Riassunto esame Arte Contemporanea, prof. Sbrilli, libro consigliato Arte nel Tempo volume 3, II tomo, De Vecchi, Cerchiari

Sunto Storia dell’Arte Contemporanea, prof. Sbrilli, libro consigliato Arte nel Tempo volume 3 del II tomo, De

Vecchi; Cerchiari

PREMESSA E POSTIMPRESSIONISMO

Parlando di arte contemporanea prendiamo in analisi il periodo che va dal tardo Ottocento ad oggi.

Possiamo riscontrare nelle opere posteriori al 1886 (ultima mostra impressionista) una sorta di

continuità difficilmente ordinabile e sintetizzabile a cause dello sviluppo quasi contemporaneo di

molte correnti che si accavallano nello stesso periodo e a volte nello stesso luogo. In questa

ricchezza di proposte, e nelle occasioni sempre maggiori per il pubblico di un approccio diretto con

l’arte (moltiplicarsi dei musei e dei circuiti espositivi), riconosciamo la peculiarità dell’arte

contemporanea.

Basti pensare alla Parigi di inizio secolo, dove il solo Picasso passando per il periodo blu e il

periodo rosa sancisce la nascita del cubismo con Les Demoiselles d’Avignon (dopo aver visto al

Salon D’Automne la retrospettiva di Cézanne che gettò le basi dello stesso cubismo) .

Contemporaneamente al Salon d’Automne (1905) venivano esposte le prime tele “Fauves” di

Matisse, Derain, Vlaminck.

Mentre Monet nel suo studio a Givenry portava avanti la serie delle Ninfee.

Negli anni immediatamente precedenti il primo conflitto mondiale viene ultimato da Auguste Perret

il Théatre des Champs-Elysées, che quanto ad architettura, è una sintesi di stili così singolare da

venir definito oggi primo capolavoro postmoderno. Contemporaneamente Marcel Duchamp decreta

la fine della pittura “retinica” e nel 1914 compie il suo primo ready-made: una ruota di bicicletta.

E non solo questo, a volte notiamo che certi artisti travalicano i confini della propria, per sconfinare

in altre tendenze. Questo per simboleggiare che l’artista è in continua evoluzione.

Una delle cause del profondo rinnovamento dell’arte in quei tempi è da imputare certamente allo

sviluppo della fotografia che si prefigurò come principale strumento per raffigurare la realtà. Non

avendo possibilità di contrastare la fotografia in quanto a rappresentazione della realtà l’arte decise

di andare oltre, cercando di svelare ciò che c’è dietro la realtà, cercando di mostrare ciò che pur

avendo davanti agli occhi non vediamo.

POSTIMPRESIONISMO

Col termine postimpressionismo si designano generalmente quei fenomeni artistici posteriori

all’impressionismo, e che sono a questo in qualche modo collegati.

Nel 1886 avvenne l’ultima mostra impressionista, a cui parteciparono tra gli altri il giovanissimo

Seurat ( che avrebbe poi causato uno scisma all’interno del fronte impressionista dando vita al

pointillisme ), e il non più giovane Gauguin, che da lì a qualche anno sarà indicato come maestro

della scuola simbolista.

Seurat è colui che per primo si rende conto della necessità di rinnovamento, e fu inoltre il primo che

si accorse (dopo molti studi sul colore ) che il colore puro, diviso in piccoli punti viene a distanza

mescolato dall’occhio, pur rimanendo singolarmente luminoso. Egli sosteneva che, avendo scelto

preliminarmente i toni da ottenere egli può compiere per punti l’accurata coloritura delle superfici

in qualsiasi condizione di luce, anche artificiale: col che si può considerare definitivamente

tramontata l’epoca della pittura en plein air .

Dopo la morte di Seurat furono Henri Cross e Paul Signac a creare la nuova scuola, dando seguito

ad una corrente che perdurerà e muterà per diversi anni. Già con Cross e Signac , il punto di Seraut

tende a diventare quasi una tessera di colore, che ricorda l’effetto del mosaico. In questa chiave lo

useranno: Matisse e Braque nel loro periodo Fauve e, con intenti più particolari, anche il Picasso

cubista.

In Italia il “Divisionismo” sembra ignorare l’opera di Seurat per rifarsi soprattutto ai suoi

successori. Gli autori principali sono: Pellizza, Segantini, Previati e Balla.

Nella transizione tra Divisionismo e Futurismo se ne registrerà la continuità in artisti come Balla,

Boccioni e Severini.

Dopo il 1886 il Postimpressionismo comincia a dar vita a molte scuole ,tra le quali la più importante

è sicuramente quella dei Nabis (i profeti) formato da Serusier dopo aver dipinto Il Talismano sotto

gli insegnamenti di Gauguin.

Altro importante Postimpressionista è sicuramente Henri Da Toulose Lautrec, che attraverso una

pittura elegante, fortemente influenzata dalle stampe giapponesi in voga i quegli anni, creo uno stile

di estrazione simbolista e avvicinabile al nascente Art Nouveau .Scomparse prematuramente , come

Seurat (angina) a causa dell’abuso di alcolici.

Svolte innovatrici di Monet, Renoir, Degas

Monet, ormai insofferente all’impressionismo, si rese conto che concentrando

l’attenzione sull’aspetto luce/colore, ciò che ne perdeva erano la forma e il

disegno.

Si trovo a dover fare dei passi indietro e tornare alla pittura classica oppure

esaltare questo genere di pittura. Così scelse Monet, optando per una serie di

dipinti su un medesimo soggetto, ripreso in varie condizioni di luce, che il

pittore esige siano esposti in sequenza. Nascono così i Covoni, i Pioppi, La

Cattedrale di Rouen e la famosissima serie di Ninfee ,dipinte negli ultimi

trent’anni di vita nel suo giardino a Giverny.In questo stile il disegno è ridotto

al minimo, e a farla da padrone è il gioco cromatico che va a mescolare acqua,

aria, terra e fuoco dei tramonti che farà da base per l’astrattismo soprattutto di

Kandinsky, che davanti ai Covoni non riusciva ad identificare il soggetto.

Arrivando addirittura a scrivere che “un pittore non aveva il diritto di dipingere

con tale libertà”.

Di fronte allo stesso problema Renoir risponde invece al contrario di Monet,

riavvicinandosi al classico, dedicandosi in maniera ricorrente al nudo

femminile, valorizzato anche attraverso la scultura, a cui si dedico negli ultimi

anni, con aiuti esterni a causa dell’artrite che l’aveva colpito.

Degas al contrario di Renoir non ebbe mai il problema di rinsaldare la “forma”.

Mantenne sempre il suo stile preciso e fermo, e fu infatti quello che meno si

identificava fra gli impressionisti. Nei suoi dipinti lo spettatore è chiamato

quasi a spiare la scena, come a prendere quest’ultima di sorpresa.

Negli anni ottanta e novanta ebbe un progressivo abbassamento della vista che

lo costrinse ad adottare nuove scelte tecniche che gli permettono un rapporto

più tattile con l’opera: pastello anziché colori ad olio e toni più brillanti. Inoltre

si avvicino anche alla scultura.

Il post-impressionismo di Cezanne

Il superamento dell’impressionismo in Cezanne è aspro e difficile. La crescita

dell’artista e costante e graduale, e frutto della grande ricerca che sarà indispensabile

per gettare le basi del cubismo. La pittura di Cezanne è una perfetta miscela di ragione

e sentimento, di emozione e di tecnica, di cuore e meditazione. Egli cercava più che

l’istantanea impressione di luci e colori, i fondamenti stessi della visione. Come nel

Mont Saint-Victoire, che dipinge molte volte cercando di carpire l’essenza della

montagna che sempre gli sfugge.

Van Gogh

Van Gogh inizia a dipingere relativamente tardi: le sue prime opere degne di nota

sono del 1881 (aveva 28 anni). Il suo primo capolavoro fu I mangiatori di patate

dipinto ancora in Olanda, dove già inizia ad emergere il suo segno aggressivo.

L’anno seguente si trasferisce a Parigi, ospitato dal fratello Théo e da questo

momento la sua vita artistica e personale è intensissima. In tre anni e mezzo

dipinge seicentoquaranta opere, tutte di altissimo livello, prima di morire suicida.

Si avvicina da prima alle stampe giapponesi (Il ponte di Langlois) e poi, durante il

breve sodalizio con Gauguin (che finirà con una feroce lite) al sintetismo.

Dopo subirà molti ricoveri nei vari ospedali, ma continuerà a dipingere molti

capolavori come La notte stellata sul Rodano, La sedia di Van Gogh, La strada

con cipressi e stelle, la serie dei Girasoli, Il vigneto rosso (unica opera che venderà

mentre è ancora in vita. Gli Autoritratti che dipinge in maniera quasi ossessiva,

quasi a simboleggiare il suo calvario.

La sua ultima opera sarà Campo di grano con corvi dopo di che si ucciderà con

una pistola per scacciare gli uccelli.

SIMBOLISMO E MODERNISMO

Il simbolismo nasce ufficialmente come movimento nel 1886, anno in cui il poeta Jean Morèas

pubblica su “Le Figaro” il Manifesto del simbolismo. Anche se già due anni prima lo scrittore

francese Joris-Karl Huysmans ne aveva gettato le basi nel suo romanzo “controcorrente”, che ha

aperto la strada al simbolismo in arte e al decadentismo in letteratura.

Il protagonista del romanzo è appassionato di arte contemporanea e tra i suoi preferiti appaiono

Moreau e Redon, considerati ancora oggi tra gli artisti più importanti del simbolismo.

Moreau (maestro di Matisse) era Redon invece, proviene Gauguin, dopo aver

di chiara estrazione romantica e si dalle illustrazioni (anche inizialmente aderito

avvicina al simbolismo al’età di per Poe). Il simbolismo all’impressionismo quando

sessant’anni. in lui ha toni più ancora era un pittore

Il suo stile può apparire accade fantastici e sognanti. Più dilettante, si sposo con la

mistico e classico ma egli cerca di che uno sguardo indietro causa simbolista.

dipingerli in chiave psicologica. verso il Romanticismo La sua pittura, strettamente

Nel suo simbolismo c’è un troviamo in lui uno legata alle culture

intenzione a svelare ciò che c’è sguardo al futuro. extraeuropee, ha intenti

dietro il visibile, ma vuole decorativi e simbolici. La

giungere al nocciolo, ai significati sua concezione del

più profondi. simbolismo (“se un’ artista

vede il mare rosso deve

dipingerlo rosso”) sarà poi

ripresa dall’espressionismo.

Il simbolismo all’epoca era visto dalla critica come una perversa ramificazione dell’accademismo,

mentre adesso è considerato un’anticipazione del Surrealismo. Anche se è possibile scorgere in esso

frammenti di Espressionismo, come in Munch, e di Metafisica in un tardo Simbolista come il belga

Spilliaert.. Per questi motivi è considerato il momento di dubbio dell’Ottocento prima di diventare

Novecento.

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Sintetismo Si può dire che i Nabis

anticiparono le

Benché sia stato senza dubbio Gauguin l’artista più avanguardie del

rappresentativo e influente del sintetismo, dobbiamo Novecento, per via della

riconoscere a Bernard il merito di aver teorizzato questo loro ideologia e

ritorno alla sinteticità. Poi intrapreso anche da Serusier atteggiamenti precisi.

(seguace di Gauguin) e il gruppo di Nabis (profeti). Il misticismo era loro

Questo cammino prevedeva un ritorno alla semplicità tratto comune, sia in

dell’arte Medievale, senza prospettiva ma trattando la tela veste cristiana che

con la bidimensionalità che gli è propria. Con tinte piatte, fantasiosa o misterioso

senza chiaroscuri, e la tendenza ad usare colori puri, non fica.

mescolati.

James Ensor ed Edvard Munch sono considerati, non solo due tra i maggiori interpreti della

stagione simbolista degli anni ottanta e novanta dell’Ottocento, ma tra i grandi precursori della

pittura del Novecento, di cui anticiparono l’esasperazione e la violenza cromatica che ritroveremo

poi nell’Espressionismo. Molto diversi nello stile e nella mentalità, ma praticamente contemporanei

e entrambi isolati da correnti e non accostabili a nessun movimento.

James Ensor (1860-1949) visse Edvard Munch(1863-1944)

praticamente tutta la vita nella nacque vicino ad Oslo, ma

nativa città di Ostenda. viaggiò spesso in tutta Europa,

Attraversò il “periodo scuro”, influenzando molto

nella quale emersero i suoi temi l’Espressionismo tedesco.

portanti che lo seguirono in La sua pittura esprime una forte

tutta la sua carriera pittorica (il interiorità, facendo quasi da

porto, il carnevale di Ostenda e preludio alla scoperta

la bottega paterna di maschere e dell’inconscio di Freud. La sua

curiosità), e il “periodo chiaro”, inquietudine viene riversata

in cui si evidenziò la qualità chiaramente nelle sue opere,

innovatrice del suo stile. come in Pubertà , evidenziata

Considerevoli i suoi colori con la pesante ombra nera

aggressivi, quasi espressionisti dietro la giovinetta, oppure

nonostante il simbolismo delle nell’urlo, dove troviamo anche

rappresentazioni un preludio della volontà futura

dell’arte di uscire dal disegno, e

ad arrivare ad altri sensi oltre la

vista. Oltre ad esprimere un

disagio esistenziale e una

SECESSIONE AUSTRIACA disperazione quasi metafisica.

Nella Vienna della Secessione, che si proponeva di

riportare l’arte austriaca tra le grandi d’Europa, crescono quasi contemporaneamente una serie di

artisti che trasportano l’arte Viennese dal clima simbolista a quello Espressionista.

Gustav Klimt (1862-1918) Egon Schiele (1890-1918)

identifica senza dubbio il allievo di Klimt, per certi versi

maestro della Secessione. Nei può sembrare il suo

suoi dipinti contrappone il continuatore, ma si differenzia

realismo della parte naturalistica come stile e come temi.

con l’esuberanza decorativa con La sua pittura spigolosa e i suoi

un’eleganza tale da evitare che dipinti con un intrinseca

ci sia dissidio tra le due parti. amarezza esistenziale sono già

Il coloro predominante nella sua preludio dell’Espressionismo.

pittura era l’oro. Muore giovanissimo

interrompendo così il suo

cammino di crescita.

Anche Kokoschka e Kubin furono importanti per questo passaggio. Il primo, come Schiele del

resto, era votato allo scandalo. Il secondo interessato alle teorie di Freud che uscivano in quegli anni

era più interessato all’esplorazione del sogno e dell’inconscio.

ESPRESSIONISMO E PRIMITIVISMO

Nascita delle Avanguardie

I primi trent’anni del Novecento hanno generato una serie di movimenti artistici rivoluzionari

che sconvolsero il mondo della pittura. Vengono chiamate oggi con il termine di

“Avanguardie Storiche”.Questi movimenti hanno prodotto un’arte ardita, progressista e

fortemente innovativa da un punto di vista stilistico. Un’arte che mira a scuotere le coscienze

delle persone, mettendole di fronte a delle riflessioni che non hanno solo il mero scopo

contemplativo.

In questo senso gli anni ottanta, e soprattutto novanta, dell’Ottocento preparano il terreno

affinché tutto ciò possa svilupparsi. Tutti i vari gruppi d’aggregazione nati dalle ceneri

dell’Impressionismo (Secessionisti, Nabis, Sintetisti ecc…) fanno da preludio a questo

scenario.

Nascono con uno schema pressoché similare:

-Pubblicazione di un manifesto.

-Letterato/teorico con funzione di mentore (come furono Apollinaire per il cubismo e

Marinetti per il Futurismo).

-Gruppo di affiliati

Spesso troviamo anche una rivista associato, in modo che circolino le idee del movimento.

Il Cubismo e il Fauvismo non rispettarono tale schema; ma non è plausibile non considerarli

all’interno delle Avanguardie per l’importanza che hanno avuto e l’impatto rivoluzionario che

hanno portato in quegli anni.

Le Avanguardie sono laboratori, sperimentazione, avanscoperta, esplorazione verso il futuro;

e oggi possiamo vedere che alcune previsioni sono state puntualmente confermate.

ESPRESSIONISMO

Il termine “Espressionismo” venne coniato nel 1914, inizialmente riferito al gruppo dei Ponte di

Dresda e il “Cavaliere Azzurro” di Monaco, visti come movimenti opposti all’impressionismo e

paralleli a Cubismo e Futurismo. Per analogia venne successivamente usato dalla critica per i

Fauves, che vedevano come maggior esponente Henri Matisse .

Gli Espressionisti tedeschi sono coloro che iniziano “l’età delle Avanguardie”.

Il gruppo dei Ponte (Die Brùcke) lavorava in un atelier a Dresda dove gomito a gomito eseguivano i

lavori curando anche l’aspetto estetico di umili oggetti come sedie o scodelle.

Kirchner, Heckel, Mùller e Nolde collaboravano tra loro e con i “membri passivi” (soci sostenitori e

spettatori), il che è già un manifesto di arte/vita che la dice lunga sui programmi di questo gruppo.

Il loro stile mescola l’orgoglio per le loro radici germaniche e la passione per l’esotismo sulle tracce

di Gauguin.

Ernst Ludwig Kirchner è senza dubbio la personalità più forte del gruppo, il che lo porterà

inoltre ad avere dissapori con i colleghi.

Il suo operato giunge a completa maturazione relativamente tardi (rispetto a Matisse in

Francia per esempio) ma riesce comunque a riassumere quello che si vuole intendere con

“Espressionismo tedesco” . L’opera di Kirchner è la testimonianza di uno stile di vita, come

di un’ideologia o giudizio sul mondo. Dal punto di vista stilistico rappresenta il

raggiungimento della semplicità e dell’immediatezza d’espressione.

Dopo gli anni dieci notiamo nel suo stile l’attenzione con cui a osservato i Fauves e i

Cubisti francesi e i Futuristi italiani. Il suo stile diviene quindi frutto di tutta la pittura

moderna

Gli artisti della Brùcke, mossi da un bisogno di verginità, di contatto con la natura, ricercano

semplicità e immediatezza, visti come punto d’arrivo e non di partenza. Soventi troviamo dipinti di

nudi all’aperto nelle loro creazioni, nei loro quadri scorgiamo quel riferimento al lavoro dell’artista