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I personaggi sono di tutti i ceti sociali,, un personaggio ricorrente è quello del sempliciotto, utilizzò inoltre

svariate forme metriche. Gli autori successi a vega di cui il più famoso è Calderon de la barca scrissero

principalmente per il teatro di corte. Ed è qui che comincia il declino del dramma spagnolo, di Calderon

(600-681) sono sopravvissute 100 opere di cui 80 sono autos. Le opere profane possono essere divise in

due categorie a seconda del tema : cappa e spada su intrighi amorosi a lieto fino e le opere serie sul tema

della gelosia e l’onore. La più famosa è la vita è sogno sulla condizione umana e sulla vita. Le opere

successive scritte per la corte sono rielaborazione di classici, leggeri con passaggi corali che diventeranno

poi una delle forme più popolari spagnole : la zarzuela. I teatri pubblici in spagna prendono il nome di

Corrales ed inizialmente erano gestiti da confraternite per raccogliere fondi. Nel 1615 la gestione passò in

mano a degli impresari e successivamente al comune che continuava ad affittarli ad impresari, nel 1579 il

Corral del Cruz a Mdrid è il primo teatro stabile spagnolo, erano costruiti con un cortile di forma quadrata o

rettangolare e per lo più scoperti con il posto per gli spettatori in piedi (patio) e le gradinate ai lati del patio

e le gallerie con i palchi. Il numero delle compagnie crebbe velocemente e nel 1600 la corona iniziò a

regolamentare le compagnie (12 regolari) accanto alle quali però ce ne erano molte irregolari. I gruppi

formati da uomini e donne variavano in numero ed erano tutti salariati da un impresario. E compivano

lunghe tournees. Nel 1634 nacque la Confraternita de la virgen de la novena la corporazione degli attori. Le

convenzioni riguardo i costumi erano simili a quelle inglesi. Così come il palco e l’attrezzatura scenica non

veniva usata la scenografia prospettica e gli oggetti erano usati in base alla disponibilità. Crebbe

progressivamente l’interesse per effetti particolari e macchinari. Gli spettacoli a corte furono comuni per

tutti il 600 nel 1640 Cosimo Lotti costruì il primo teatro permanente a corto il Coliseo con l’arco di

proscenio.

IL TEATRO IN FRANCIA

Alla fine del 440 in francia si diffonde la cultura rinascimentale e inizia lo studio dei classici e la produzioni di

poere di imitazione. Soprattutto sotto il regno di caterina de medici un gruppo di intellettuali la Pleiade

voleva fare del francese una lingua letteraria adatta e si dedicò al rinnovamento della grammatica.nel 500

nascono le prime opere drammatiche scritte seguendo gli ideali classici come la tragedia Cleopatra

prigioniera di Jodelle. Nella commedia di distingue De Larivey che modellòò la commedia erudita italiana

sul gusto francese. La maggior parte delle opere era rappresentata a corte con una organizzazione scenica

acnora medievali, durante queste feste sontuose si svilupparono molte forme di intrattenimento come i

ballet de cour simili agli intermezzi e ai masques. A parigi la confraternita de la passion aveva il monopolio

delle rappresentazioni, solo poche compagnie riuscivano a recitare nella capitale mentre invece nel resto

del paese erano numerose. Alla fine del 500 la letteratura drammatica francese appariva ancora

inconsistente e il genere più diffuso era la farsa. Le cose cambarono quando nel 1597 cadde il monopolio e

molte compagnie professionali arrivarono a parigi. Il primo drammaturgo professionista fu Hardy le sue

opere non rispettano ancora le unità e i precetti del teatro classico. In questo perido valleran le conte è il

principale impresario francese. Il nulero delle compagnie cresce notevolmente durante il secolo e le donne

iniziano a recitare. Ancora le pratiche più diffuse erano quelle della farsa simili alla commedia dell’arte. A

Parigi fino al 1629 l’unico teatro era l’Hotel de Bourgogne (di possesso della confraternita) chi non poteva

recitarvici affittava una sala per la pallacorda. Nel 1629 una compagnia riuscì a sistemasi stabilmente al

Bourgogne. Con la stabilità politica si poterono diffondere molte innovazioni tecniche italiane che verso il

1620 era ormai conosciute.

Si sviluppa in questo periodo l’interesse per i principi classici e la prima tragedia composta seguendo le

regole è Sophonisbe di Jean de Mairet nel 1634. Corneille introduce gli intrighi e gli equivoci nelle trame

che saranno presto molto usati nella produzione francese comica. Le cid di corneille causò molte polemiche

racconta eventi successi in molti anni condensati invece in 24 ore rispettando le unità introducendo il tema

dell’onore opposto all’amore. L’opera che non rientrava in nessun genere causò una polemica che terminò

con una decisa concentrazione di attenzione sul rispetto dei canoni classici da parte de l’academie

francaise. Corneille scrisse molte altre opere in cui sviluppò il personaggio dell’eroe senza dubbi,

contrapposto a personaggi molto lineari utilizza trame molto complesse. Verso il 1650 il genere tragico

perse popolarità e i nuovi disordini politici frenarono lo sviluppo teatrale. Molte compagnie iniziarono a

rivaleggiare con quella del bourgogne in questo periodo e nel 1634 venne aperto il secondo teatro : Theatre

du Marais con la compagnia di montdory che fece conoscere corneille e il nuovo dramma e ricevette anche

una sovvenzione statale. I principali drammaturghi e attori gravitavano però intorno al borurgogne e il

marais dovette chiudere nel 73. Nel 1641 luigi XIII elimò le sanzioni per gli attori e ne elevò il grado sociale.

Le pratiche sceniche sono ben documentate in le memoire de mahelot che ci dice che le pratice sceniche

intorno al 1635 era ancora simili a quelle medievali con le mansions. La scena all’italiana non ebbe fortuna

fino al 1640 quando Richelieu non fece costruire il Palais Cardinal il primo teatro francese predisosto per

quinte piatte e con l’arco di proscenio fisso. Nel 42 il teatro divento il Palais Royal. Le pratiche sceniche

italiane trionfarono in francia con gli allestimenti per l’opera lirica dell’italiano Torelli. Egli riadatto il palais

royal per poter realizzare i cambi di scena con la rappresentazione di Orphee. Segui poi andromede di

corneille denominato piece a machine poiché non era opera italiana, l’azione era parlata ma in ogni atto

c’era ampio uso di macchinari e effetti spettacolari musicali. In questo periodo si diffonde anche il balletto (

ballets a entree) che raccontava storie allegoriche mimate, il più famoso le mariage de pelee et cheti scritto

da Benserade con le scene e gli effetti speciali di Toreli nel 1654 nella rappresentazione recitò anche il re.

Nel 1659 Mazzarino fece costruire a Vigarani il più grande teatro d’europa : la salle de machines, enorme.

Negli anni successivi il genere più amato a corte f commedie ballets scritti molti da moliere e musicati da

Lully il fondatore dell’opera lirica francese. A vagarani figlio successe come scenografo Berain che creò il

definitivo stile francese con curve complicate e tanti ornamenti, con una scena unica e l’impiego di

numerose macchine. Jean Racine (1639-1699) fu il più grande tragediografo del suo tempo, dopo i primi

due insuccessi passa dalla compagnia di moliere a quella del bourgogne e da li con andromaque la dua fama

non fece che crescere dino a phedre quando smise di scrivere. Le trame di racine sono semplici per mettere

in risalto personaggi psicologicamente complessi costretti a scegliere tra dovere e passione. Dopo il ritiro di

Racine la tragedia declinò. La commedia raggiunse l’apice con Molière, viaggiò per la francia insieme alla

sua compagnia di cui divenne il capo nel1 651, nel 1658 si stabilì a Parigi e ottenne la protezione del fratello

del re . il successo arrivò con le preziose ridicole una satira sui costumi del tempo. Dal 60 a 73 la compagnia

moliere che recitava al palais royal ottenne il predominio assoluto sul genere comico. Moliere scrisse farse

piece a machine e commedie ballet ma i lavori meglio riusciti sono sicuramente le commedie di costume,

satire sui tipi contemporanei. Ci furono comunque varie critiche alle sue opere e subi pure la censura.

Moliere rispetta le unità ei 5 atti il linguaggio è adattato al personaggio e alla situazione e privilegia gli

ambienti interni. Alla morte di Moliere la sua compagnia si fuse con quella del marais e si trasferirono e

inaugurarono il teatro Guenegaud, nel 79 si fusero con la compagnia del bourgogne e nacque la Comedie

francaise il primo teatro nazionale he ebbe il monopolio su tuitti i drammi parlatii francesi. La scenografia in

questo periodo va verso la semplificazione, rappresentando un luogo unico con delle quinte piatte. Per la

tragedia si usava un generico palazzo e per la commedia un sena più domestica come un interno. Le

scenografie della commedie francaise erano neutre e nn si avvaleva di particolari macchinari.

Nel 1687 nacque una nuova polemica che alla fine si concluse con la proclamazione di superiorità dei

classici francesi su quelli antichi, ma il grande periodo del teatro francese era ormai concluso.

IL SETTECENTO

INGHILTERRA

L’attività teatrale proibita nel 1642 andò avanti in forme più o meno clandestine fino a quando non fu

riaccettata nel 1660. The sieges of rhodes nel 1656 fu messo in scena da davenat in cui apparver anche

attrici, come “intrattenimento musicale” e fu usata la scena italiana. Quando nel 1660 furono permessi gli

spettacoli Davenant con i duke’s mens e killigrew con i king’s men si assicurarono il monopolio londinese.

Che poi si fusero nell’82. A Dublino nel 62 aprì lo smock alley. Il principale problema era la mancanza di

nuovi drammi, dopo il 60 furono scritte opere di genre serio per lo più tragedie eroiche come i testi di Boyle

o Settle e Dryden. Quando questo genere vene messo in ridicolo daVilliers con the rehearsal divenne

popolare la tragedia in 3 atti con verso libero come all for love di Dryden. L’osservanza delle regole non fu

molto stretta. Anche l’opera lirica fiorì con brani parlati al posto che recitati ma non durò molto, nel 1705 si

impose la lirica italiana. Erano diffusi molti generi di commedia degli umori di intreccio di costume, aphea

behn la prima donna che visse come drammaturgo fu la migliore a scrivere commedie a intreccio ispirate a

corneille. Nella commedia di costume eccelse Dryden e Etherege che costituì il modello successivo. E

continua poi con Wycherley e Congreve, con personaggi aristocratici alla moda intrighi e amori. Cibber

scrive opere in cui libertini si convertono quindi con una morale Farquhar dialoghi brillanti. Il periodo è

famoso anche per il numero di scrittrici donne con ciu si diffonde la commedie sentimentale con

personaggi tratti dalla classe media che ha la piena espressione con Steele e the couscous lovers che vuole

stimolare sentimenti con le avventure sopportate dai personaggi. La tragedia riofirì con Rowe e Philips che

trassero i loro argomenti dalla storia e dal mito con personaggi aristocratici. La svolta fu con Lillo nel 1731 e

il suo The Londo Merchant tratto dalla cronaca ebbe grande successo. Fiorirono anche numerose forme

drammatiche minori :

- Pantomime (rich) scene tragiche mitologiche recitate alternate con scene comiche mimate

accompagnato da musica intorno al 1723 divenne la forma più in voga

- Ballad opera forma comica con dialogo parlato e cantanto in versi tramite l’adattamento di motivi

popolari (Rich the beggar’s opera)

- Burlesque carattere satirico e parodico senza parti cantate ( Fielding )

Gli ultimi due furono molto limitati dal licensing act nel 37 che rintrodusse anche la censura preventiva. La

ballad opera fu sostituita dalla comic opera che aveva un carattere più sentimentale. Le commedie migliori

del settecento inglese si devono a Goldsmith ( she stop to conquer ) e sheridan ( the school of scandal) per

la commedia di costume. Killigrew nel 74 innagurò il Drury lane Theatre che insieme al lincoln’s inn flields e

al dorset garden fu uno dei teatri centrali di londra ta 660 e 700. Avevano platea con panche inclinata

palchi e gallerie. Il palco aveva l’arco di proscenio ma la piattaforma sporgeva oltre l’arco verso l pubblico,

detto apron. Nel 700 subirono tutti molte modifihce. L’apron fu diminuito e ampliato il palcoscenico. I teatri

erano comunque abbastanza piccoli e insufficienti e presto si costruirono posti più grandi. Le scene

venivano cambiate a vista e riutilizzate per più spettacoli. L’elemento spettacolare nn si potè svilupare per

la pratica di far sedere alcuni spettatori sul palco fino al 1762. L’interesse per la spettacolarità cresceva e

Di conseguenza crebbe l’importanza del pittore di scene. Il più importante scenografo inglese du De

Loutherbourg francese, che tra il 71 e l’85 curò più di trenta spettacoli e innagurò la moda del colore locale

inserendo luoghi reali, usò sagome per battaglia ed effetti sonori perfezionò l’illuminazione. Inoltre ottenne

risultati unitari e molto curati per la sua totale direzione della parte visiva. Palco e platea erano

completamente illuminati, si recitava sull’apron. La luminosità fu migliorata nel 85 con l’uso di nuove

lampate. Garrick nel 75 tolse le fonti luminose dal palco e aumentò la luminosità d’insieme. I costumi

erano di foggia contemporanea con qualche particolare speciale e solo alcuni personaggi indossavano

costumi convenzionali. Dal 1740 iniziarono i primi tentativi verso un maggiore realismo. Gli abiti comenque

riflettevano il gusto e la ricchezza dell’attore più che il ruolo. La maggior parte degli attori imparava il

mestiere direttamente sulla scena, i ruoli erano divisi per importanza attori più importanti e popolari

ricoprivano i ruoli maggiori. La parte veniva considerata di proprietà dell’attore e una volta ssegnata

continuava a recitarla fino al ritiro e si specializzava in un certo tip di ruolo. Fu introdotta anche la pratica

delle serate d’onore. Gli attori provavano poco si recitava nell’apron in piedi e si indirizzavano le battute al

pubblico senza creare realismo. Lo stile di recitazione veniva tramandato ed era essenzialmente

declamatorio. Garrick uno degli attori maggiori del tempo innagurò una tendenza di recitazione realistica

che si diffuse verso una caratterizzazione più dettagliata. Tra 1660 e 1800 ci furomo molti attori famosi

inglesi Wilks Doggett e Cibber che diressero il drury lane. Macklin che prima di garrick inrodusse la

recitazione naturale. Dal 1740 al 76 Garrick dominò le scene Hannah Pritchard fu la migliore attrice. Si

recitava da settembre a giugno. Gradualmente andarono di moda anche gli spettacoli estivi all’Haymarket

l’orario si spostò sempre più verso la sera. Gli spettacoli erano inframezzati da canti e balletti e

intrattenimenti vari. Nel corso del 700 la popolarità del teatro crebbe molto e dopo il 1760 fiorirono molti

teatri in altre città inglesi.

ITALIA

Tra seicento e settecento la tendenza alla magnificenza delle scene trova la sua rappresentazione nelle

opere della famiglia Bibiena famiglia di scenografi per varie generazioni. Furono chiamati in ogni parte

d’europa Ferdinando intorno al 1703 introdusse la scena per angolo collocando più punti di fuga in una sola

scena e scorci prospettici, cambiò anche le proporzioni delle strutture rappresentate rendendole solo una

sezione dell’edificio troppo grande per essere rappresentato. queste innovazioni davano una idea di

ampiezza molto maggiore. Era inoltre solito realizzare due scene una anteriore e una posteriore con uno

sfondo che si estendeva all’infinito. Le linee curve l’asimmetria le disposizioni complesse rispondevano al

gusto barocco del tempo. Oltre ai Bibiena anche Juvarra compi molte ricerche ed esperimenti in campo

scenografico. Lo stile teatrale subì mole trasformazioni verso la fine del secolo quando si fece strada un

nuovo gusto teatrale, nacque e si sviluppò l’opera buffa con pergolesi e la sua serva padrona nel 1733. Ed

divenne un genere dominate. Richiedeva come scenografie scene di interni domestici e rustici e si diffuse

l’uso di scene chiuse su 3 pareti continue più soffitto intero. Anche lo studio per le costruzioni antiche

influenzò lo stile del settecento. Ma l’invenzione più significativa fu l’uso delle tonalità psicologiche nelle

scenografie e il chiaroscuro. Colori pastello e giustapposizioni di masse chiare e scure. Anche se ancora il

numero di scene rimaneva limitato. Mentre la scenografia italiana dominava ala scena europea il dramma

era molto meno diffuso. Molta ampia fu la richiesta dell’opera lirica e in questo periodo sono famosi

Apostolo Zeno e poi Metastasio che scrissero opere con grandi compositori alla corte di vienna.

La produzione drammatica italiana è dominata da Alfieri con 21 commedie in endecasillabi sciolti con uno

stile breve ed essenziale, usava un numero limitato di personaggi e un intreccio lineare che rivelava le

passioni dei personaggi. La polemica contro la tirannia e la necessità di libertà personale furono i temi

principali dell’opera alfieriana. Nel campo della commedia il più famoso fu Goldoni , creo un nuovo modello

drammaturgico che sostituisse l’ormai stantia commedia dell’arte. Integrò il canovaccio con parti scritte da

mandare a memoria, le sue commedie rispecchiavano la vivace vita quotidiana e i problemi del tempo. Le

maschere della commedia dell’arte facevano ancora parte delle sue commedie ma venivano trasformate in

personaggi più definiti psicologicamente. Il principale oppositore di Goldoni fu Pietro Chiari che oppose al

realismo la commedia sentimentale e Gozzi che inserì i personaggi della commedia dell’arte in contesti

fiabeschi, volutamente lontani dalla quotidianità.

FRANCIA

Molti autori tragici del settecento presero a modelo Racine, tra cui Lagrange-cheancel e crebillon noto per

le sue trame atte a sconvolgere con l’orrore rappresentato ( rhadamiste e cenobi). L’autore tragico più

significativo fu però Voltaire scrisse 53 drammi che ricalcano il gusto per intrecci tortuosi e capovolgimenti

a sorpresa. ( zaire) Voltaire cercò di rendere più flessibili le regole classiciste aggiungendo un po’ di violenza

e fantsmi e grazie alla sua influenza nel 1759 fu abolita la pratica di ammettere spettatori sul palco che

incoraggò l’aumento della spettacolarità. Nella commedia la maggiore influenza fu comunque quella di

moliere che is ritrova nell’opera di Dancourt che tra l’altro introduce il personaggio del cavaliere di industria

e descrive lo sviluppo della classe mercantile, e nelle opere di regnard e Lesage. Verso gli anni 20 si sviluppò

il gusto per la commedia sentimentale con Marivaux i cui drammi furono prodotti soprattutto dalla

comedie italienne, nei suoi drammi ( le jeu de l’amour e du hazard) l’interesse è concentrato sull’evolversi

dei sentimenti dei personaggi . cn La Chaussee ( prejuge a la mode) si diffonde la commedia lacrimevole. La

riforma dei generi fu sollecitata nella seconda metà del secolo con Diderot , che nelle sue opere ( le fils

naturel e le pere de famille) espresse la sua opposizione alla rigida divisione dei generi e sosteneva la

necessità di generi intermedi che riuscissero a toccare da vicino l’uomo medio. Inoltre sosteneva la

necessità di una recitazione distaccata e in campo scenico la necessità di una totale illusione di realtà. Le

sue idee non riuscirono a imporsi fino all’800. Nell’uulima parte del secolo troviamo un solo grande autore:

Beaumarchais ( le barbier de Seville e Le mariage de Figaro) figaro è la figura culminante di tutti i servi

comici francesi. L’intreccio anche se simile a quello del tempo risulta subordinato al commento sulla

società. Nel 700 a parigi esistevano due comagnie autorizzate quella dell’opera e la comedie francaise. Il

loro monopolio era minacciato dalle compagni che operavano durante le numerose fiere che sperimentavo

continuamente nuove forme teatrali. La prima forma eatrale significativa che emerse fu l’operà comique

che fu portata ad un livello più alto da lesage. Nel 1716 fu invitata la compagnia italiana di riccobini che fini

poi per stabilirsi e ricevere il riconoscimento ufficiale nel 1723. Le compagnie delle fiere ricevettero un

riconoscimento ufficiale nel 1723 dal re. Quando l’opera comique fu proibita fu introdotto il pantomime.

Quando nel 51 tu rintrodotta l’opera comique furono apportati dei cambiamenti vennero inseriti normali

personaggi e cambio la musica. Per la popolarità crescente il monopolio del ‘operà comique fu dato alla

comedie italienne che fece produrre molti testi a goldoni.

Le compagnie delle fiere ripresero allora i vecchi motivi popolari creando le commedie en vaudevilles e

continuando con la pantomima che divenne più melodrammatica nel 1780 furono introdotti i dialoghi e

iniziarono a mettere in scena anche drammi francesi che erano rappresentati solo dalla comedie francaise.

Le compagnie minori verso il 60 si trasferirono in una sede stabile il boulevarde du temple e lavoravano

ormai tutto l’anno e si concentrarono soprattutto sulla pantomina. La comedie italienne dovette

riorganizzarsi e perse i legami col paese d’origine smettendo di produrre drammi italiani l’operà inoltre

assunse il monopolio sui generi minori e richiese dei tributi fino al 1791 dopo la rivoluzione in cui fu

eliminato ogni tipo di monopolio. Le due comedie erano organizzate su base azionaria, mentre l’operà era

data in appalto ad un impresario, ma era talmente in debito che nel 1780 la corona ne riprese il controllo

fino alla rivoluzione. Nel diciottesimo secolo i pagamenti agli autori vennero regolamentati, nel 1777

Beaumarchais fondo il Bureau Dramatique per tutelare gli autori e nel 1791 in francia fu approvata la prima

legge sui diritti d’autore del mondo. Nel 1786 fu fondata l’ecole royale dramatique per preparare gli attori.

Nei primi 20 anni del secolo lo stile recitativo predominante restava quello declamatorio, lo stile realistico

fu sviluppato da Adrienne Lecouvert prima attrice della comedie francaise. Gli attori principali di questo

perido sono la demesnil attrice dei ruoli tragici femminili la clairon che fu la sua sostituta e cominciò ad

usare una recitazione più colloquiale e a usare vestiti più realistici. Questa linea fu seguita da Lekain

considerato il maggior attore tragico del tempo. Dopo la rivoluzione gli attori ricevettero i pieni diritti civili e

religiosi. I teatri furono spostati tutti dopo il 1750 in sedi più grandi. La comedie francaise si sposto al teatro

de le tuileries e aboli i posti in piedi per la prima volta. Nell’83 anche l’italienne si trasferì in una nuova

sede. Con la abolizione dei posti sul palco si iniziò ad sperimentare scenografie più complesse con un gusto

per le scenografie orientaleggianti. Si iniziarono ad introdurre elementi di colore locale e l’interesse verso il

medioevo. L’operà sviluppò l’elemento spettacolare con lo scenografo Servadoni e i suoi spettacoli ottici.

Verso il 1750 iniziò a declinare il gusto per i vestiti fastosi e si iniziaro a indossare vestiti più coerenti alla

parte .

GERMANIA

Il teatro professionale tardò ad affermarsi in germania per i conflitti politici. I regnanti tedeschi iniziarono

ad inseriri gli spettacoli teatrali e divertimenti di corte imitando italia e francia. Nel 1668 alla cortr di Vienna

venne costruita una sala teatrale l’opera in articolare si diffuse sia nelle corti sia tra la ricca borghesia e si

diffuse nei teatri pubblici. La’ttività teatrale in Germania venne usata a lungo con scopi didattici nelle scuole

cattoliche dei gesuiti che nel corso del secolo si attrezzarono con teatri macchinari e scene prospettiche.

Questo però non fece sviluppare il teatro professionale laico. Le prime compagnie professionali erano

inglesi e arrivarono in germania alla fine del 500 che presentavano spettacoli mimati e semplificati

affidandsi alla comunicazione non verbale. La prima compagnia tedesca fu probabilmente quella di Velten

(640-695) introducendo il teatro francese, ma le compagnie nn aveva sedi stabili quindi viaggiavano

continuamente recitando dove capitava. La figura dei clow arrivata dall’inghilterra era molto diffusa

insieme a opere ambientate nelle corti. Nel 1707 i vari clow vennero fusi dall’attore Stranitzky nel

personaggio di Hanswurst. S. diede vita al teatro pubblico a vienna il Karntnerthor dove introdusse il teatro

all’improvviso e i generi classici stentarono ad affermarsi. Un passo significativo fu fatto da Gottsched nel

1720 che si batte per lo sviluppo del tedesco come lingua letteraria. Fu il primo autore tedesco a

collaborare con il teatro professionale con i neuber. Cercarono di eliminare l’improvvisazione le

caratteristiche del teatro precedente. Iniziarono quindi a produrre drammi di ispirazione francese la più

famosa fu sterbender cato ( catone morente). Caroline neuber cercò di elevare il livello della recitazione

con un maggiore numero di prove . ma finirono comunque costretti al compromesso e le figure precedenti

rimasero sulla scena per molto. Tra il 40 e il 70 alcune compagnie portarono avanti l’opera dei neuber la

compagnia di schonemann da cui si svilupparo ekhof il primo teorico del teatro tedesco, koch che lavorò in

varie città e costruì il primo teatro stabile a lipsia, e ackermann e la schroder che fondarono il teatro a

konigsberg il primo teatro nato per una sola compagnia. Ackermann fondò anche il teatro ad amburgo che

poi affittò al teatro anzionale di Amburgo. Che realizzò le idee di Lowen che sostenva la necessit di un

teatro stabile e sovvenzionao dallo stato affiancato da una accademia per la formaizione di attori. Riuscì a

convincere alcuni umoni di affari e coinvolse lessing che divenne il primo Dramaturg tedesco ( consulente

artistico) apri nel 67 ma dovette cedere a molti compromessi e chiuse nel 69. L’eredità più importante è

composta dalla totalità degli scritti critici di Lessing sulle attività del teatro. Negli anni 40 emerge un nuovo

gruppo di scrittori che si ispirano a temi tedeschi come la storia o la società del temoi (schlegel e gellert) il

più importante fu Lessing, il suo primo successo fu Miss Sarah Sampson tragedia borghese ambientata in

inghilterra. Lessing proponeva come modello il dramma inglese e voleva sviluppare i temi borghesi, la

seconda opera di lessing : MiNNA VON Barnhelm fu la prima commedia nazionale tedesca.

Successivamente emerse un nuovo gruppo di autori caratterizzati dal rifiuto per i modelli classici : Sturm

und drang e ne fecero parte molti autori come goethe kliger lenz wagner e schiller. Le opere sono cmunque

molto dissimili tra loro e non tutte rompono completamente con i principi classici. Quello che generò

scandalo furono i temi innovativi, inoltre richiedeva nuove tecniche sceniche. Verso la fine del secolo

nacquero i primi teatri statali, il primo fu quello di gotha nel 1775.segui poi quello a vienna il burgtheatre. Si

diffonde anche il dramma scritto e verso la fine del secolo esistevano circa 70 compagnie. Una delle più

importanti fu quella di Schroder che fu in grado di formare un gruppo unito e affiatato e fece diffondre

Shakespeare e i drammi dello sturm und drang, fu anche considerato uno dei amggiori attori tedeschi. Fu

importante per la diffusione della recitazione realistica e per l’allestimento preciso delle opere. In questo

periodo il dramma raggiungeva maturità e conquisto un pubblico ampio con Iffland e kotzebue. Verso la

fine del secolo ci si muove verso la coordinazione delle pratiche sceniche compresa una recitazione più

realistici. Si adottarono sistemi per fare cambi di scena più veloci e iniziarono i primi tentativi per rendere

scenografie e costumi più realistici. Schroder per una opera di goethe nel 74 fece indossare ai personaggi

abti appropriati la messa in scena fu giudicata molto innovativa. Fino alla fine del secolo la precisione

storiaca non faceva comunque parte della regola.verso la fine del secolo Goethe fu nominato direttore del

teatro statale di Weimar e insieme a schiller resero Weimar uno dei teatri più famosi. Legati ai principi

classici ritenevano che il dramma nn dovesse creare l’illusione di realtà ma trasfigurare l’esperienza

ordinaria. Predilessero costumi e scene semplici e armoniose e concentrarono molta attenzione sulla

dizione ritmica, dando vita al classicismo di Weimar. I tesi di schiller sono basati su conflitti filosoci e sono

ispirati da decisive vicende storiche. Goethe cercò di portare la compagnia verso l’organicità e stabilì delle

regole per la dizione il ritmo la gestualità. Le loro novità attrassero spettatori da tutta la germania, goethe

però non si limitò a mettere in scena solo i drammi scelti da lui e schiller ma sperimentò molti generi. Dopo

la morte di schiller la compagnia all’apice della fame si distribui in europa contribuendo a formare 2

correnti di recitazione opposte quella realistica e quella idealistica.

RUSSIA

La prima chiara testimonianza del teatro in Russia risale al 1672 quando lo zar aleksej fece costruire un

tratro nei suoi palazzo. Dopo la sua morte venne abbandonato e fu ripreso solo durante il regno di Pietro il

grande che promosse l’occidentalizzazione. All’inizio l’attività teatrale era concentrata a corte con attori

esteri come la commedia dell’arte il balletto francese l’opera italiana. Verso il 1750 la corte russa conosceva

tutti gli orientamenti artistici europei. Sumarokov iniziò a scrivere i primi testi sul modello francese e Volkov

rappresentò le prime opere diventando presto molto famoso e fu considerato il fondatore del teatro

professionale russo. Con Elisabetta fu istituito il primo teatro di opere russe e con Caterina II il teatroi niziò

a diffondersi in altre regioni, nonostante la censura e la predominanza dell’opera lirica le compagnie

drammatiche acquistano sempre più sicurezza ed iniziavano a sorgere i teatri privati patrocinati

dall’aristocrazia. Molte compagnie erano formate da servi della gleba istruiti dai propri padroni.

L’OTTOCENTO

GERMANIA E AUSTRIA

Il termine romanticismo fu usato per la prima volta in germania nel 1799 per un gruppo di letterati runiti

itorno alla rivista athenaeum, si sviluppò in contrapposizione al classicismo basandosi sull’idea di relatività e

di limite storico. Si ricerca la libertà di espressione con trame intrighi magie, ispirati all’opera di

Shakespeare introdotta in germania da Schlegele tieck, che inoltre scrisse alcune opere considerate

moderne per le tecniche di teatro nel teatro. L’opera romantica conquistò molto successo grazie alla

tragedia di accadimenti fatali innagurata da Werner. Con la conquisa di napoleone fu imposta la censura e il

repertio venne ristretto, i drammaturghi principali di questo periodo sono Grabbe che nelle sue opere

rappresenta una società egoistica e sclerotica e Grillparzer il primo drammaturgo austriaco. I suoi

personaggi sono genralmente alienati dalla realtà. In Austria si diffonde anche il dramma pastorale con

Raimund E Nestroy. Dopo il 1830 nasce un nuovo movimento: la giovane germania fondata sulla necessità

dell’sservazione del mondo e dei problemi reali, che si esprime in campo teatrale con Gutzkow Laube e

Buchner che con Woyseck anticipa il naturalismo e l’espressionismo. Dopo il 1840 l’autre più apprezzato fu

Hebbel secondo cui i progressi si possono ottenere solo con il conflitto nelle sue opere delinea il contrasto

tra antico e nuovo. Con l’occupazione francese i teatri tedeschi subirono un grande controllo. Durante il

secolo due teatri si imposero sul panorama nazionale: Berlino e Vienna, il primo migliorò l’accuratezza

storica con iffland. Dopo il 1815 quello di maggior prestigio fu il teatro di vienna che ridusse il su repertorio

ai drammi parlati. Nella seconda metà del secolo si diffuse sempre di più la figura del divo ostacolando i

tentativi di coerenza di insieme delle opere. Devrient fu considerato il più grande attore romantico Dawison

e Devrient furono il simbolo della contrapposizione di stile recitativi che si risolse alla fine in favore di quella

realistica. Due figure importanti furono :

- Tieck fautore della recitazione psicologica su una semplice piattaforma che rappresentò el 41 con

antigone di sofocle a postdam e sogno di una notte di mezza estate, adattando le convenzioni

elisabettiane con il teatro all’italiana.

- Immermann famoso per l’importanza che dava ai testi e al controllo di tutti gli elementi.

Dopo la morte di Hebbel in dramma tedesco declinò fiorirono i teatri di cabareet e varietà. E l’operetta.. i

classici dominavano il repertorio . dopo l’unificazione Berlino divenne il centro culturale. Laube portò il

teatro di Vienna ad essere il migliore in lingua tedesca. Si fece promotore di un realismo austero a lui

successe Dingelstedt che invece predilesse una scena spettacolare e accurata storicamente rappresentò

tutti i drammi storici di Shakespeare come una rappresentazione ciclica nel 1875.

FRANCIA

Dopo la rivoluzione la comedie francaise si scolse e nacque il theatre de la republique che divenne la miglior

compagnia teatrale francese. Ma sotto napoleone vennero ricreate le comapgnie statali dell’oper

dell’opera cmique e la comedie francaise. E istaurò la censura per cui solo 4 teatri erano abilitati e due

teatri minori per i generi minori tutti gli altri teatri furono chiusi. I teatri dei boulevards furono gli unici a

produrre opere popolai come i melodrammi a cui Pixerecourt diede forma definitiva con un eroe virtuso

perseguitato che supera gli ostacoli ebbe un vastissimo pubblico. I nuovo ideali romantici furono raccolti da

Hugo in cromwell alla ricerca di una forma che unisse sublime e grottesco. L’opera Hernani di Hugo scatenò

un vero dibattito per la mescolanza di generi. Altri autori romantici furono Dumas Padre che fece sviluppare

drammi storici e drammi domestici e de Musset. durante la prima metà del secolo crebbero i numeri dei

teatri e fu abolita la divisione tra generi. Verso il 1835 si sviluppò la pratica di fare sempre più repliche dello

stesso dramma. Il melodramma favorì lo sviluppo della precisione nell’allestimento per la necessità che

tutto fosse coordinato. Hugo ad esempio pose molta attenzione nella disposizione degli attori sul palco

perché usassero tutto lo spazio e per la prima volta pose un attore di spalle al pubblico,anche nei teatri dei

boulevards ci si mosse verso un maggiore realismo scenico nei movimenti e nelle situazioni. Anche in

francia crebbe il fenomeno dei divi. Il più rinomato attore romantico fu Lemaitre attore molto versatile. In

questo periodo due scenografi sono particolarmente importanti; Daguerre per l’uso di panorami e diorami

e nella sua capacità di creare mutamenti costanti alterando la luce e gli sfondi e Ciceri che porto sulla scena

ambientazioni di colore locare e rovine e ambienti storici e aprì il primo laboratorio scenografico

indipendente. Durante il secolo crebbe l’interesse per la spettacolarità e per la precisione storica e si

sviluppò anche la tendenza a rappresentare in modo realistico la vita di tutti i giorni. Anche i costumi si

mossero in una direzione più realistica. Nel 1822 venne introdotta l’illuminazione a gas e nel 1860 fu creato

il primo riflettore. Gli scrittori francesi della seconda metà dell’ottocento furono i primi a mirare

all’attuazione di un maggiore realismo. Precursore fu Scribe inventore della piece ben faite per cui si

intende un opera in cui gli episodi sono legati da cauesa effetto l’uso dei macchinari è oculato la tensione

ala e si fa ricorso a rivelazioni improvvise. Dumas figlio utilizzò questa tecnica affrontando problemi sociali.

Augier mette in scena il conflitto tra aristocrazia e borghesia. Benché scandalizzarono molto non si

allontanarono mai dai temi classici cari alla borghesia ne sarono in fondo un tono molto più impegnato di

Sardou che scrisse drammi satirici e storici o Labiche. Verso il 1880 si diede sempre più importanza al

numeor di repliche che dovevano essere più di 100 e le compagnie iniziarono ad essere formate per

mettere in scena un determinato spettacolo. Parigi divenne lìunico centro teatrale produttivo. Montigny fu

un grande regista del periodo che portò sulla scena l’illusione della vita reale, la figura del regista sis viluppò

molto insieme all’attenzione per la messa in scena e alla fine del secolo molte compagnie assumevano un

regista.nei costmi nelle scenografie nei particolari e nella recitazione si andava sempre più verso il realismo.

Sopravviveva ancora il sistema dei ruoli e i repertori fissi e le scenografie erano spesso riutilizzate. Cresceva

ancora il fenomeno del divismo, la migliore attrice del tardo ottocento famosa per i suoi ritratti psicologici

du Sarah Bernhardt . i teatri vennero generalmente risistemati e si introdussero le poltrone e i palchi di

lusso.

INGHILTERRA

Nell’800 a Londra furono aperti numerosi nuovi teatri poiché le classi lavoratrici cominciarono a

frequentare il teatro. Per aggirare il licensing act i teatri minori inventarono la burletta un genere ambiguo

in 3 atti con il quale riadattarono molte opere per metterle in scena e il melodramma praticamente uguale

ma musicato, nel 1843 la divisione tra i teatri fu abolita. La maggior parte dei poeti romantici scrisse per il

teatro come shelley e byron ma il più famoso fu Knowles combinando storie melodrammatiche con una

forma elisabettiana. Nasce in questo periodo anche il melodramma gotico. Egan invece inventò il

melodramma incentrato sulla vita locale e fitzball adattò casi di cronaca nel melodramma. Fino al 1840 il

melodramma dominò le scene. La figura più importante all’inizio dell’800 fu Kemble che assunse la gestione

del drury lane e poi del convent garden che divenne il teatro più importante. Insieme a Capon scenografo

misero in scena Shakespeare con costumi pseudo storici segnando un periodo di transizione. Inoltre

privilegiarono la spettacolarità e l’uso di oggetti scenici i praticabili. I figli di kemble in particolare jonh e

sarah furono grandi attori con uno stile classicista e maestoso. A loro si oppose lo stile romantico di

Edmund kean (preceduto da COOKE) considerato il migliore attore del suo tempo. La fusione dei due stili

recitativi fu attuata da Macready che inoltre cercò di ricreare l’illusione della vita quotidiana e inserì

particolari domestici. Fu anche uno dei primi registi moderni cercando di posizionare gli attori e di dirigerne

i movimenti e curando ogni aspetto delle produzioni. Madame Vestris fu il macready dei generi minori

come il burlesque. Il primo autore inglese in cui affiorò la tendenza realista fu Robertson affrontando

problemi sociali e storie di vita quotidiana. I generi più diffusi erano di intrattenimento leggero. Verso il

1830 per far fronte alla bassa retribuzione degli autori nacque la società degli autori drammatici e nel 1833

la prima legge sui diritti d’autore inglese e nel 1886 fu stabilito un accordo internazionale sui diritti

d’autore. Phelps nel 1844 innagurò una nuova fase degli allestimenti shakespeariani caratterizzata dal

rispetto del testo e l’estrema cura. Intanto il figlio di kean al princess’s theatre riusci a far tornare a teatro la

buona società , kean fece precedere gli spettacoli da brevi intrattenimenti ed eliminò quelli internedi tra gli

atti. Sviluppò anche il gusto antiquario nei costumi e inserì scene spettacolari al posto dei passaggi

descrittivi. Fletcher fu un grande attore shaksperiano che introdusse una recitazione più naturale. Dopo il

1869 aumentarono fino a 30 i teatri londinesi. Lo stile del realismo quotidiano emerse nella collaborazione

tra robertson autori e bancroft marito e moglie attore e proprietaria del teatro prince of wales.

Abbandonarono il sistema dei ruoli e nn assunsero i divi e abbandonarono la pratica delle serate d’onore

alzando i salari, la loro produzione di Casta fu la prima ad andare in tournee con tutte le scenografie.

Ridussero il programma serale alla sola rappresentazione, spostarono l’azione dietro l’arco di proscenio con

il principio della quarta parete. Aggiunsero le poltrone facendo della platea i posti più ambiti ed iniziarono

la pratica di prenotare i posti, pratica incoraggiata anche dallo sviluppo di teatri più piccoli. Tra il 1880 e il

1900 il teatro inglese fu dominato dalla figura di Irving attore e impresario. Che nel 1874 fece 200 repliche d

Amleto. Insieme alla sua prima attrice Ellen Terry. Entrambi lavorarono al Lyceum ( Lui lo diresse)

innalzandone la fame con il realismo pittorico. Si cambiò anche l’assetto del palco per aumentare la

spettacolarità. Iniziarono ad essere introdotti elementi scenici tridimensionali. Irving fu il primo ad oscurare

la platea e negli anni 80 si diffuse l’illuminazione elettrica.

ITALIA

Nell’ottocento iniziano a formarsi le prime compagnie stabili sovvenzionate cme quella di milano :

compagnia vicereale o quella di napoli o modena e parma. La più importante fu quella di Torino la

compagnia reale sarda nel 1821. Il dramma in italia all’inizio dell’800 restò sotto l’influenza di goldoni e

alfieri aprendosi all’influenza romantica con Fosclo e Manzoni Pellico e Nicolini. Nella seconda metà

dell’ottocento la produzione teatrale torno nelle mani delle compagnie nomadi. Si svilupparo anche delle

compagnie che gravitavano intorno alla figura di un divo. Dopo l’unità il teatro si orientò verso il gudto della

borghesia con Ferrari e Giacometti. L’opera si Bersezio scritta in torinese sulla vita di un piccolo impiegato

ebbe molto successo. Nacquero varie compagnie che mettevano in scena spettacoli in dialetto indirizzati

alla popolazione locale. L’attrice più conosciuta anche all’estero du Adelaide Ristori e il principale attore fu

Tommaso Salvini.

SPAGNA

Nel 700 il teatro spagnolo conobbe un periodo di stagnazione da cui si ripreso solo verso la metà del secolo

con la diffusione del gusto classicheggiante. L’autore più importante a cavallo tra settecento e ottocento fu

De Moratin che si concentra sulla psicologia dei personaggi. Più popolare presso il grande pubblico fu de la

Cruz con i sainetes in atti unici e la zarzuela inserendo personaggi contemporanei. A Madrid esistevano solo

3 grandi teatro. Il più grande attori di fine 700 fu Isidoro Maiquez che introdusse la recitazione naturale. La

popolarità del teatro iniziò ad aumentare solo verso il 1830 ma solo nel 1849 furono introdotte delle

riforme.

RUSSIA

La prima metà dell’ottocento fu importante per lo sviluppo del dramma anche se molti drammi subirono la

censura. Importante fu Gore ot uma di Griboedov che denuncia i difetti della società ipocrita. Puskin scrisse

Boris Godunov la prima tragedia russa ad argomento politico. Il panorama russo fu comunque dominato da

melodrammi e vaudeville. Il realismo iniziò ad affiorare con l’opera di Gogol ricordato per l’ispettore

generale in cui fa un attacco alla corruzione dei funzionari governativi. I personaggi e soprattutto la

meschinità e l’ipocrisia sono rappresentati straordinariamente. Nel 1805 fu aperto a mosca un teatro

statale in cui recitava una compagnia di servi della gleba e una scuola di recitazione anche se il centro

restava comunque pieroburgo. I 3 treatri di Pietroburgo e i due di mosca restarono sotto il controllo

imperiale. Il primo grande attore russo di Scepkin che iniziò la carriera nelle compagnie dei servi, sviluppò

una recitazione naturale e introdusse l’unità stilistica al Malyj . le pratiche sceniche rimasero ancora molto

conservatori. Iniziò a svilupparsi l’opera lirica e il balletto. La tendenza realista arriva in Russia con Turgenev

che descrive la vita monotona nella campagna. Ostrovskij il primo drammaturgo professionista racconta la

realtà della media borghesia , collaborò a fondare la società russa degli autori per ottenere la protezione

dei diritti d’autore. Le produzioni più numerose restavano comunque i melodrammi e le farse a carattere

sentimentale. Nel 1882 fu abolito il monopolio dei teatri di stato e si sviluppò il teatro pubblico la tendenza

verso il realismo però si affermò poù lentamente e solo verso il 1880 si ebbero le prime scenografie

dettagliate. Nel 1882 venne abbandonato il sistema dei ruoli.

USA

L’inizio del teatro professionale risale al 1752 quando la comapgnia inglese di Hallam arrivò in virginia e

successivamente si fusero con la compagnia di douglasss. Vennero fondati alcuni teatri a filadelfia e a new

york. E apparsero i primi testi dia autori locali. All’inizio dell’ottocento filadelfia era il centro più importante.

Wignell riunì una grande compagnia di attori in Inghilterra e li porto negli stati uniti. Nel 1798 Dunlap

innagura il Park lane che fu il principale teatro di new york fino agli anni 40. Il repertorio era per lo più

inglese. La diffusione del teatro fu favorita dall’aumento dei mezzi di trasporto. Nel 1831 nacque il primo

teatro galleggiante su un battello una moda che andò avanti fino al 1925. I teatri si diffusero in varie città e

si ampliarono. La produzione era basata soprattutto sui divi il che nuoceva alla qualità. Il più grande attore

nato in america del tempo fu Forrest. Giunse alla notorietà anche un piccolo gruppo di autori locali come

Barker e Woodworth che introdusse il personaggio dello yankee. I due personaggi più popolari furono

apppunto l’indiano e lo yankee. Un personaggio comico era di norma il servo nero. Con il minstrel show una

compagnai di bianchi che imitavano comicamente i neri. Nel 1821 nacque una compagnia di neri a new

york che mise in scena molti drammi. L’attore più famoso fu Ira Aldrige. Negli stati uniti il teatro continua

ad espandersi seguendo le esplorazioni e la corsa all’oro. Esisteva un gran numero di compagnie itineranti.

Il dramma più popolare fu la capanna dello zio tom tratto dal romanzo della stowe. Howard f il primo attore

professionista del Nord d’america ed emerge la tendenza realista verso il colore locale. Harrigan scrisse

brevi scenetti sulla vita quotidiana a n.y. il realismo emerse con Gillette che scrisse il primo dramma sulla

guerra civile secre service. Anche negli stati uniti si diffonde il burlesque extravaganza. E si sviluppò sempre

di più verso un genere che mettese in mostra le grazie femminili.la maggior parte delle compagnie si

organizzava per la produzione di una sola opere ed andava in tournee con tutta l’attrezzatura. Booth nel

1863 affittò un teatro a new york e mise in scena le migliori rappresentazioni shakespeariane mai viste in

usa. Daly drammaturgo affittò un teatro e divenne una delle figure più influenti del teatro puntava sugli

effetti scenografici spettacolari ed emozionanti e sulla novità. Inoltre assumeva il controllo di ogni

dettaglio. Alla fine del secolo new york era diventato il centro della produzione.

TRA OTTOCENTO E NOVECENTO

Wagner non accetta il realismo. lo scrittore come creatore di miti dramma come fusione di tutte le arti

OPERA D’ARTE TOTALE. AUTORE\COMPOSITORE\REGISTA che sovrintende tutte le parti del dramma.

Wagner crea un nuovo tipo di teatro costruito a Bayreuth nel 1876 con una enorme platea prezzo unico e

nessuna divisione tra classi sociali. L’orchestra posizionata sotto il palco per creare il golfo mistico. Creare

una completa illusione. Ricostruzione storica accurata uso di effetti scenici e ottici

La compagnia del Duca di Saxe- Meiningen attenzione ad ogni parte della messa in scena: costumi

scenografie ricostruzione storica. Repertorio di classici di alto livello artistico. FEDELE RISPETTO DEI TESTI

RAPPRESENTATI. ILLUSIONISMO SCENOGRAFICO. Regista che sovrintende tutto. Armonioso effetto di

insieme. Utilizza gli attori acnhe come comparse, scene di massa molto caratterizzate. Lunghi periodi d

prove.

IBSEN norvegese. Dopo il 1870 svolta radicale della sua produzione propone un nuovo tipo di dramma (

casa di bambola e spettri) che scuotesse le coscienze. Dramma di idee. Mette in discussione i valori

tradizionali come il matrimonio. Nascita della coscienza personale. Più avanti nella sua produzione si apre al

simbolismo esplorando le relazioni personali. Dialoghi e scenografie sono diretti a rivelare l’ambiente

sociale le scene sono rette da uno stretto nesso di cause ed effetto. I caratteri e i comportamenti sono

sviluppati come risultati di cause ereditarie e ambientali.

ZOLA e il NATURALISMO FRANCESE DESCRIVERE I MALI DELLA SOCIETà PER CORREGGERLI.

Ambientazione realistica mettere in luce i rapporti di cause ed effetto. Altri suoi seguaci furono più radicali

volendo portare sul palco un reale frammento di vita. L’autore che meglio incarna il naturalismo a teatro è

Becque.

ANTOINE E IL THEATRE LIBRE il naturalismo potè svilupparsi pienamente solo dopo l’apertura di questo

teatro votato alla sperimentazione. Fondato sugli abbonamenti era al riparo dalla censura. Antoine

sperimentò molte innovazioni anche estere e tecniche produttive.

FREIE BUHNE il teatro indipendente di berlino fondato nel 1888 diede spazio ai testi colpiti dalla censura

, anche se chiuse nel 94 diede un forte incoraggiamento ai teatri indipendenti. Come i teatri organizzati dai

gruppi socialisti interessati a innalzare il livello culturale delle classi operaie. Hauptmann e schnetzler sono

gli autori tedeschi più famosi di questo periodo influenzati da ibsen e dalle correnti realiste.

INDEPENDENT THEATRE precursori del dramma realista furono jones e Pinero. La svolta in Inghilterra

arrivò con le rappresentazioni (tra 80 e 90) dei drammi di Ibsen. Nasce sul modello dei teatri indipendenti

europei diretto da Grein, mette in scena opere realiste per lo più straniere. SHAW fu l’autore inglese che

portò sul palco le convenzioni sociali borghesi e aggredì le convinzioni del pubblico. A differenza dei

naturalisti riconosce comunque la libertà di scelta all’uomo.

GRANVILLE E VEDRENNE portarono sulle scene del Court Theatre il dramma nuovo. Misero in scena in un

teatro pubblico il dramma sociale. Furono famosi per la recitazione di insieme e per la capacità di dare la

giusta rispondenza al testo con lo stile appropriato.

TEATRO D’ARTE DI MOSCA fondato nel 1898 da STANISLAVSKIJ E DANCENKO portò la messa in scena

realista anche in russia. Curarono la messa in scena di molte opere, con una regia rigorosa e con la cura per

i dettagli della scenografia. Trovarono in checov l’autore adatto per una lunga collaborazione, mettendo in

luce le sfumature psicologiche delle opere. Checov mostra la monotonia e la noia dei proprietari terrieri

sottolineando l’abisso tra aspirazioni e realtà. In scena vengono presentati solo eventi secondari e

apparentemente inutili che servono a rivelare i caratteri dei personaggi. Altro autore del teatro fu Gorkij,

socialista portò sulle scene le condizioni delle classi più basse. Successivamente il teatro si aprì a nuove

sperimentazioni.

SIMBOLISMO in francia alla corrente realista si contrappone il simbolismo, alla ricerca dei significati

sottesi alla realtà attraverso i simboli. Il movimento si impose sul teatro con la nascita del Theatre d’art e

poi dal theatre de l’oeuvre con Lugne-Poe, ridusse la scenografia a una semplice composizione di linee e

colori evitando la ripresa di scene reali. L’autore più rappresentativo del periodo simbolista fu MAETERLINK

. in seguito mise in scena ubu roi di Jarry che rappresenta il vuoto e la viltà della società considerato il

precursore della teatro dell’assurdo.

ROUCHè regista realizza un insieme scenico di linee e colori che caratterizza l’ambiente senza però

attirare l’attenzione.

COPEAU Il compito del regista è quello di tradurre fedelmente le intenzioni dell’autore, e che l’autore

era l’unic elemento essenziale della rappresentazione teatrale.

APPIA studiò la messa in scena de wagner. Auspicò l’inserimento di scenografie tridimensionali e

sottolineò la musica come elemento che fondesse il tutto. E la musica orchestrata con le situazini e le

emozioni. Necessità di individuare il ritmo inerno di un opera per dare armonia al tutto.


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ireneSA

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DETTAGLI
Corso di laurea: Corso di laurea in Lingue e e letterature moderne
SSD:
Università: Perugia - Unipg
A.A.: 2016-2017

I contenuti di questa pagina costituiscono rielaborazioni personali del Publisher ireneSA di informazioni apprese con la frequenza delle lezioni di Storia del teatro e dello spettacolo e studio autonomo di eventuali libri di riferimento in preparazione dell'esame finale o della tesi. Non devono intendersi come materiale ufficiale dell'università Perugia - Unipg o del prof Tinterri Alessandro.

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