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Sharon  Widmer  

Una  canzone  è  un  pezzo  di  musica  con  una  sua  dimensione  autonoma.  Essa  cambia  ogni  volta  che  

l’ascoltiamo,  la  percepiamo  diversamente,  perché  a  dipendenza  del  nostro  stato  d’animo  cogliamo  

differenti  sensazioni  ed  emozioni.  

 

La  canzone  può  essere  suddivisa  in  questi  elementi  essenziali:  

Intro:  presente  nella  stragrande  maggioranza  delle  canzoni,  solitamente  è  di  tipo  strumentale  e  può  anche  

essere  ottenuta  con  un  semplice  fade-­‐in,  ossia  con  un  aumento  graduale  del  volume.  Prendendo  come  

esempio   Nel  blu  dipinto  di  blu,  il  brano  viene  introdotto  da  un  pianoforte  che  esegue  quattro  periodi  di  otto  

note  ciascuno  con  un  accompagnamento  di  archi.  

Verse:  Corrisponde  alla  nostra  strofa  e  deriva  dalla  parte  recitativa  del  teatro  musicale.  Di  solito  si  tratta  

della  parte  narrativa  e  perciò  non  viene  ripetuta  nel  corso  della  canzone.  

Chorus:  In  italiano  equivale  grossomodo  al  ritornello  e  solitamente  corrisponde  alla  parte  più  semplice  da  

memorizzare  per  l’ascoltatore.  Lo  schema  classico  prevede  che  segua  sempre  ad  un  verse.  

Bridge:  Tradotto  significa  ‘ponte’  ed  è  una  parte  contrastante  da  verse  e  chorus,  spesso  di  tipo  strumentale.  

È  chiamata  così  perché  serve  da  collegamento  tra  le  altri  parti  della  canzone.  Ma  va  detto  che  un  buon  

bridge  può  fare  la  differenza.  In   Nel  blu  dipinto  di  blu  il  bridge  inizia  con  “e  volavo  volavo  felice…”,  prosegue  

per  12  battute  e  serve  come  collegamento  tra  un  chorus  e  l’altro.  

Coda:  La  parte  conclusiva  di  un  brano.  Può  essere  utilizzata  la  classica  sfumatura  (fade-­‐out).  Oppure  una  

vera  parte  finale  che  può  chiudere  in  modo  esclamativo,  celebrativo  o  trasmettendo  un  senso  di  apertura,  

di  irrisolto.  In   Nel  blu  dipinto  di  blu  è  brevissima  e  netta.  Solo  due  note  su  cui  Modugno  canta  “…con  -­‐  te”.  

Hook:  Si  tratta  del  gancio,  l’elemento  memorabile  di  un  brano.  La  frase  musicale  o  il  momento  che  attira  

maggiormente  l’ascoltatore.  Di  solito  si  trova  nel  chorus  e  spesso  corrisponde  al  titolo  della  canzone.  In   Nel  

blu  dipinto  di  blu   il  gancio  è  naturalmente  “Volare,  ooh”.  Si  trova  all’inizio  del  chorus  e  non  corrisponde  al  

titolo.  

  che esiste nelle canzoni moderne ha un

Un  ultimo  termine:  la  cadenza.  Cadenza  significa  assolo.  L’assolo

contatto con la musica classica, dove l’assolo lo si trova alla fine.

 

Cage  e  la  crisi  dell’opera  

La  musica  del  ‘900  ha  molto  in  comune  con  l’800;  nonostante  nel  ‘900  l’idea  di  opera  entri  in  crisi.  

Nel  ‘900,  John  Cage  dichiarò  che  la  musica  composta,  scritta,  eseguibile  più  e  più  volte,  altro  non  era  che  

una  limitazione  di  libertà.  Egli  voleva  una  musica  generata  spontaneamente,  ed  era  sicuro  che  la  gente  

l’avrebbe  trovata  più  interessante,  una  musica  dell’ambiente,  libera,  improvvisata;  esplora  anche  il  campo  

dei  rumori.  Prova  nuovi  tipi  di  strumenti,  soprattutto  percussioni.  Conduce  esperimenti  con  la  musica  

elettronica.  Purtroppo  rischiò  di  non  farsi  capire.  

 

Pezzo  interessante  da  Wikipedia:   Nel  1940  gli  viene  commissionata  una  musica  per  il  balletto  Bacchanale.  

Qui  per  la  prima  volta  sperimenta  la  tecnica  del  "piano  preparato",  piazzando  una  piastra  di  metallo  sulle  

corde,  così  da  modificare  il  timbro  dello  strumento  e  produrre  suoni  percussivi.  Questa  tecnica  gli  deriva  da  

Cowell,  che  aveva  composto  pezzi  per  piano  in  cui  bisognava  suonare  le  corde  con  le  dita  e  con  barrette  di  

metallo,  e  da  Satie  che  ancora  prima  aveva  tentato  esperimenti  simili.  

Nei  pezzi  per  piano  preparato  si  inseriscono  tra  le  corde  del  pianoforte  svariati  oggetti,  di  modo  che  

l’esecutore  produca  suoni  che  non  sono  del  tutto  volontari.  È  uno  studio  sulla  casualità  del  timbro:  il  

compositore  indica  la  preparazione  dello  strumento  ma  non  decide  completamente  il  risultato  sonoro  della  

sua  opera.  Si  generano  suoni  che  suggeriscono  il  suono  prodotto  da  un'orchestra  di  percussioni.  È  una  

provocazione  nei  riguardi  dell'inviolabilità  degli  strumenti  classici.  Il  pianoforte,  strumento  romantico  per  

eccellenza,  viene  violentato  con  oggetti  di  uso  quotidiano,  la  tradizione  europea  sbeffeggiata.  

 

La  nascita  della  filosofia  dell’estetica  musicale  

Lo  studio  dell’estetica  musicale  ci  aiuta  a  riflettere.  Come  per  ogni  altra  filosofia,  si  parte  da  enunciati  

scontati  e  si  mettono  in  discussione  (cosa  succede  se  io  non  lo  faccio?  O  se  al  posto  di  fare  questa  cosa  

ovvia  io  faccio  qualcos’altro  che  non  bisognerebbe  fare,  che  succederebbe?).  Se  all’inizio  per  avere  

un’estetica  musicale  non  bisognava  fare  certe  cose,  ora  le  si  fanno  per  osservare  i  risultati  e  tirare  delle  

conclusioni.  Si  apre  nell’  ‘800  il  secolo  dell’estetica  musicale.  

 

Sharon  Widmer  

Lettura  primaria  o  fonte:  testo  segnale,  di  riferimento,  unico  e  irripetibile.  

Lettura  secondaria:  testo  partorito  con  l’elaborazione,  l’analisi,  la  discussione  delle  fonti  o  letture  primarie.  

(manuali,  antologie).  

 

 Uno  dei  più  importanti  compositori  e  sinfonisti  è  

Jon  Williams,  il  quale  possiede  un  linguaggio  

ottocentesco  e  tonace.  

 

  Bologna,  30.09.2009  

 

 

ESTETICA  MUSICALE  

Lezione  2  –  Greci  

 

 

Appunti  dalla  lezione:  

 

Filosofia  della  musica  ed  estetica  musicale  

Essi  sono  i  due  principali  temi  musicali  che  tratteremo  nelle  lezioni.  

 

Greci  

Come  in  ogni  materia  non  si  possono  fare  progressi  nell’epoca  moderna  senza  guardare  gli  antichi,  anche  

nella  musica  non  si  può  fare  alcun  progresso  senza  prendere  in  considerazione  i  Greci.  

Aristotele  e  Platone  si  sono  spesso  occupati  di  musica,  ma  prima  del  700  non  si  parla  ancora  di  estetica  

musicale.  Per  Platone  non  esiste  un  concetto  di  canzone  che  fuoriesca  dalla  civiltà,  dalla  repubblica  e  

bandisce  sinfonie  molli  e  femminili,  promuovendo  canzoni  belliche  e  forti  che  possano  aiutare  la  città  e  

trasmettano  grinta  ai  combattenti.  

La  musica  è  connessa  alle  emozioni,  alle  passioni  più  di  ogni  altra  arte.  Già  nella  mitologia  si  canta  di  

quest’idea  che  la  musica  muovesse  le  passioni  (Orfeo:  musica  che  muove  le  pietre,  commuove  gli  Dei  degli  

inferi,  calma  le  belve  feroci).  

A  partire  da  Platone  si  fece  strada  la  musica  cantata  (testi  poetici)  con  strumenti  di  sottofondo  legati  

ritmicamente  e  tonalmente  alla  voce  del  cantante.  Per  lui  le  canzoni  erano  in  grado  di  trasmettere  delle  

sensazioni  a  seconda  di  come  venivano  suonate  le  canzoni.  

Per  Aristotele  (suo  allievo)  la  musica  non  esprimeva  tanto  i  gesti  che  portano  a  un’emozione,  ma  il  

sentimento  stesso.  

 

Alexander  Gottlieb  Baumgarten  

Il  suo  pensiero  di  “scienza  della  conoscenza  sensibile”  riprende  la  teoria  delle  monadi  e  dell'armonia  

prestabilita  e  si  occupò  di  trattare  il  rapporto  tra  filosofia  e  poesia.  Fu  egli  il  primo  ad  utilizzare  il  termine  

“estetica”  (dal  greco  aisthesis,  sensazione)  nella  storia  della  filosofia,  riferendolo  alla  conoscenza  sensibile  e  

alla  "teoria  del  bello  e  delle  arti  liberali":  ed  è  secondo  quest'ultimo  significato  che  da  Baumgarten  in  poi  il  

termine  fu  comunemente  usato.    Fu  egli  a  creare  le  fondamenta  della  scienza  dell’arte.  

 

Concetti  regolativi  

Regolatività:  adattare  il  vecchio  al  nuovo,  con  meccanismi  ovvi  e  banali.  

A  un  certo  punto  non  si  riuscì  più  a  sostituire  il  vecchio  con  il  nuovo.  Si  cominciarono  quindi  a  riprendere  i  

pezzi  vecchi,  come  Bach,  per  adattarli  all’epoca  moderna.  

 

Opera  

Per  poter  essere  considerata  un  opera,  un  pezzo  musicale  deve:  

-­‐avere  un  autore  

-­‐essere  stata  elaborata  in  ogni  sua  parte  (essere  scritta  per  essere  eseguita  più  volte  allo  stesso  modo)  

-­‐avere  un  inizio,  uno  svolgimento  e  una  fine  

Sharon  Widmer  

Ad  esempio  i  canti  gregoriani  non  possono  essere  considerati  opere  a  causa  del  fatto  che  gli  autori  non  

sono  conosciuti.  

In  principio  la  musica  era  definita  come  un’arte  gradevole  e  poteva  essere  considerata  tale  solo  dal  

momento  che  contenesse  un  testo  che  le  desse  senso  e  importanza;  da  questa  definizione  si  è  passati  a  

un’altra  che  la  vedesse  come  una  composizione  musicale  con  tenitrice  di  sentimenti  ed  emozioni.  

L’opera  ha  molto  in  comune  con  il  rito  liturgico:  si  svolge  in  penombra,  con  un’orchestra  vestita  di  nero,  un  

pubblico  muto,  gli  applausi  solamente  alla  fine  ed  un  direttore  che  si  presenta  come  un  celebrante.  

 

Retroattività  

Tutto  ciò  che  avvenne  prima  dell’800,  viene  ripensata  con  questa  idea  di  estetica  musicale.  Si  tratta  infatti  

di  retroattività:  adattare  le  idee  nuove  a  ciò  che  è  già  avvenuto,  hanno  ripreso  i  brani  creati  prima  e  li  hanno  

riconsiderati  sotto  i  concetti  di  estetica  musicali.  

 

Monodia  

La  monodia,  in  musica,  è  una  composizione  per  una  voce  solista  avente  una  sola  linea  melodica.  Può  essere  

accompagnata  da  uno  strumento.  

Il  concetto  di  monodia  è  contrapposto  a  quelli  di  polifonia,  in  cui  ogni  voce  è  ugualmente  importante.  

Nonostante  questo  tipo  di  musica  si  trovi  in  diverse  culture  nel  corso  della  storia,  il  termine  è  generalmente  

usato  per  le  canzoni  italiane  dei  primi  anni  del  XVII  secolo.  Canto  monodico  per  eccellenza  è  il  canto  

gregoriano.  

 

Polifonia  

Con  il  temine  polifonia  si  definisce  in  musica  uno  stile  compositivo  che  combina  2  o  più  voci  (vocali  e/o  

strumentali)  indipendenti,  dette  anche  parti.  Esse  si  evolvono  simultaneamente  nel  corso  della  

composizione,  mantenendosi  differenti  l’una  dall’altra  sia  dal  punto  di  vista  melodico  che  ritmico,  pur  

essendo  regolate  da  principi  armonici.  In  senso  compositivo  il  termine  polifonia  si  contrappone  a  quello  di  

monodia.  

Nel  500,  il  compositore  Josquin  Desprez  scrisse  una  polifonia  che  caratterizzò  l’intero  secolo.  

 

Aria  

In  campo  musicale  per  aria  si  intende  un  brano,  quasi  sempre  per  voce  solista,  articolato  in  strofe  o  sezioni.  

Nella  storia  dell'opera  essa  si  contrappone  al  recitativo  e  rappresenta,  sin  dalle  origini,  un  momento  in  cui  

la  forma  musicale,  con  le  sue  simmetrie  e  regole  interne,  prende  il  sopravvento  sull'azione  e  sul  dialogo.  Di  

conseguenza,  essa  coincide  normalmente  con  un  momento  drammaturgicamente  statico,  se  non  

addirittura  -­‐  specie  nel  primo  Ottocento  italiano  -­‐  con  un  momento  di  sospensione  del  tempo  durante  il  

quale  lo  spettatore  ha  accesso  all'intimo  sentimento  del  personaggio.  Altrettanto  statico  è  l'impianto  

tonale.  

 

Camerata  dei  bardi  

Per  Camerata  de'  Bardi  si  intende  quel  gruppo  di  nobili  che  nel  XVI  secolo  si  incontravano  per  discutere  -­‐  in  

maniera  del  tutto  informale  ma  con  passione  ed  impegno  -­‐  di  musica,  letteratura,  scienza  ed  arti.  È  nota  per  

aver  elaborato  gli  stilemi  che  avrebbero  portato  alla  nascita  del  melodramma  o  recitar  cantando.  

L'intendimento  della  Camerata  era  principalmente  quello  di  riportare  ai  fasti  di  un  tempo  lo  stile  

drammatico  degli  antichi  greci.  Lo  sviluppo  della  tematica  portò,  in  campo  musicale,  alla  elaborazione  di  

uno  stile  recitativo  in  grado  di  cadenzare  la  parlata  corrente  ed  il  canto.  Inizialmente  questo  stile  fu  

applicato  a  semplici  monodie  o  intermedi  per  poi  essere  applicato  a  forme  compositive  più  articolate.  Il  

conte  Bardi  e  i  suoi  amici  forse  non  lo  sapevano  ma  stavano  edificando  il  futuro  teatro  in  musica.  

 

  Bologna,  01.10.2009  

 

 

ESTETICA  MUSICALE  

Lezione  3  –  Filosofia  e  Romanticismo  

Sharon  Widmer    

 

Appunti  dalla  lezione:  

 

Musica  ed  emozioni  

Davamo  per  scontato  che  la  musica  creasse  emozioni,  ma  alcuni  filosofi  cominciarono  a  porsi  la  domanda:  è  

la  musica  a  suscitare  emozioni  o  si  tratta  di  emozione  fatta  suono?  

 

Cartesio  

Nel  600  (epoca  di  Monteverdi),  Cartesio  teorizzò  che  nella  musica  scorressero  spiriti  animali,  vivi,  che  

fluivano  attraverso  il  corpo.  Il  motivo  per  il  quale  Cartesio  studia  il  suono  fu  quello  di  comprendere  in  

maniera  più  ampia  come  la  musica  riesce  a  commuoverci.  Egli  assume  di  poter  comprendere  tale  proprietà  

dall’esame  che  fa  delle  caratteristiche  fondamentali  che  rendono  commovente  il  suono,  ovvero  la  durata  

ed  il  tono.  Egli  è  dell’opinione  che  una  semplice  analisi  matematica  della  consonanza  possa  fornirci  le  

nozioni  fondamentali  sul  modo  di  produrre  il  suono  e  quindi  sulla  natura  della  musica.  

Cartesio  sviluppa  l’idea  che  la  dolcezza  delle  consonanze  dipende  dalla  frequenza  con  cui  i  battiti  prodotti  

dai  corpi  sonori  coincidono  a  intervalli  regolari.  Tuttavia  Cartesio  sostiene  che  la  teoria  matematica  non  può  

fornire  un  criterio  di  qualità  estetica,  criterio  che  dipende  esclusivamente  dai  gusti  dell’ascoltatore.  

 

Teoria  degli  affetti  

La  teoria  degli  affetti  (in  tedesco  Affektenlehre)  può  considerarsi  la  prima  forma  retorica  adottata  nella  

storia  della  musica,  infatti  puntava  a  muovere  gli  affetti  dell'uditorio;  già  i  greci  avevano  la  concezione  che  

la  musica  potesse  suscitare  emozioni:  è  proprio  da  questo  concetto  che  i  teorici  e  i  musicisti  dell'epoca  

attingono  per  applicarlo  alla  loro  musica.  Era  noto  che  per  creare  emozioni  concitate  e  coinvolgimento,  

occorreva  una  musica  dall’andamento  rapido.  Le  autorità  civili  ed  ecclesiastiche,  consapevoli  del  forte  

potere  della  musica  sulla  psiche,  la  utilizzarono  come  veicolo  dei  propri  messaggi  propagandistici.  Durante  il  

'400  Marsilio  Ficino  apprezzava  di  più  le  forme  semplici  e  comunicative  rispetto  alla  polifonia  poiché  la  

prima  era  maggiormente  capace  di  muovere  gli  affetti,  suscitare  o  placare  le  passioni  umane  rispetto  alla  

seconda,  che  era  vista  come  artificiosa  e  innaturale.  

Tra  il  '500  ed  il  '600  la  teoria  musicale  identificava  ogni  affetto  con  un  diverso  stato  dell'animo  (es.  gioia,  

dolore,  angoscia)  identificati  da  specifiche  figure  musicali.  Tra  le  classificazioni  e  distinzioni  degli  affetti  

umani  compilate  nel  seicento,  è  da  menzionare  quella  di   Cartesio  che,  nel  trattato  Les  passions  de  l'âme  del  

1649,  ne  distingueva  sei  ritenuti  principali,  quali  meraviglia,  amore,  odio,  desiderio,  gioia  e  tristezza.  

 

La  musica  vocale  e  quella  strumentale  

Nonostante  a  partire  dal  500  si  fece  largo  la  musica  strumentale,  essa  non  suscitò  mai  il  medesimo  

interesse  che  godeva  la  musica  vocale,  che  invece  ebbe  una  grande  importanza  fino  al  Romanticismo,  

soprattutto  l’opera.  

Nella  musica  vocale,  l’intonazione  della  voce  era  considerata  di  maggior  importanza  ed  essa  veniva  

accompagnata  con  degli  strumenti  (soprattutto  a  corda)  che  riproducessero  il  medesimo  ritmo  e  la  

medesima  intonazione.  

Dal  600  la  musica  strumentale  si  affermò  come  arte  per  eccellenza,  una  musica  pura  ed  assoluta;  il  suono  

senza  la  voce  sembra  infatti  permettere  un  contatto  con  la  musica  stessa.  Essa  viene  sciolta  dall’obbligo  

verbale;  perché  la  musica  strumentale  è  come  se  avesse  già  frasi,  testi,  periodi,..  esattamente  come  le  

parole  sugli  scritti.  

 

 

 

Il  Romanticismo  musicale  (sacralità  della  musica)  

La  musica  romantica  è  la  musica  composta  secondo  i  principi  dell'estetica  romantica.  In  senso  stretto  

riguarda  un  arco  di  tempo  che  va  dal  XIX  secolo  agli  inizi  del  XX  secolo.  

Il  linguaggio  musicale  in  questo  periodo  ha  una  rapida  evoluzione.  Il  musicista  romantico  muta  infatti  la  sua  

posizione  sociale:  da  un  dipendente  al  servizio  di  chiese  o  corti  diventa  un  libero  professionista.  Per  il  


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DETTAGLI
Corso di laurea: Corso di laurea in lettere
SSD:
Università: Bologna - Unibo
A.A.: 2006-2007

I contenuti di questa pagina costituiscono rielaborazioni personali del Publisher trick-master di informazioni apprese con la frequenza delle lezioni di Estetica musicale e studio autonomo di eventuali libri di riferimento in preparazione dell'esame finale o della tesi. Non devono intendersi come materiale ufficiale dell'università Bologna - Unibo o del prof Giani Maurizio.

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