•  ...e  come  venirne  fuori  

Una  migliore  relazione  tra  musica  e  accademia  si  può  ottenere  dalle  tendenze  esecutive  storico-­‐filologiche  prima  del  

libro   di   Kerman.   L’esecuzione   della   musica   del   passato   deve   essere   come   veniva   eseguita   in   origine.   Il   movimento  

dell’esecuzione   storica   subì   un’evoluzione   graduale,   fino   ad   arrivare   alla   formazione   di   gruppi,   o   band,   di   esecutori  

“storici”,   di   solito   che   si   dedicano   a   musica   medioevale   o   del   primo   periodo   rinascimentale,   e   lavorano   in   tournée  

come   i   gruppi   rock.   Un   grande   successo   lo   ebbe   David   Munrow.   Oggi   l’esecuzione   storica   è   accolta   in   ambito  

accademico,  però  prima  di  arrivare  a  questo  ci  sono  state  molte  accese  discussioni  durante  gli  anni  80.  Come  slogan  

aveva  “autenticità”  che  combinava  due  cose:  1-­‐  la  pretesa  che  quell’esecuzione  su  appropriati  strumenti  d’epoca  fosse  

storicamente   corretta   (“autentica”).   2-­‐   il   termine   “autenticità”   mette   in   gioco   le   connotazioni   positive   di   cui   si   è  

parlato  nel  primo  capitolo.    

I   teorici   dell’esecuzione   storica   l’hanno   definita   come   il   suonare   la   musica   così   come   l’intendeva   l’autore,   però   il  

problema   è   che   non   c’è   modo   di   scoprire   che   cosa   il   compositore   intendesse.   Quindi   sarebbe   il   caso   di   dire   che   è  

definibile   come   il   suonare   la   musica   come   avrebbe   potuto   essere   suonata   in   una   buona   esecuzione   dell’epoca.  

L’ennesimo  problema  è  che  la  notazione  fissa  molto  poco  dello  stile  esecutivo,  perché  non  è  il  suo  compito.  

Taruskin  critica  il  progetto  sull’autenticità  dicendo  che  è  impossibile  sapere  come  la  musica  venisse  eseguita  prima  del  

XX  secolo.  Egli  ha  posto  lo  stile  esecutivo  al  centro  della  storia  della  musica.    

L’etnomusicologia   è   lo   studio   di   quella   musica   che   loro   stessi   non   studiano.   Per   gli   etnomusicologi   è   lo   studio   di  

qualsiasi   musica   nel   suo   originale   contesto   sociale   e   culturale,   che   comprende   produzione,   ricezione   e   significato.  

Negli   anni   80   c’è   un   orientamento   che   alla   base   ha   la   consapevolezza   che   sei   un   etnomusicologo   occidentale   che  

studia   una   società   non-­‐occidentale   e   quindi   non   puoi   metterti   nella   posizione   dell’osservatore   distaccato,   poiché  

perturbi  i  fenomeni  che  stai  osservando  e  devi  tenerne  conto  nell’interpretazione  di  piò  che  hai  visto  o  sentito.  

 


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Liston93

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Corso di laurea: Corso di laurea in discipline delle arti, della musica e dello spettacolo - DAMS
SSD:
A.A.: 2015-2016

I contenuti di questa pagina costituiscono rielaborazioni personali del Publisher Liston93 di informazioni apprese con la frequenza delle lezioni di Storia della musica e studio autonomo di eventuali libri di riferimento in preparazione dell'esame finale o della tesi. Non devono intendersi come materiale ufficiale dell'università Roma Tre - Uniroma3 o del prof Guanti Giovanni.

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