Lezioni Storia degli allestimenti d'arte contemporanea

Il Padiglione della Grecia del 1948 alla Biennale di Venezia

occupato dalla collezione di Peggy Guggenheim, era piccolo, con una collezione di opere d'arte contemporanea. Scarpa utilizzò questo spazio per creare, ad esempio, una contro soglia, ossia inverte i valori, da fuori sono invitato da questo semplice ma vengo come spinto dentro, quasi ingoiato da dentro come una presa d'aria.

Interessante è il tema della soglia che è diventato l'occasione per stravolgere le sculture e occupare lo spazio della città, interessante è la soluzione che prevede da una parte l'incursione delle opere dentro la città e dall'altra la difficoltà ad entrare, interpretazione molto intelligente di un tema surrealista. Anche una scala come un ingresso può essere usata, come nel caso della grande scala di Achille Castiglioni della Biennale che divenne un grande supporto espositivo, in confronto con la scala del Museo M9.

13 ALLA FIERA DI MILANO

Guardando lo nel suo impaginato rispetto all'intera distribuzione sulla parete, c'è anche qui una griglia invisibile. Gli oggetti si offrono in funzione di questa centralità dello sguardo. Una mostra del 1963 di Castiglioni a Milano fu realizzata insieme ad un regista, concependo un intero involucro di legno per esigenze di tempo (concezione cantieristica) come se fosse un palco scenico, mettendo un disagio per rendere attento l'osservatore attraverso i sensi.

LEZIONE 05

Boccioni scrisse alcuni manifesti teorici in cui lo stesso artista nella mostra dell'aprile 1910 della pittura futurista nella Galleria Belridottoe al Teatro Costanzi, dopo in un'altra galleria nel 1913 i firmatari del movimento, ossia Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo Balla e Gino Severini ebbero la possibilità di esporre e allestire alcune opere. Nel catalogo si legge che la loro volontà era di dare quanto più possibile ai loro quadri.

una costruzione solida che non avrebbe potuto dare ai loro quadri una costruzione solida tale da condurre ad una tradizione passata qualsiasi: non può esistere pittura moderna senza il punto di partenza di una concezione assolutamente moderna e nessuno può contraddirli quando affermano che la loro pittura è fatta di concezione e sensazione finalmente unite.

Il quadro, con il Futurismo italiano, è come che deflagrasse, come fosse scoppiata una bomba all'interno della capacità di lettura del quadro. Un dipinto del Futurismo deve essere letto con le parole chiave di coinvolgimento nello stesso tempo e nello stesso luogo di più sensi e di più punti di vista di percezione visiva. La simultaneità nell'opera d'arte è una meta inebriante nella nostra arte: i futuristi dipingendo cercavano di proiettare e mettere lo spettatore al centro del quadro, dato che il quadro, secondo il manifesto, deve essere la sintesi di

ciò che si ricorda e di quello che si vede: è un desiderio abbastanza potente di enfatizzazione emotiva ed estetica che trasforma dopo la tela in qualcos'altro.

Se lo spettatore è al centro della riflessione del problema che si ponevano i futuristi nella dimensione spaziale, è presto fatto un collegamento con gli ambienti del futurismo che gli stessi artisti si trovavano ad allestire.

Il Futurismo era un movimento che da quando nacque aveva il pretesto di essere internazionale e infatti furono organizzate mostre anche in altre città europee come Parigi. Di sicura portata e importanza fu la Galleria a Palazzo Pesaro del 1927 a consacrare il Futurismo in Italia ed una successiva del 1929 in cui, gli artisti, chiamati ad esporre, dichiarano la stessa sensibilità per alcune passioni che per i futuristi erano 4: passione per la profondità, ossia spingersi oltre il piano sensitivo, superficiale quindi oltre l'apparenza, la seconda

Dello spazio convergono diversi punti di vista, diverse percezioni spazio-temporali-emotive e soprattutto diversi ambienti che venivano di volta in volta creati dagli allestitori e dagli artisti stessi. Si crearono delle strutture plastiche e complesse all'interno degli spazi (tipo di struttura obbiettivo anche della scultura nel manifesto futurista) e l'allestimento divenne un mezzo, alla stregua di altri canali di affermazione come la scenografia o la tipografia, per impaginare lo spazio in un modo innovativo. I futuristi organizzarono esposizioni didascaliche come le seguenti nelle quali dal punto di vista dell'allestimento nulla c'era di innovativo, se non una dimensione partecipativa familiare di una sorta di "living with art", ma alcune mostre come l'esposizione di Boccioni dal punto di vista allestitivo non ha granché di innovativo, sembra una serie di dipinti alternati dall'esposizione di alcuni oggetti scultorei e con sostegni.

passaggio) ma nella quale i firmatari del Futurismo sono immortalati con impaginate alle pareti le opere personali di Depero. 15Interessa il modo in cui vennero allestite e srotolate agli spettatori alcune opere anche di cartellonistica sistemate al soffitto di questa stanza. Fu fatto un tentativo anche di incorniciare in modo diverso le opere, creando una sorta di catapulta dell'attenzione e legare lo spettatore alla dimensione spazio-percettiva dell'opera stessa: si creava una sorta di effetto sorpresa che si trova anche nella grafica del Futurismo (grafica aggiornata dal punto di vista dell'impaginazione dello spazio), che poi portò gli artisti futuristi ad occuparsi anche di teatro.

I futuristi furono anche chiamati ad allestire pagine memorabili di rassegne fieristiche: ciò che legava questi allestimenti era una sorta di effetto sorpresa che ricordava ancora una volta una grafica aggiornata dal punto di vista dell'impaginazione dello spazio.

Nella mostra