Riassunto esame Storia del teatro e dello spettacolo, prof. De Marinis, libro consigliato Breve Storia del teatro per Immagini

  1.  Il  teatro  greco-­romano.  

L’invenzione  del  teatro:  la  tragedia.  

Ancora  oggi  non  sappiamo  molto  sulla  nascita  del  teatro  greco,  ma  convenzionalmente  si  parla  del  VI  secolo  a.C.  

Le   rappresentazioni   teatrali   erano   qualcosa   che   riguardava   la   città-­‐Stato   nel   suo   complesso,   tutti   i   cittadini   liberi.   Il   teatro  

tragico   e   quello   comico   ebbero   un   ruolo   fondamentale,   soprattutto   ad   Atene,   durante   il   V   e   il   IV   secolo   a.C.   :   integrazione  

completa   fra  teatro  e  società.    

Aristofane,   La  pace:  lo  scambio  di  battute  suggerisce  la  presenza  di  donne  fra  il  pubblico.    

Gli  spettacoli  teatrali  venivano  allestiti  all’interno  di  specifiche  festività  in  onore  di   Dionisio,  il  dio  del  vino,  dell’estasi.  Il  culto  

di  Dionisio  riprese  nel  momento  in  cui  il  ditirambo  (un  inno  in  onore  di  Dionisio)  e  i  componenti  del  coro  vestiti  da  capri  

avrebbero  cominciato  a  dialogare  con  un  singolo  cantore.    

Eschilo,    la   Liturgia:  dice  che  la  tragedia   “nacque  dai  corinfei  del  ditirambo”.  

Il  periodo  in  cui  la  tragedia  fiorì  è  compreso  tra  le  guerre  persiane  (490-­‐480  a.C.)  e  la  fine  della  guerra  del  Peloponneso  

(404   a.C.),   quindi   tutto   il   V   secolo   in   cui   furono   attivi:   Eschilo   (525-­‐456   a.C.),   del   quale   ci   restano   7   drammi   (I   persiani,   7  

contro   Tebe,   Supplici   e   Prometeo   incateneto,   più   la   trilogia:   Agamennone,   Coefore   ed   Eumenidi.),   Sofocle   (497-­‐406   a.C.),   con  

altri  7,  ed  Euripide  (485-­‐406  a.C.),  con  17  tragedie  autentiche,  una  spuria,  il  

Reso,  e  un  dramma  satiresco,   Il  Ciclope.  

•   Eschilo:   rappresenta   “l’ultima   espressione   della   cultura   arcaica”.   L’eroe   eschileo,   preda   del   giudizio   divino,   vive   le  

aspettative  di  una  società  che  non  sa  sottrarsi  a  Zeus.  

•   Sofocle:   interprete   dei   dubbi   dell’uomo   nei   confronti   di   un   dio   che   non   viene   messo   in   discussione.   L’Antigone   è   la  

tragedia  della  coscienza  individuale  contrapposta  alla  rigidità  della  legge.    

In   Edipo   re   Aristotele   individua   la   forma   perfetta   di   tragedia,   fondata   sull’incastro   di   agnizione   (il   riconoscimento   di   una  

realtà  prima  sconosciuta)  e  di   peripezia  (rivolgimento  improvviso  di  una  situazione).  

•  Euripide:  è  portavoce  della  parte  più  avanzata  di  Atene,  quella  che  desidera  avere  un  rapporto  diverso  con  la  divinità  e  

non   si   accontenta   del   rapporto   formale   instaurato   con   gli   dei   da  Sofocle.   La   linea   dell’ultimo   Euripide   è   sempre   più   propensa  

ad   esaltare   gli   aspetti   tristi   e   “romantici”   della   mitologia.   La   produzione   tragica   del   IV   secolo   a.C.   che   noi   purtroppo   non  

possediamo  guarderà  alle  tragedie  euripidee  degli  ultimi  anni,  in  cui  il  plot  si  basa  sulle  peripezie  corse  da  alcuni  eroi  prima  

del  riconoscimento  finale  (agnizione)  e  la  relativa  salvazione  reciproca.  L’accorto  interprete  della  denuncia  alla  sofistica  dà  

vita  a  personaggi  autonomi  che  dovevano  rispondere  solo  alla  logica  interna  del  singolo  dramma.  Oreste  non  è  lo  stesso  nelle  

varie  tragedie,  perché  diverse  sono  le  circostanze  in  cui  gli  uomini  si  trovano  ad  agire.  Il  sentimento  che  unifica  la  produzione  

euripidea  è  quello  mosso  dalla   passione  erotica.  

Le  tragedie  che  ci  sono  rimaste  non  presentano  l’obbedienza  alle  cosiddette  regole  di  unità  di  tempo  e  di  luogo.    

Aristotele   avverte   che   “nella   tragedia   non   è   possibile   rappresentare   insieme   parecchie   azioni   contemporaneamente,   ma   solo  

quella  che  si  svolge  sulla  scena  per  opera  degli  attori”.  Di  qui  l’interpretazione  che  la   scena  è   unica.  

La  perdita  di  strutture  teatrali  del  V  secolo  a.C.  ci  impone  di  ricorrere  alla  prima  descrizione  di  un  edificio  che  troviamo  in  

ambito  latino,  nel  V  libro  De  architectura  di  Vitruvio.  Nel  corso  del  V  secolo  a.C.  i  drammi,  in  una  prima  fase,  furono  forse  

messi   in   scena   dell’orchestra   (“luogo   destinato   alla   danza”).   Il   crollo   delle   tribune   di   legno   avrebbe   spinto   gli   ateniesi   a  

costruire  il  

Teatro  di  Dionisio  sulle  pendici  meridionali  dell’acropoli,  dove  il  pubblico  si  poteva  servire  di  tribune  naturali.  

Il  teatro  intero  constava  di  tre  parti  distinte:  orchestra,  cavea  e  scena.    

•  La  cavea:  spazio  scavato  nel  fianco  di  una  collina    da  usare  come   gradinate  per  gli  spettatori.    (I  Romani  non  utilizzavano  i  

pendii  delle  montagne).  Potevano  essere  ospitati  più  di  15.000  spettatori  disposti  secondo  la  loro  posizione  sociale.    

•  L’orchestra:  il  luogo  riservato  al  coro.  

•   La   scena:   un   piccolo   ambiente   chiuso   in   cui   era   possibile   cambiare   le   maschere   e   i   costumi,   un   edificio   il   cui   sfondo  

(skenografia)   creava   l’ambientazione   adatta   ad   ogni   singolo   dramma,   anche   se   la   performance   non   doveva   per   forza  

richiamare  il  fondale.    

Polluce  parla  anche  di  un  luogo  posto  sopra  la  skené  da  cui  parlavano  gli  dei  e  per  raggiungere  un’altezza  maggiore  veniva  

usato  un  macchinario  ( mechané)  simile  ad  una  gru.  C’è  anche  uno  spazio  detto   proscenio.    

(Aristotele  presenta  la  scenografia  come  un’invenzione  di  Sofocle,  mentre  Vitruvio  pensa  ad  Eschilo).  

Sia   nel   V   che   nel   IV   secolo   a.C.   la   scena   si   sviluppava   ancora   tutta   su   un   piano,   come   ci   rivela   un   importante   dipinto   su   vaso  

conservato  al  Louvre:  cratere  proveniente  dall’Italia  meridionale  con  raffigurazione  di  Oreste,  Pilade  e  Ifigenia.  

Tutto  il  Mediterraneo  si  costellò  di  teatri  quando  il  genere  conobbe  un’ulteriore  diffusione.    

•  Il  pubblico  amava  stupirsi  e  per  amplificare  queste  sensazioni  la  tragedia  si  servì,  dopo  il  IV  secolo,  di  un  edificio  in  cui  la  

skené  era  imponente  e  fissa  perché  tutta  in  pietra  e  con  pannelli  di  legno  dipinti.    

Uguale  rimase  nel  V  secolo  a.C.  l’importanza  dell’autore  rispetto  all’attore:  sempre  di  sesso  maschile,  e  mai  adolescente  per  i  

ruoli  femminili.    

•  Il  coro,  altro  motore  dell’azione,  in  qualche  caso  perde  il  vero  e  proprio  ruolo  di  protagonista,  ma  in  Euripide  conserva  un  

forte  valore  di  portavoce  dell’autore.  

•  Il  costume  aveva  importanza.  Ricordiamo  il  chitone  (una  tunica  lunga)  per  i  personaggi  maschili,  sotto  un  mantello;  il  suo  

colore  indicava  il  ruolo  del  personaggio,  al  pari  degli  oggetti  scenici  (lo  scettro  per  il  re,  la  lancia  per  il  soldato).    

In  epoca  ellenistica  il  teatro  e  le  sue  strutture  erano  ormai  in  concorrenza  con  la  recitazione  e  l’apparato  scenico  prevaleva  

anche  sul  testo:  

il  teatro  della  parola  era  diventato  il  teatro  dell’immagine.    

La  rappresentazione  di  un  dramma  satiresco  si  trova  raffigurata  sul  cratere  di  Prònomos  (Museo  archeologico  nazionale  di  

Napoli).   La   quasi   totalità   degli   studiosi   ha   visto,   su   un   lato   del   vaso,   una  troupe   di   attori   che   si   prepara   alla   rappresentazione  

di   un   dramma   satiresco,   fatto   che   dimostrerebbe   come   il   costume   dei   personaggi   eroici   fosse   lo   stesso   della   tragedia.   Un  

documento   eccezionale   per   la   sua   composizione   che   ha   portato   a   parlare   di   un   cosiddetto   lato   A   dove   ci   sono   immagini   di  

carattere  “teatrale”  e  di  un  cosiddetto  lato  B  dove  ci  sono  immagini  rituali  in  cui  troviamo  Dionisio  e  Arianna  rappresentati  

mentre   corrono.   Anche   nel   lato   A   sono   presenti   Dionisio   e   Arianna,   ma   in   perfetta   quiete,   nella   dimensione   più   distaccata  

rasserenante  del  teatro:  della  fase  che  segue  o  che  precede  la  

performance  teatrale,  ciascuno  con  la  propria  maschera  in  mano.    

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•  La  maschera  era  fondamentale  in  una  scena  che  prevedeva  solo  la  presenza  di  uomini.  Purtroppo  il  materiale  deperibile  

(lino,   sughero,   legno)   non   consente   di   averne   delle   originali:   solo   quelle   in   terracotta,   ci   riportano   ancora   in   un   contesto  

antirealistico:  si  mette  in  rilievo  lo  stato  d’animo,  rispetto  alla  mimica  facciale,  con  una  copertura  totale  della  testa  con  i  soli  

fori  per  gli  occhi.  

•   Le   macchine   sceniche   divennero   spettacolari;   una   piattaforma   girevole   (ekkùklema)   poteva   mostrare   qualcosa   che   era  

successo  nel  retroscena.  Non  mancavano  poi  macchine  capaci  di  effetti  speciali  per  riprodurre  tuoni,  lampi  e  suoni  sinistri.  

Una  certa  rigidità  della  struttura  interna  del  dramma:    

•   Prologo:  informava  il  pubblico  sugli  antefatti  (in  forma  sia  di  monologo  che  di  dialogo);  

•   Parodo:  rendeva  ufficiale  il  canto  di  ingresso  del  coro  che,  una  volta  entrato  nell’orchestra,  si  esprimeva  con  gli  

stasimi  

(intermezzi  in  cui  il  coro  momentaneamente  illustra  la  situazione  sviluppata  negli  episodi)  alternati  agli  

episodi  (azione  

scenica  vera  e  propria  che  si  dispiega  3  o  più  intervalli)  .  

•   Esodo:  la  parte  conclusiva  dopo  l’ultimo  stasi