Riassunto esame Storia della Musica, prof. Guanti, libro consigliato Musica: una breve introduzione, Cook

1-­‐VALORI  MUSICALI  

•  Uno  spot  televisivo  

Si  può  pensare  alla  pubblicità  televisiva  come  a  una  sperimentazione  di  massa  sul  significato  della  musica.  Questa  è  

utilizzabile   per   trasmettere   significati   per   i   quali   ci   vorrebbero   troppe   parole   o   per   i   quali   le   parole   non   risulterebbero  

convincenti.   Bisogna   pur   dire   però   che   la   musica   e   le   sue   associazioni   cambiano   da   luogo   in   luogo,   perciò   funziona  

come  simbolo  di  identità  nazionale  o  regionale.  Negli  anni  60  essa  ha  svolto  un  ruolo  fondamentale  per  il  youth  quake,  

col   quale   i   giovani   cominciarono   ad   avere   uno   stile   di   vita   e   un   sistema   di   valori   contrapposti   a   quelli   dei   loro   genitori,  

creando  tra  i  teenagers  un  legame  di  solidarietà  ed  escludendo  le  generazioni  più  anziane.  Anche  oggi  utilizziamo  la  

musica   per   classificare   chi   è   “in”   o   è   “out”;   per   identificare   la   serie   di   sottoculture   che   formano   la   società   urbana;   per  

decidere  e  manifestare  alla  gente  chi  si  “vuole  essere”  e  chi  si  “è”.  Noi  siamo  abituati  a  credere  che  ci  sia  qualcosa  che  

corrisponde  alla  parola  “Musica”  ma  utilizzandola  facciamo  riferimento  ad  una  molteplicità  di  esperienze.  In  generale  

c'è  un'intrinseca  gerarchia  con  cui  consideriamo  alcune  di  queste  esperienze  e  attività  più  “musicali”  di  altre.  

•  Autenticità  in  musica  

La  discussione  sulla  distinzione  della  musica  in  naturale  e  artificiale  viene  da  Rousseau  che  attaccava  l'artificialità  della  

musica  francese  e  lodava  la  naturalezza  di  quella  italiana.  Da  questi  presupposti  nasce  e  si  sviluppa  la  popular  music,  

che  inoltre  minimizza  i  debiti  nei  confronti  della  tradizione  d'arte  classica.  L'idea  di  autenticità  non  si  basa  solamente  

su   questa   contrapposizione,   ma   anche   sulla   commercializzazione   del   blues.   Infatti   le   case   discografiche   capirono   la  

potenzialità  del  genere  e  negli  anni  50  e  60  cominciarono  a  commercializzare  musica  nera  suonata  e  rivista  da  bianchi.  

Realizzando  delle  cover  così  non  si  dovevano  pagare  i  diritti  agli  autori  originali.  Quando  il  movimento  per  i  diritti  dei  

neri  perse  slancio  nacque  uno  scandalo  e  l'idea  delle  cover  divenne  disonorevole.  I  critici  della  musica  pop  ignorano  i  

gruppi  “look  alike”  che  imitano,  non  sono  originali,  con  un  proprio  stile.  Gli  artisti  rock  erano  considerati  gli  originali,  

chi  creava  e  rivisitavano  in  chiave  originale  le  canzoni  e  avevano  un  proprio  stile,  gli  artisti  pop  erano  burattini  in  mano  

alle  case  discografiche.  Le  band  erano  dei  veri  e  propri  autori.  Questa  interpretazione  però  non  tiene  conto  del  fatto  

che  i  rapporti  tra  band  e  case  discografiche  erano  problematiche,  ma  comunque  era  un  legame;  e  la  distinzione  tra  

autore   ed   esecutore   è   flebile.   La   difficoltà   di   sostenere   una   contrapposizione   tra   “autentica”   musica   rock   e  

“inautentica”   musica   pop   è   significativa,   perché   dimostra   che   i   critici   hanno   costruito   deliberatamente   questa  

contrapposizione,  non  in  base  alle  circostanze.  Le  case  discografiche  sono  impegnate  in  una  promozione  d'immagine,  

quindi  gli  esecutori  sono  promossi  come  star,  proprio  come  nella  musica  pop,  vendono  la  concezione  interpretativa  

dell’esecutore   eccezionale   e   carismatico.   Nella   nostra   cultura   è   quindi   attivo   un   sistema   di   valori   che   antepone  

l'innovazione   alla   tradizione,   la   creazione   alla   riproduzione,   l'espressione   personale   alle   abitudini   correnti.   In   una  

parola,  la  musica  deve  essere  autentica,  perché  altrimenti  sarebbe  a  malapena  musica.  

•  Parole  e  Musica  

Le   parole   sono   efficaci   poiché   non   si   limitano   a   riflettere   le   cose   come   sono.   Lavoriamo   con   le   parole   usandole   per  

cambiare  le  cose,  per  far  essere  le  cose  così  come  sono.  Il  linguaggio  costruisce  la  realtà  più  che  a  limitarsi  a  rifletterla.  

Ciò   significa   che   i   linguaggi   musicali   che   usiamo   aiutano   a   determinare   che   cosa   la   musica   è,   che   significati  

rappresentiamo  con  la  musica  e  cosa  la  musica  significhi  per  noi.  Nel  secolo  precedente  la  Prima  Guerra  mondiale,  la  

musica  era  concepita  come  se  fosse  basata  sulla  produzione  di  composizioni  destinate  a  essere  eseguite  e  infine  fruite  

dal   pubblico   che   le   ascoltava.   La   cultura   musicale   era   vista   come   un   processo   di   creazione,   distribuzione   e   consumo   di  

quelli   che   intorno   all’inizio   del   XIX   secolo   cominciarono   a   essere   definiti   “lavori”   musicali.   Questo   termine   crea   un  

collegamento   col   mondo   dell'economia   e   diede   una   forma   permanente   alla   musica,   perché   mentre   le   esecuzioni   di  

lavori  musicali  hanno  luogo  in  un  tempo  definito,  il  lavoro  resta.  In  questo  modo  la  musica  diventa  qualcosa  che  si  può  

stoccare   o   accumulare,   una   forma   di   ciò   che   potrebbe   essere   definito   “capitale   estetico”   o   “repertorio”.   Il   British  

National   Curriculum   si   basa   su   categorie   simili   che   sono:   comporre,   eseguire   e   apprezzare.   Usano   il   verbo   per   far  

intendere  che  sono  attività  nelle  quali  lo  studente  si  può  impegnare  durante  il  corso  dei  propri  studi,  fanno  questo  per  

porre   l'attenzione   sul   fatto   che   l'educazione   musicale   contemporanea   pone   più   enfasi   sul   comporre   che   sullo   studio   e  

l'apprezzamento   dei   lavori   dei   grandi   compositori.   Ma   questa   tassonomia   finisce   col   perpetuare   quelle   stesse  

distinzioni,  per  cancellare  le  quali  era  stata  progettata.  Si  tratta  di  processi  in  ordine  cronologico  che  inevitabilmente  

finiranno  per  trasformarsi  in  una  gerarchia  di  valori.  

La   nostra   terminologia   musicale   di   base   incorpora   un   intreccio   di   presupposti   collegati,   cioè   in   primis   che   l’attività  

musicale  è  riserva  di  caccia  di  specialisti  qualificati,  poi  che  l’innovazione  è  centrale  nella  cultura  musicale,  poi  che  il  

ruolo  chiave  è  quello  dei  compositori  che  creano  la  “materia  prima”,  poi  che  gli  esecutori  sono  dei  mediatori,  infine  

che  gli  ascoltatori  sono  consumatori  e  giocano  un  ruolo  passivo  nel  processo  culturale  che  è  sostenuto  proprio  da  loro.  

Questi   presupposti   ci   sembrano   naturali,   ma   non   lo   sono,   perché   sono   tutte   costruzioni   umane,   prodotti   della   cultura  

e  variano  quindi  da  epoca  a  epoca  e  da  luogo  a  luogo.  

2-­‐RITORNO  A  BEETHOVEN

•  Gioia  attraverso  la  sofferenza  

L’inizio  del  XIX  secolo  è   il  periodo  in  cui  il  modello  capitalista  di  produzione,  distribuzione  e  consumo  si  radica  nella  

società   dell’Europa   settentrionale   e   centrale   (in   particolare   Parigi,   Londra,   Berlino   e   Vienna).   In   tutta   Europa   inoltre  

era   in   corso   un   processo   di   urbanizzazione,   con   la   popolazione   che   dalle   campagne   cercava   lavoro   nelle   industrie,  

mentre  in  città  le  classi  medie  (la  borghesia)  accrescevano  il  loro  ruolo  politico,  economico  e  culturale.  Lo  sviluppo  più  

importante   nelle   arti   fu   la   costruzione   del   soggettivismo   borghese.   Esse   esploravano   ed   esaltavano   il   mondo   interiore  

delle   emozioni   e   dei   sentimenti.   La   musica   si   dedicò   all’espressione   personale,   era   molto   efficace   nel   rappresentare   le  

emozioni  e  i  sentimenti  in  maniera  diretta  e,  infatti,  occupò  una  posizione  privilegiata  nell’ambito  del  Romanticismo.  Il  

primo  800  fu  l’epoca  di  Beethoven  e  Rossini,  ma  fu  Beethoven  a  condizionare  la  riflessione  sulla  musica.  Egli  rifiutava  

di  avere  un  sicuro  impiego  con  la  musica,  perché  voleva  scrivere  la  musica  quando  voleva  e  come  voleva.  Con  la  sua  

musica   disattendeva   le   aspettative   convenzionali,   perveniva   a   effetti   eroici   e   a   un’appassionata   interiorità,   veniva  

percepita  come  se  si  stesse  rivolgendo  direttamente  e  individualmente  a  ciascun  spettatore.  La  sordità  di  Beethoven  

probabilmente   aveva   distorto   la   sua   immaginazione   musicale   e   forse   compromesso   il   suo   equilibrio   mentale.   Molti  

fedelissimi   cominciarono   a   voler   capire   la   sua   musica,   e   ne   risultò   l’ipotesi   di   trama   o   narrazione   sottostante,   e  

vedevano  nella  Nona  Sinfonia  una  lotta  dell’autore  per  avere  la  meglio  sulla  sua  disgrazia,  mentre  nell’Inno  alla  Gioia  

la   sua   vittoria   sulla   propria   sofferenza,   la   capacità   della   gioia   di   sconfiggere   la   sofferenza.   La   sordità   è   stata   usata   a  

scopo  interpretativo.  Gioia  attraverso  la  sofferenza  è  la  parola  d’ordine  del  culto  di  Beethoven,  e  fu  portato  a  modello  

di  riferimento  di  autenticità.    

•  Dalla  parte  degli  angeli  

Il  culto  di  Beethoven  è  il  caposaldo  della  cultura  della  musica  classica.    

I   rapporti   di   autorità   che   permeano   la   cultura   musicale:   La   musica   come   merce   assegna   al   compositore   un   ruolo  

centrale   in   quanto   creatore   del   prodotto   di   base.   Il   nostro   modo   di   vedere   la   musica   ci   porta   ad   assegnare &nb