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El teatro en el siglo XIX: Moratín, Zorilla, Tamayo y Baus

Modulo C programma - il teatro nel Siglo de Oro Contesto storico e culturale. Analisi della vita degli autori, delle loro opere principali nel dettaglio e del loro stile. Appunti di Letteratura spagnola basati su appunti personali del publisher presi alle lezioni della prof. Rosso dell’università degli Studi di Milano - Unimi. Scarica il file in formato PDF!

Esame di Letteratura spagnola docente Prof. M. Rosso

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ESTRATTO DOCUMENTO

definen estas leyendas son:

 descripción detallada de lugar del suceso.

(rasgo de costumbrismo)

 La atmósfera es obscura, de noche que garantizan una ambientación que da

miedo.

 Los personajes tienen una caracterización moral por el cristianismo de Zorilla y

también fidica.

 Interferencia de la forma dramática o dialogo, estas obras de todo romanticismo

se caracterizan por una mezcla de estilo.

 Casi todas las leyendas tienen una ambientación medieval, la época que mas

gustaba a Zorilla y que mas idealizaba.

 Conclusión con una moraleja o enseñanza practica

 intervención de lo sobrenatural: elemento romántico

Teatro:

3. Es sin duda superior a su poesía y como su poesía descansa en la

tradición española. Reinterpreta la historia, modificandola según su opinión critica,

según sus ideas y de manera que se parezca casi como un cuento, sin detalles

sobre las fechas, los lugares. Lo que es importante es que despierte la atención del

público. Casi todas su obras tienen una acción siempre viva, los personajes tienen

una escasa profundidad psicológica, pero no están caracterizado psicologicamente,

pero tienen rasgos que los caracterizan como seres humanos (pasiones, etc..).

Zorilla se dedica a su producción teatral entre 1840 y 1850.

 El zapatero y el rey (1840 parte/1842 parte),

prima segunda la primera parte

se refiere a una obra del Duque de Rivas, mientras la segunda parte trata de

una historia que siempre se conecta al amor. El rey don Pedro se caracteriza

como un personaje simpático, borrachon y justiciero. Zorilla no recupera la

historia con rabia, para revindicar el presente.

 Don Juan Tenorio (1844),

 Traidor, inconfeso y mártir (1849) representa dentro de la producción de

Zorilla, la mesura, la ponderación. Es una obra perfecta desde el punto de vista

de la estructura. Se juntan los asuntos histórico y amoroso.

Dentro del Romanticismo español, Zorilla representa el Romanticismo nacionalista

porque sus obras se inspiran en la historia. Es una reivindicación de la hispanidad, de

hecho su personaje del Don Juan Tenorio ha llegado a ser el símbolo de la hispanidad.

Algunos críticos decían que el Don Juan es tan español como la corrida de toros, sin

embargo el tema del Don Juan no era nuevo en la tradición española, pero Zorilla lo

hace un símbolo y mito de España.

Don Juan

El tema del no era nuevo, Zorilla recupera algunas tradiciones, leyéndolas

en 21 días y en 21 días había escrito el Don Juan. En la tradición literaria, el Don Juan

ya representaba un símbolo de libertad. Tema recorrerte: invitación de un cadáver

a la cena.

Don Juan Tenorio:

las fuentes

 Menendez Pidal

 Molina, El burlador de Sevilla y convidado de piedra

Tirso de es una obra

de teatro de tipo dramático. Esta versión representa el invito a cena de la

calavera y no de todo el esqueleto. Las características que el añade son:

El matonismo del personaje: la conducta de quien quiere imponer su

◦ voluntad por amenaza o por terror. La prepotencia de Don Juan, pero no es

una prepotencia tranquila, es muy violenta.

Escaso respeto de Don Juan tanto por los vivos, como por los muertos

El Don Juan de Tirso, no se salva mientras lo de Zorilla se salva gracias a la

intervención de su enamorada por la cual él puede subir al cielo. Zorilla creía en la

salvación, mientras que Tirso quería enseñar que con los errores de la vida se puede ir

al infierno.

 Zamora, No hay plazo que no se cumpla ni deuda que no se

Antonio de

pague, El convidado de piedra. Antonio de Zamora es un dramaturgo, en su

obra en la que se inspira Zorilla. El invitado a la cena es el cadáver, esta

representación de Zamora se solía representar durante el día de difuntos. Zorilla

estaba cansado de veer esta representación el día de difuntos y por eso la re-

elaboró.

 (posible) Dumas, Don Juan de Manara, La caída de un

Alexandre

ángel (traducida al español). La obra de Alexandre Dumas, puede ser una de las

fuentes de Zorilla, no en su versión original, sino en la traducción de García

Gutiérrez.

El Don Juan, se ha convertido un mito literario, para que un elemento sea considerado

un mito, hacen falta:

 Una saturación simbólica: la historia de este mito tiene que tener una infinitud

de símbolos

 Un esquema recurrente: en todas las versiones del don Juan el esquema se

repite aun si algunos elementos varían.

 Atmósfera metafísica: toda la segunda parte del Don Juan es una parte

metafísica

 Presencia de lo sagrado: representa el cadáver, pero en la obra de Zorilla

representa también el fantasma de su enamorada y la salvación final.

El Don Juan tuvo una tradición posterior muy amplia. Zorilla gracias a los elementos

que lo han caracterizado como el cristianismo, ha superado todas las obras que ya

habían hablado del don Juan. Lo que interesaba a Zorilla era el “yo romántico” (yo

titanico) no busca rasgos realistas. Zorilla quería proponer un yo que fuera un

personaje literario y nada más, con todas sus exageraciones, no quiere que su

personaje sea realista por eso tiene un amor, una violencia, una presencia extremas.

Quería hacer con este personaje, un personaje trascendente que superaba los rasgos

mas concretos de la sociedad. Desde esta perspectiva este héroe romántico se perfila

como una representación que excluye de una dimensión humana para entrar en una

representación simbólica, el Don Juan por eso empieza a convertirse en un mito.

Estructura

Primera parte

 Acto I: libertinaje y escándalo

 Acto II: destreza

 Acto III: profanación

 Acto IV: el diablo a las puertas del cielo

La primera parte representa la esfera humana de un personaje muy divertido con

secuencias de acciones muy rápidas y violentas. Todo ocurre en un tiempo muy

concentrado: pocas horas de la noche.

Segunda parte

 Acto I: la sombra de dona Inés

 Acto II:la estatua de don Gonzalo

 Acto III: Misericordia de Dios y apoteosis del amor

La segunda parte se desarrolla 5 anos mas tarde y se refiere a lo divino. Se parece casi

a un drama religioso. Esta parte termina con la salvación del pecador. Esta segunda

parte ocupa el tiempo de una noche, pero mientra que la primera tenia un ritmo muy

rápido para refeccionar la violencia de los hechos, esta segunda parte tiene un ritmo

muy lento, por lo tanto este ritmo está en armonía con los delirios interiores del

protagonista. Estos títulos (de los actos) son muy efectistas y prenuncian lo que va a

ocurrir.

La obra

La obra empieza en Sevilla (Don Juan es el Burlador de Sevilla) en 1545 durante el

reinado de Carlos V. Los cuatros primeros actos pasan en una sola noche. Los tres

restantes, cinco agnos después y en otra noche.

ACTO I – Libertinaje y escándalo

Don Juan siempre vive sus aventuras como una carrera contra el tiempo, el tiempo es

el gran enemigo de Don Juan. Don Juan y Luis hablan de las conquista. Llega en la

hostería Gonzalo (padre de dona Inés) y don Diego (padre de don Juan). Gonzalo se

levanta indignado, no respeta a don Juan y le añade una ofensa cuando Gonzale le

dice de no pensar en que si hija va a casarse con él, porque la prefiere muerta. El le

dice que le da igual la manera, él va a tener su hija. Don Diego, se levanta indignado

él también y dice a su hijo que lo desconoce, con una frase que parece una maldición.

“Adios pued mas no te olvidar de que hay un Dios

Le dice al final de su dialogo,

justiciero”. Don Juan sufre un destino muy triste, pero el Dios al que se enfrenta no es

justiciero, sino misericordioso.

A partir de este primer acto podemos veer las primeras características del don

Juan:

La figura del don Juan se dibuja con la grandeza de las característica del caballero

español: valentía y honor.

Zorilla muestra su atarante conservador identificando al don Juan como el símbolo del

caballero del Siglo de Oro: la honra y el honor se unen pero permanece un fuerte

sentido del segundo, el honor está por encima de su propia realidad y crea una dobla

perceptiva:

 por un lado es libre

 por otro sujeto al honor.

Como en todas las comedias del Siglo de Oro, el honor del don Juan deriva de la

opinión de los demás. Don Juan es victima de la opinión ajena, toda su conducta se

funda en la apariencia, en la actúa de esta manera para que los demás tengan una

“buena” opinión de él cuando don Juan y don Luis se encuentran el la hostería y se

enfrentan en un lugar público, actúan para presumir delante de los espectadores que

estaban en la hostería para defender el carácter viril.

La segunda característica de don Juan es que él no se define así mismo, él

mismo es el producto de las opiniones y definiciones de los demás. Se nos presenta en

primer lugar gracias a un dialogo. En este sentido está vinculado, no es un personaje

libre, pero por otro lado los elementos románticos de Zorilla hacen que don Juan no se

limite a seguir los cánones del honor. Don Juan establece sus propios cánones de

honor.

 Por un lado por lo tanto es si victima del honor que se ha impuesto, p

 ero como este honor va mas allá de los cánones de la sociedad y como el tiene

el sentido de deber frente a los cánones de la sociedad (conquista, etc..)

entonces su deber implica un altísimo grado de revolución social.

Don Juan no es libre porque depende de la opinión de los demás, tiene que

demostrar que tiene una honra hacia los demás, pero no es un honor compartido en

toda la sociedad, o sea el dice de el mismo que es un hombre honrado porque puede

seducir a muchas mujeres, ha matado a muchos hombres y por eso ha creado los

cánones que el mismo tiene que respetar. El mismo se ha impuesto unos cánones de

conducta repentino, entonces presupone un alto grado de revolución social. Los

cánones que se ha impuesto don Juan están opuestos a los cánones “normales”, los

principios sociales (familia, patria, obediencia al padre, la religion).

Estos principios de la sociedad se van rompiendo frente a la visión romántica del

don Juan en el enfrentamiento entre don Juan, Gonzalo y don Diego son la ruptura de

los cánones. Don Juan no respeta el padre y su decisión, respeta solo sus cánones.

Gracias a este primer enfrentamiento tenemos un enfrentamiento familiar y un

conflicto entre dos concepciones del mundo. La concepción del mundo que se asienta

en la tradición, representada por los mayores (don Gonzalo, don Diego) y la

concepción del mundo que impone el individuo romántico. Don Juan entonces es el

personaje que representa la lucha entre estos dos deberes. El deber de la sociedad

tradicional y el deber hacia la libertad auto-impuesta. Don Juan por lo tanto se hace

cargo de un camino difícil que a partir del romanticismo lleva al hombre hacia una

libertad individual que ya nunca abandonara la sociedad.

ACTO II - Destreza

Estamos en la primera parte, la más humana. En este segundo acto titulado

“destreza”, siguen varias aventuras entre don Luis, don Juan.

Escena I

En este segundo acto vemos como don Juan quiere seducir doña Ana que va a casarse

el día siguiente con don Luis y como don Luis lo va a evitar. Don Luis va a presidiar la

casa de doña Ana, está embozado para ocultar su identidad y empieza a hablar con un

monologo. En este monologo cuando él nos dice que esta presidiando la casa, nos

damos cuenta de dos cosas: cuando estaban en la hostería, él había dicho a don Juan

que solo quería casarse con dona Ana porque estaba rica, aquí comprendemos que

está realmente enamorado de ella. El segundo elemento es que se ha pasado de un

juego de conquista amorosa a un autentico caso de honor, es tanto el honor del mismo

don Luis que tiene que defender su masculinidad y futuro, pero también hay que

defender el honor de dona Ana porque si don Juan llega a casarse con dona Ana, serìa

solo una conquista.

Escena V

Vemos una novedad porque tenemos dos escenas paralelas que rompen los cánones

neoclasicos:

 por un lado dona Ana y don Luis que están hablando, ella le promete que le

dará la llave de su casa para defenderla

 por un lado don Juan y Ciutti (su criado) que están llegando a casa de doña Ana.

Don Juan está siguiendo con su comentario cínico, dice que mientras Sivilla está

tranquila él ha matado a dos hombres mas, añade este dos hombre como si

fueran números.

doña Ana al final no tiene tiempo para dar la llave de su casa a don Luis, él se queda

allí para esperar y llega los hombres de don Juan que atrapan y sujetan a don Luis así

que don Juan pueda seguir con su plan de conquista. Don Juan se mascara para que

cuando llegue dona Ana cree que él es don Luis y no don Juan.

La historia con doña Ana y don Juan no tiene éxito porque la escena se queda aquí:

llega en la calle Brigida (criada de dona Inés, prometida de don Juan que estaba en el

convento). Don Juan había corrompido a Brigida para entrar en el convento. En el

dialogo entre don Juan y Brigida, don Juan parece un diablo y se burla de ella diciendo

que es ella el diablo porque se hace corromper. Brigida le dice a don Juan que su

maquinación para entrar en el convento, está yendo bien y tendrá éxito su entrada.

Es importante en este momento la caracterización que Brigida hace de doña

Inés, doña Inés también se presenta a través de la palabra de los demás (Brigida) que

nos hace notar que Brigida tiene dos funciones: presentación al público en el que

entendemos una opinión subjetiva de una persona que siempre a vivido en el

convento y no sabe nada del mundo exterior; en segundo es importante para las

“pobre garda”

metáforas que describen a Inés, (povero airone, bianco).

Don Juan y dona Inés nunca se han visto y él pregunta si es hermosa introduciendo

una nota de elocuencia, una figura retorica que consiste en una manera de expresar

emociones, de hablar tal que se produce persuasión en el oyente. En la mitología

antigua la elocuencia tenia la forma de una mujer muy guapa con pechos grandes y

Brigida es la personificación de la elocuencia, también si no sabemos como es

físicamente. El hecho de que Brigida esté hablando de la pureza de Inés, hace que don

Juan se enamore de dona Inés aun más.

Brigida le dice a don Juan que ella ha hablado a Inés de don Juan y ella también

gracias a la elocuencia, se ha enamorado de él. Por primera vez en la historia del mito

del don Juan, el antiguo seductor y vencedor, por primera vez es vencido por el amor,

se enamora. Pero no renuncia a su objetivo. Para él ningún lugar es sagrado. Este

profundo amor que siente por dona Inés hace que por primera vez don Juan muestre

su debilidad, sin embargo a pesar de estar enamorado de dona Inés, cuando ella se

va, retoma su libertad.

Estamos siempre frente la casa de doña Ana y llega Lucia (criada de doña Ana) que le

Ciutti ya sabes mi

da la llave en cambio de dinero. El segundo acto se cierra con “

intento: a las nueve en el convento a las diez en esta calles ” en su hora libre quiere ir

al convento. A pesar de su amor, se cierra con un fuerte dinamismo, va a conquistar

dos mujeres.

ACTO III - Profanación

profanacion

Se titula “ ”, don Juan penetra en la celda de dona Inés. doña Brigida

había preparado el encuentro entre don Juan y doña Inés, Brigida entrega a doña Inés

un libro con una carta de don Juan en el que había escrito todo su amor. Don Juan

entra en la celda y la llega en un su refugio, en una isla de Guadalquivir. En este acto

Zorilla se demuestra un agudo dulcificador de los efectos teatral, crea un ambiente

quieto y callado (el convento) en el que el tiempo parece haberse detenido y el

espacio también parece reducido a la dimensión de una jaula. Para seguir viendo como

se caracteriza a dona Inés, leemos como la abadesa del convento la define: cándida,

paloma, lirio (epítetos metafóricos que tienen que ver con la inocencia de doña Inés y

también con su pureza, porque se trata de una metaforizacion construida sobre el

tema del blanco).Dona Inés también con su sencillez y inexperiencia, participa a un

misticismo general del ambiente, se nos presenta en la primera estancia como un ser

angelicado, un ser mas puro en este espacio.

Después del encuentro con don Juan, Brigida vuelve al convento y le entrega el libro

con la carta de don Juan que estaba escribiendo al comienzo de la obra. En oposición a

la elocuencia, tenemos la reticencia. A pesar de su bondad, amor y virtud, Inés se

presenta como un ser con duplicidad: al principio con reticencia, al final, gracia a la

elocuencia de Brigida, ella se lo ha imaginado y se ha enamorado de un hombre que

nunca ha visto, sufre la profesionalidad de don Juan. Brigida es como Celestina que

intercede entre los amantes para que la unión de los amantes tenga éxito, así como

dona Inés es como Melibea. En la carta don Juan describe también a doña Inés con

epítetos que indican su hermosura, blanca y inocente. Esta carta tiene tres

característica que se pueden resumir en dos:

1. Tiene una gran elocuencia, cuanto mas Inés le esta carta, siente mas en su

cuerpo y en su corazón

2. Don Juan también caracteriza a dona Inés con epítetos sobre el blanco

3. Se crea un contraste cromático por las palabras de don Juan, por la

caracterización que hace de dona Inés y de si mismo. Normalmente se dice en

la retorica que cuando se hace una metaforizacion sobre un mismo tema, se

hace una isotopia. Aquí tenemos dos temas: el blanco y el de don Juan que

remite a los colores del fuego. Esta isotopia nos presenta dos personajes que no

son antitético, porque el contraste del banco es el negro, pero don Juan se

caracteriza por el rojo porque el receptor de la obra entendería que no hay

solución entre la oposición entre blanco y negro, aun estos personajes tienen

actitudes diferentes, encuentran una conexión en el fuego de la pasión.

ACTO IV – El diablo a las puertas del cielo

Don Juan habla con doña Inés, y la escena recupera un sentido de paz angelical. Se

produce una auténtica conversión de don Juan al amor. Y en la escena III se ve como

don Juan le habla a doña Inés con una dulzura que nunca había tenido.

Doña Inés compite con don Juan porque prorrumpe con un tono pasional, exclama por

dios. Ha encontrado una excusa para entregarse a don Juan. Antes de que pudiese

realizarse este amor, tenía que producirse el fracaso del amor terrenal. Los dos

personajes tienen que tener un choque contra la realidad y esta realidad es

representada por don Gonzalo y por don Luis que llegan al refugio de don Juan. Don

Juan hace algo inesperado por un personaje como el, se humilla ante don Gonzalo y le

pide perdón. No acepta esta humillación y don Juan le dice que si rechaza su perdón,

él ira a cometer un pecado. El pistoletazo es voluntario, don Juan dispara a don

Gonzalo y lo mata. Mata también a don Luis con una espada y las dos muertes

adquieren un sentido existencial. Gracias a doña Inés había entrevistó una pequeña

salvación, pero ahora con este doble homicidio, se cierra la puerta de su salvación.

Completa negación de dios. Si parece haber perdido el cielo, ha ganado el amor de

doña Inés. Llegan los alguaciles al refugio que buscan al culpable. Don Juan escapa

para salvarse. Los alguaciles dice justicia para doña Inés, y ella responde pero no para

don Juan. Una mujer pura tiende la man a un criminal.

PARTE II

Es la parte del sobrenatural, han pasado 5 anos de la matanza de don Gonzalo y don

Luis y siempre estamos de noche. La ambientación nocturna es típica de los dramas

romántico y esta ambientación nocturna es propia del personaje del burlador. Esta

parte se desarrolla por la mayoría en el pantheon de Juan Tenorio, el mismo don Juan

ha querido que todas sus victimas estuvieron enterrada en este monumento. Han

fallecido don Gonzalo y don Luis que habla matado, dona Inés y don Diego se han

muerto de dolor.

ACTO I la sombra de doña Inés

Se abre con el dialogo de don Juan embozado y un escultor que está ultimando las

estatuas de las victimas de don Juan. Lo importante de esta parte es que volvemos a

tener una presentación de don Juan a través de palabras ajenas, las del escultor. Lo

describe como una persona muy negativa, un hombre muy malo. El escultor no sabe

que está hablando con el mismo don Juan y se exprime libremente, cuando se va

(porque ha ultimado su trabajo) don Juan se exprime en un monologo. A

través de este monologo se empieza a ver el deseo de paz de don Juan, su renuncia

a la aventura y sobretodo un genuino arrepentimiento. Todo esto nacido solo del amor

por dona Inés que él ha seguido teniendo también si piensa que ella está muerta.

Habla dirigiéndose a las estatuas de sus victimas. Cuando por fin se detiene delante

del sepulcro dedicado a doña Inés, pasa algo: en primer lugar, dice que el lloron

(estatua figurativa que llora, sin significado, solo con una función decorativa) se

cambian en una apariencia, dejando ver dentro de ella y en medio de resplandores la

sombra de dona Inés.

Zorilla utiliza un elemento mágico, sale la sombra de dona Inés, un fantasma que se

llama Sombra. Cuando doña Inés le empieza a hablar le dice que dona Inés se ha

quedado en el purgatorio y le ha ofrecido su alma a Dios casi como para obtener la

redención. Le dice que si se arrepiente, subirán al cielo, si no se arrepienta, irán juntos

al Infierno. Dona Inés es una heroína que rompe las reglas sociales, es una rebelde en

este caso. En la forma de este dialogo y en la manera en que los personajes están en

la escena, ella está en su pedestal y don Juan está allí abajo.

Tenemos en la posición la reproposicion de la escena del sofá que pero ahora

representa lo divino. Mientras que antes en la escena del sofá, teníamos un

intercambio de amor pasional (ella decía que no podía resistirse a la pasión) ahora

pasamos de un amor pasional a un amor metafísico que va a juntarlos en el paraíso o

en el infierno.

Tenemos un plazo: la sombra de dona Inés le dice que tiene un limite de tiempo para

arrepentirse, vamos a comprender cuanto tiempo es solo cuando don Juan habla con

el fantasma de don Gonzalo. La sombra desaparece, empieza un otro monologo, pero

don Juan no pierde su característica de héroe titanico y desafía este fantasma. Don

Juan se muere de miedo pero no se pierde. Desafía la estatua de don Gonzalo (la que

tiene mas cerca). Muestra su total falta de respeto para los muertos y su falta de

respeto es tal que por un lado se moza de el combinando una cena (motivo de la cena

con un cadáver, el convidado de piedra) para burlarse de él. Tenemos un doble

desafía: hacia el fantasma y hacia Dios, declara que no cree en Dios. Este desafío cela

el profundo deseo de los romántico: conocer si existe un limite en el divino.

ACTO II – La estatua de don Gonzalo

Nos hemos desplazado al interior de la casa de don Juan que se define “aposento” que

“habitación de una casa grande

Zorilla utiliza como ” porque don Juan ahora tiene

mucho dinero. Han llegado a la casa de don Juan dos amigos suyos: Centella y

Avellaneda.

Mientras están cenando, Zorilla quiere provocar miedo en el público, se oye un ruido,

un personaje que se acerca a la habitación.

El público no ve este personaje, que es el fantasma de don Gonzalo que ha aceptado

el invito a la cena. Sus amigos se desmayan y el fantasma de don Gonzalo ahora

puede hablar con don Juan. El desprecio de don Juan hacia los muertos, algunos tipos

de muertos (a dona Inés la respeta) se refleja en las palabras que usa Zorilla. A dona

Inés la llamaba Sombra, mientras a don Gonzalo lo llama Estatua. Lo que mas nos

interesa de lo que don Gonzalo dice a don Juan es que tiene el espacio de una noche

para arrepentirse, si no se arrepiente será condenado eternamente al infierno, en este

plazo está implícito que don Juan el día siguiente va a morir sin decirlo. Don Juan no

sabe si es victima de una locura, un delirio y se queda con esta incertidumbre toda la

noche.

ACTO III – Misericordia de Dios y apoteosis del amor

Vuelve a desarrollarse fuera de la casa, en el Pantheon donde don Juan nos aparece

meditabundo, confuso y sin embargo a pesar de esta confusión, don Juan decide

respetar el plazo: se presenta al sepulcro de don Gonzalo, como si fuera un otro

desafío, el sepulcro se abre y vemos una contraposición de la escena de la cena, la

escena está llena de símbolos del pecado, de la muerte y del infierno.

Por un lado son símbolos religiosos de pecado, muerte (serpente, calaveras) pero

estos símbolos muy macabros representan una memoria del pecado original pero al

público le gustan estos elementos. Se nota también el símbolo de un reloj de arena

(en el Siglo de Oro era uno de los símbolos de Quevedo, limite del hombre para

disfrutar de su vida).

Hasta el ultimo instante don Juan vacía, está al punto de arrepentirse pero memorando

sus aventuras, casi quiere volver su honor. La sombra de don Gonzalo, le aferra la

mano y va a llevarlo al infierno, pero aun queda un ultimo grande arena en el reloj y

don Juan se arrepiente. Pero don Juan está invocando a Dios y está pidiendo el perdón

de Dios, pero sale la sombra de dona Inés que aferra la mano de don Juan y le salva

(no aparece Dios). Don Juan si consigue la vida eterna pero no gracias a la piedad de

Dios, sino gracias a la piedad de dona Inés.

No es la piedad de Dios que le salva, sino la piedad del amor.

Hacia el realismo

El teatro de Zorilla había sido un lugar de experimentación en que se habían

experimentado nuevas formulas, se recupera el teatro del Siglo de Oro (honor,

honra, el reloj) y se añaden temas como la exaltación de la virtud en clave romántica,

pero también gracias a Zorilla que había hecho como una mezcla de los elementos de

la sociedad, en la mitad del siglo XIX empieza a sentirse un deseo de neta división

entre buenos y malos.

Las situaciones psicológicas de las nuevas obras que se introducen a partir de

Zorilla, son todas situaciones psicológicas muy sutiles y se convierten en un teatro de

análisis psicológicas que llega a ser la alta comedia. Zorilla con sus obras,

continua con esta linea del drama histórico-romantico (exaltación de la historia, no

lectura en clave critica), pero estos elementos del don Juan (ambiente macabro,

misterio, plazo) son elementos que se atuenan con el deseo del público de tener una

división mas neta de la vida y de los personajes.

Después de Zorilla

 Se concluye la trayectoria del personaje histórico: Estamos en un

ambiente sudo-histórico, la historia está, se continua el drama histórico pero la

historia es solo un contorno. En esta dimensión, se concluye la trayectoria del

personaje histórico que se desplaza desde la altura en que lo habían colocado

los neoclasicos, hasta la doliente humanidad como lo habían clasificados los

románticos (Macias se lo había clasificado solo como un hombre que ama, sin

otras características). Sigue defendiendo este personaje histórico hacia un nivel

aburguesado, el héroe llega a ser un exponente de la burguesía que

abandona el papel de victima (don Juan victima de su egocentrismo y su actitud

titanica).

 Ambiente elevado: Los personaje de este segundo medio siglo han

abandonado la angustia existencial de los primero héroes románticos y esta

angustia se ha sustituido con una conducta lista y despreocupada, piensa en los

negocio, en los elementos económicos (la burguesía ha perdido su voluntad

revolucionaria. Este personaje ya no es una victima, sino que lucha por su

bienestar. El ambiente es un ambiente elevado (salones burgueses, casas ricas).

 Tono más lineal: El tono el más lineal, sin exclamaciones exageradas como la

de dona Inés o don Juan.

 El don Juan Tenorio es importante en este desacollo porque a partir de esta obra

se entiende que hay que cambiar, es un pasaje obligado para estos autores

(Ventura de la Vega y Manuel Tamayo y Baus). Estos son las premisas de la

llamada alta comedia.

Primer acercamiento al Realismo

La alta comedia a nivel teatral es el pasaje que nos conduce al realismo y a la novela

realista, los críticos dicen que el Romanticismo es la época sin novela porque la

mayoría de las obras literarias eran obras de teatro y de poesía, tenemos novelas que

no están a la altura de los géneros del teatro y de la poesía.

 Estreno de El hombre del mundo de Ventura de la Vega: 2 Octubre de 1854. La

el

tradición critica-literaria, indica como empiezo del teatro realista la obra “

hombre del mundo ” de Ventura de la Vega. En esta obra, un tal don Luis

acoge en su casa a un amigo suyo, don Juan, compañero de libertinaje. Don

Juan se pone a galantear con la mujer de su amigo, intenta seducirla, pero Clara

es una mujer inflexible y no cede a la galantería de don Juan y don Juan se

marcha.

 La obra se sitúa en el clima de la Restauración que empezaba con la

Constitución del 1845, más monárquica y conservadora respecto al Estatuto

de 1837. Es una obra que se opone a la obra de Zorilla, se opone moralmente a

esta historia. Es una obra que defiende la institución de matrimonio y la

fidelidad conyugal. Esta obra se sitúa ideologicamente en el clima de

Restauración (monárquica, de ideales) que empezaba con la Constitución del

1845.

 Representa:

1. La recuperación de la comedia neoclasica (reglas y versos tradicionales).

Esta obra era también una recuperación del mundo neoclasico, se recuperan

versos tradicionales (≠ verso libre de Zorilla).

2. reivindicación de los valores que el Romanticismo había puesto en discusión.

El hombre del mundo representa también una rivendicacion de los valores

que el romanticismo había puesto en cuestión (amor libertino, respeto hacia

los padres y los mayores).

3. sobre todo la exaltación de la institución familiar y de un amor tranquilo y

razonado. la institución familiar, el matrimonio y la familia eran lo mas

sagrados. Ventura de la Vega, reconociendo el magisterio de Zorilla,

condenaba el repentinaje de don Juan. Hace falta ahora un amor tranquilo,

razonado que sin embargo es un fundamento indispensable para poder tener

la tranquilidad para trabajar y desarrollarse económicamente. No se trata de

un amor loco, un amor pasional, sino que se trata de un amor familiar que

casi es un sentimiento social para el bienestar de la sociedad. Hace falta un

amor tranquilo como este, por lo tanto casi se puede evidenciar un vinculo

en este amor con el patriotismo.

 El hombre del mundo

En el momento de triunfo de , el público vuelve a

descubrir una época optimista que, sin embargo, va a durar muy poco. Después

de las obras de Zorilla, acaba el clima platonizante, desengañado del

Romanticismo y empieza otra época vagamente ilustrada, que de cierta manera

recupera los rasgos de tranquilidad de la Ilustración en el que se pretende

Ley de matar

reconducir todo al dominio de la razón. En literatura se habla de la

al padre, es que para afirmarse hay que romper con las tradiciones anteriores,

ahora se mata al padre Romántico para recuperar a la época neoclasica. Ahora

tenemos un cierto optimismo, que deriva de la razón con la que se creía poder

arreglarlo todo, dura muy poco debido a problemas sociales.

 Se inaugura una nueva interpretación del teatro con una discusión pacata y

contraste ideológico. Sin embargo este momento teatral con el triunfo del

hombre del mundo, el público puede descubrir una reconfortante visión de la

vida y se inaugura una nueva representación del teatro: por un lado dejaba las

sorpresas, los golpes efectistas, el dinamismo para sostituir todo esto con una

discusión pacata, un contraste ideológico, es importante la psicología del

personaje.

 Consecuencia: Se produce un teatro orientado más hacia el oír que hacia el

ver, es un teatro de élite. el teatro ahora está ligado a la clase media que es el

destinatario preferencial de las personas y a sus crecientes esfuerzos por una

seguridad social, no tenemos en el escenario temas como historia de amor,

historias recuperadas de las leyendas, sino que tenemos temas que antes

habían sido solo temas de conversación en casa, temas económicos, sociales,

familiares). El público gracias a este teatro, tiene mayor conciencia porque son

temas cotidianos.

El teatro de la segunda mitad del siglo XIX

 Ligado a la clase media (burguesía): Los gustos de esta clase media eran muy

eclécticos.

 Los temas contribuyen a aumentar la autoconciencia de la burguesía.

 Tenemos una gran cantidad de temas, géneros, estilos, lenguajes.

 De hecho, el teatro que se proponía a este nuevo público, la alta comedia,

representa una de las mayores y mejores fuente de elementos sobre la

burguesía de este momento. Por este motivo se suele denominarla también

comedia de costumbres (el costumbrismo romántico contribuía a exaltar el

patriotismo, mientras que ahora la comedia de costumbres es un documento

para que el pueblo pueda conocerse a si mismo.

Paradigmas del teatro de la época

Por eso los tipos de teatro de esta época son:

 La alta comedia: Ventura de la Vega, Rodríguez Rubí, Manuel Tamayo y Baus

 Melodrama/drama neoromantico: José Echegaray

 Drama social: Joaquín Dicenta

Función de la “alta comedia” por Francisco Ruiz Ramón

Trata del mundo dramático que ha conquistado a la burguesía. En la sociedad mejor,

encontramos el libertino (contra el matrimonio y la familia) y el hombre de negocios

(que guarda sus intereses). El dramaturgo defiende el matrimonio, la familia, los

valores espirituales contra el positivismo materialista. El autor llega a ser el portavoz

de los principios éticos que deben ser respetados en la sociedad cristiana. Se trata de

un director de conciencia que denunciando el mal, sermonea a su público.

La alta comedia

 El dramaturgo, defensor de

Paradigma de virtud para desenmarcar el vicio:

matrimonio y de la familia frente al poder destructor de libertino , si las obras

románticas y los dramas históricos que hemos tenido hasta Zorilla ponían en la

tela de juicio la escena política de su tiempo, ahora la alta comedia nos tiene

que presentar un paradigma de virtud para desenmarcar los vicios de los

libertinos, polo opuesto del hombre de negocio.

 Escena reducida a “escala familiar”: la afectación grandiosa de la escena

romántica ahora se ve reducida a escala familiar, los personaje no gritan, no

amenazan con pistolas o espadas, sino que se sientan y casi susurran.

 Detalles de la realidad psicológica de los protagonistas y de la vida y amores de

la burguesía: Antes los dramaturgo no entraban en la psicología de los

personajes, nos daban los rasgos mas inmediatos (valentía, falta de respeto),

ahora el dramaturgo se adentra en la realidad psicológica de los

protagonista, nos da detalles mas precisos de la vida y de los amores de los

personajes burgueses.

 Al público se le pide que asista al espectáculo de su propia vida: si antes el

público veía en el escenario unos personajes simbólicos, ahora el público se ve

a si mismo reflejado en el escenario.

 Los personajes son el espejo de los intereses más inmediatos del público: Don

Juan era símbolo de la pasión, ahora se llevan a la escena los intereses del

público.

 Los espacios que reflejan los valores y actitudes de la burguesía: el espacio se

traslada a espacios más confortables como salones, despachos que reflejan

valores de la creciente burguesía.

Consecuencia: se desmantela el teatro simbólico del Romanticismo, para crear una

escuela de escritura mas realista.

 la no interrumpida magnética corriente

Rodríguez Rubí la define como “

que unía al público con la acción del escenario, sin olvidar el orden

económico que exige el teatro ”. El termino alta comedia se empieza a

desarrollar en la mitad del siglo XIX y se atribuye la creación de esta alta

comedia a Rodríguez Rubí. Este autor la define como un beneficio material, el

teatro tiene que ser fuente de inspiración para mejorar la situación económica

de casa uno.

 un manantial inagotable de ideas para solaz del espíritu

El teatro es “ ”. El

teatro que ya no es ni instrumento didáctico (ilustración) ni instrumento de

deleite (romanticismo), en cambio el teatro tiene que convertirse en un

inagotable de ideas solaz del espíritu

manantial , que sirva para hacernos

comprender como mejorar económicamente.

 Hace falta volver a descubrir la moralidad del teatro español y unas nuevas

normas teatrales. En el hombre del mundo los personajes tenían una moralidad

muy definida, si se desarrollan elementos como amor familiar, importancia de la

patria, tendríamos beneficios económicos.

 Obsesión por la moral deriva de la corrupción de la vida publica (que

desembocará en la Gloriosa Revolución de 1868). Esta obsesión por la moral,

era porque la vida publica tenia una alta corrupción, antepongan los propios

intereses que los de la comunidad. Toda esta situación social de descontento

que se critica en las obras se desembocará en la Gloriosa Revolución de

1868. Los autores no trataban de mostrar la realidad por como era, sino por

como debía ser, por esto hacia falta cambiar los diálogos, los personajes, para

que las personas podan reflejar sobre si mismo

El melodrama

 Posee una enorme fuerza emocional; presenta un conflicto y una enorme

tensión que producen tensión y que causaban una fuerte presión emotiva en el

público.

 Deriva del drama romántico y de la tradición de autores franceses como Víctor

Los misterios de París

Hugo o Eugene Sue ( ). Deriva del drama romántico,

pero también de tradiciones franceses

 “romanticismo reconfigurado” de José Echergaray: se propone de escribir para

su público (la burguesía), pero defiende a los trabajadores y la libertad

individual (elemento romántico). . Él fue victima del desprecio de los críticos

porque en 1904 ganó el premio Nobel y según la critica literaria aquel ano le

tocaba a Galdos.

 El teatro de Echegaray mezcla el lenguaje del romanticismo y la atmósfera

social del realismo. Era un hombre innovador, gracias a sus ideas sociales del

nuevo teatro se puede considerar un precursor de la época realista, era un

teatro anti-católico y anti-isabelino (Isabel II) y rechazaba su conservadurismo.

Finales de siglo: “Drama social” o “drama realista”)

Al final del siglo se disputan 3 echos la atención del público:

1. La presencia de Benito Pérez Galdos en la escena literaria, importante por la

novela

2. bodevil

las revistas bodevilesca ( : comedia ligera, picante)

3. Drama social o drama realista: irrumpe en la escena gracias a movimientos

obreros y gracias al socialismo que empezó a surgir en los anos 30. Los dramas

sociales era dramas que se centraban en la situación de la clase obrera, era

dramas truculentos, violentos no por el gusto macabro sino porque se quería

mostrar en la escena lo que la sociedad tenia que evitar. La violencia que

llevaba a la muerte de obreros. Los primeros defensores del socialismo

prepararon el terreno a los realistas.

A partir del 1850: empiezan temas socialistas con personajes y marcos temporales

del teatro romántico, pero con nuevas situaciones morales para producir lastima e

indignación en el público.

MANUEL TAMAYO Y BAUS (1829 - 1898)

Hijo de actores teatrales de un gran talento artístico.

Características de la primera fase de su teatro

 En su drama quiso plantar el retrato moral del hombre, pero evita la

descripción de la vida real, porque el está convencido de lo que dice en esta

ni todo lo que es verdad en el mundo cabe en el teatro,

cita: o sea está

convencido de que la realidad es muy limitada. No cree que la realidad entera

pueda caber en un espectáculo teatral. Su teatro es un teatro muy verosímil

pero en este sentido, en el sentido de que crea un mundo ficticio, que tiene que

parecerse a la realidad pero que al mismo tiempo tiene que convencer al

público de que sea mentira.

 Tiene como segunda característica, una excesiva tendencia a moralizar, son

todas características de su primera fase teatral, esta tendencia lleva a algunos

Tamayo el del final feliz

críticos a llamarle “ ”. Esta moral que defiende en sus

primeras obras corresponde a un conjunto de valor de una sociedad

conservadora y católica. Esta sociedad no va a tener que enfrentarse con un

desafío hasta el final del siglo (Gloriosa Revolución).

Durante este reinado de Isabel II el teatro español era sobretodo conservador y

destinado al público burgueses.

 Juana de Arco

1847 primera obra: tiene algunos elementos románticos,

estamos en una época de transición. Es una obra moralizadora pero con rasgos

románticos, se inspira en Schiller.

Sus primeras teorías sobre el teatro

A pesar de que sea joven Tamayo y Baus, ya tenia claras unas teorías sobre el teatro y

como se debería hacer teatro en su opinión, estas teorías pueden leerse en tres textos

“teóricos” en prosa: Angela:

1852 Prologo a

1. no se trata de un teatro didáctico (como en la

época ilustrada) sino que se trata de un teatro que tiene que tener tanta

influencia en el público, que al final el público se sienta impulsado a actuar

como ve hacer en el escenario. Era una forma mas subdola del teatro ilustrado,

porque el público ahora piensa ir al teatro para evadir de la realidad con un

mensaje de modelo de comportamiento para que el hombre pueda realizar algo

en la vida (económicamente o en la vida en general). Es indispensable luchar

contra el egoísmo y las cualidades negativas del hombre que se destruyen

gracias a la compasión (época profundamente católica). Cuando sentimos

compasión que se nos despierta dentro, podemos encontrar consuelo, a

padecimientos reales.

Virginia:

1853 Prologo a Juana de Arcos Virginia

2. y son tragedias y la

don Juan Tenorio

tragedia después de está teniendo un escaso éxito y se

empieza a parodiar pero Tamayo y Baus comprende que es importante

modernizar el genero de la tragedia, ajustándola a la nueva mitad del siglo. Los

elementos del don Juan no son pertinentes al público de ahora. Para

modernizar la tragedia hay que sumergirse en las pasiones, todas las

pasiones que forman parte de la naturaleza humana. Si un dramaturgo muestra

los efectos de las pasiones, entonces se podrá producir un cuadro sano y

moral de la sociedad. Esta era una manera subdola de transmitir un mensaje.

Una obra en que un hombre intenta seducir a una mujer casada, se ve que la

pasión fracasa y vence la fidelidad, entonces el público comprende que intentar

romper una pareja gracias a las pasiones, va a fracasar. Tamayo y Baus dice en

este prologo que en estas obras se ven rasgos del Romanticismo tardío, pero

estos rasgos tienen que ser modelados a través de recursos y elementos que ya

pertenecen al realismo, como un profundo estudio de los caracteres y un

estudio practico y cotidiano que tenían que enfrentar. Por un lado siempre

tenemos las pasiones románticas, pero están vinculadas a los rasgos realistas.

Una obra en que un hombre intenta seducir a una mujer casada, pone el

problema de la confianza en un libertino y de como la va a sustentar si ella va a

dejar su marido (problema economice)

1858 Discurso de Recepción en la Real Academia Española: De la

3. verdad considerada como fuente de belleza en la literatura dramática :

es el discurso de cuando se nomina academice en la RAE. En primer lugar dice

él en este discurso que el dramaturgo debe intentar producir una pintura del

hombre en todas sus facetas, en todos los aspectos que el hombre puede tener

en su vida real (esposo, padre, hombre) pero siempre animado y estudiado a

partir de sus sentimientos y de sus pasiones que tienen que ser encauzadas. No

se le puede dejar libre a la pasión, pero a pesar de estos modelos el arte no

puede copiar a la realidad. La verosimilitud se debe inventar, en el sentido de

que las pasiones de los hombres no se tienen que estilizar, no tienen que ser

pasiones simbólicas en que cada tipo de personaje es parecido al otro (en el

Romanticismo las pasiones son estilizadas, todos los tipos de libertinos tenían

las mismas características, así como los héroes titanicos o la mujeres – ángel).

Hay que desarrollar una variedad típica de la naturaleza, como cada uno tiene

pasiones diferentes y las expresas de manera diferente, también en el teatro

tenemos que producir esta variedad.

A partir de estos prólogos, vemos no solo como tenemos formas realistas, sino

Virginia

también temas. Sus obras reflejan el clima que se pretende representar. Con

empieza la fase de éxito de Tamayo y Baus.

Dramas posteriores

A partir de los dramas románticos empieza una profundización psicológica y

profundiza los tipos femeninos.

 Dramas históricos

◦ La ricahembra

1854

◦ La locura de amor

1855

 Hija y madre:

1855 hace avanzar el teatro hacia características mas

realistas aun. Se sintió orgulloso de esta obra y al público le gustó mucho.

Muestra un fuerte vinculo familiar.

◦ Empieza a elaborar de una manera mas realista aun, el tema de los vínculos

◦ familiares y del papel del matrimonio como vehículo del ascenso social. Es a

partir de esta obra cuando por primera vez lleva a la escena toda esta gran

moralidad que hasta este momento solo había teorizado.

Quiere dar fe de las estructuras sociales de su época

◦ Hay unos motivos románticos que él tiene que limitar: la protagonista es la

hija rechazada de una condesa, entonces el motivo romántico es éste como

la ocultación de la autentica identidad del protagonista. Quiere limitar

también cualquier rasgos románticos porque realmente el tema central y

autentico de esta obra era la presunción de clase y el ascenso social.

◦ Esta reflexión sobre el ascenso de clase, no supone una critica, era

simplemente una presentación de como el dinero, los negocios, el

matrimonio pueden contribuir a la estructuración de la sociedad. No es un

drama social pero nos está dando un mensaje subliminal: nos dice de

mantener el orden económico y del matrimonio para mantener una sociedad

que está bien. Nos está mostrando como deben que estar las cosas para que

la sociedad funcione.

 La bola de nieve:

1856 Hija y madre

de los temas de , se vuelven a

presentar en esta obra pero ha eliminado el motivo romántico, no tenemos

ningún rasgo del romanticismo y lo ha sustituido por el tema de la envidia.

Tamayo veía la envidia como uno de los grandes males de la sociedad española

y este sentimiento destructivo, podía crecer como una bola de nieve hasta crear

el deterioro de las relaciones y el caos social, todo si se hubiese dejado libre a

este sentimiento de la envidia. Entra a formar parte del mantra dramaturgico,

del gran ambiente conservador porque todos los dramaturgos ven en estos

valores, la solución para una sociedad que estaba cayendo cada vez mas en la

inmoralidad y corrupción.

Todas estas enseñanzas morales fueron bien recibida por el público de la época porque

se daba cuenta de la inmoralidad de su gobierno, de la familia real y al público

empezaba a molestarle que España estuviese gobernada por hombres ricos y

corruptos.

A nivel de construcción escénica, Tamayo en sus obras revela cuales son los

espacios mas aptos para crear una buena obra. Desplaza las obras teatrales de los

ambientes exteriores, rústicos, macabro que caracterizaban el teatro romántico y los

remplaza con los ambientes confortables de la clase media contemporánea. En el

teatro romántico el contrasto entre espacio exterior y interior favorecía los espacios

exteriores.

Un drama nuevo

Es la pieza maestra de Tamayo y Baus. Estreno: Madrid, Teatro de la Zarzuela 4 de

mayo de 1867

 La bola de

El tema central de la historia es el tema de la envidia como en

nieve ,

 Aparecen también: el tema de los celos matrimoniales, el tema de la venganza

y también de la ambición artística.

 Pero el gran núcleo entorno al cual se construye la obra es el contraste y a la

vez la compenetración entre realidad y fantasía, dentro del mundo del teatro. Es

una obra de metateatro, pero es una metateatralidad a tres niveles de

ficciones(desde la mas exterior a la mas profunda):

1. Representación (el público que va a veer el drama nuevo): en el drama nuevo

se habla de poner en la escena un drama nuevo

2. La historia es a propósito de una compagnia que tiene que estrenar un drama

nuevo.

3. Es dentro de los mismos actores, porque los actores están declamando una obra

de teatro que refleja sus propios estados emocionales, por lo tanto el público

puede percibir esta ambigüedad que los mismos actores están viviendo.

Analisis de la metateatralidad:

Los actores que están declamando el papel que tienen que asumir en la obra, se ven

tan reflejados en la obra, que parece una ambigüedad tan fuerte que no se sabe que

es realidad y que es ficción. Tamayo estaba convencido que en la vida los actores

actúan, pero viven sus verdaderas emociones en la escena, así como en la obra.

La fusión es al final tan completa que los 3 niveles del drama, se hacen uno solo

imposible de distinguir.

Todo este drama y estos niveles de realidad, Tamayo nos lo explica siempre en el

el arte y la realidad

discurso que había escrito como acto de presentación en la RAE:

serian lo mismo, o, antes bien, el primero no existía. Falsa dicótoma entre vida y arte,

es la muerte que nos da la llave de representación. En la escena los actores pueden

morir como seres humanos, y este juego entre ilusión y realidad nos está planteando

un concepto de realidad que desmantela un poco la convención burguesa del mundo

al que el mismo Tamayo se dirigía.

Personajes:

 Landolfo: Walton (revela al Conde Octavio, los amores adulterinos de su esposa

con Manfredo)

 Conde Octavio: Yorik

 Beatriz: Alicia (esposa del Conde Octavio)

 Manfredo: Edmundo

Historia

Estamos en Londres al comienzo del siglo XVII. Un dramaturgo ha escrito una obra

dramática y la propone a Shakespeare para que él y su compañía la lleve a la

escena.

Shakespeare acepta llevar a la escena la obra, pero Yorik (cómico de la compañía)

pide a Shakespeare que le permita asumir el papel principal del drama mientra él

hasta este momento había hecho solo el cómico.

Walton (actor principal de la compañía) queda desplazado y muy resentido porque

Shakespeare le ha dejado el papel principal al cómico, entonces Walton por envidia

quiere vengarse. Va a utilizar la situación familiar del mismo Yorik, porque la mujer de

Yorik (Alicia) se había enamorado de un joven que Yorik y Alicia habían acogido en su

casa como protegido, pero su amor no se ha concretizado.

Walton se venga porque la trama del drama nuevo habla de un amor adulterino que el

mismo Yorik está padeciendo. Walton, asume el papel de Landolfo en la obra y revela

en la obra al Conde Octavio (Yorik) que su mujer le está engañando, la mujer del

Conde Octavio se llama Beatriz (representada por Alicia), engaña a su marido con su

ahijado, Manfredo (Edmundo).

Cuando esta obra se lleva a la escena, Yorik entiende que su mujer le está engañando

de verdad. Hasta este momento solo había tenido una sospecha, nunca había pensado

que su mujer pudiese traicionarlo. Mientras que están actuando, Yorik hiere de muerte

a Edmundo (en la escena). La pasión de los dos es tan fuerte que Yorik entiende que

su sospecha es la verdad.

Shakespeare que estaba mirando la obra, se da cuenta de que la realidad ha

remplazado la ficción y entonces el mismo Shakespeare para punir a la persona que

había causado todo este marasmo, mata a Walton durante la representación. Walton

había hecho comprender a Yorik que Alicia lo traicionaba para vengarse.

Los temas

 Antecedentes de metateatro en la literatura española

◦ los banos de Argel

Cervantes con ,

◦ Lo fingido verdadero

Lope de Vega con

◦ el vergonzoso en el palacio

Tirso de Molina con

 La obra representa la fusión entre lo real y lo fantástico: los personajes solo

son capaces de expresar sus sentimientos representando un papel ficticio.

 Problemática del ser humano en cuanto a los motivos que impulsan su

conducta

 Cuestión de la identidad explorada a partir de la componente metateatral.

 Yorik, el problema de la identidad:

representa el conflicto entre mundo interior y el exterior (es un cómico)

◦ El Drama nuevo puede ser la solución que él siente en su interior

◦ La realidad teatral se ha sustituido a la vida

 Intertextualidad:

Hamlet: el bufón del rey, Yorik

◦ Otelo: el personaje malvado que representa el tema de los celos

◦ figura de Shakespeare:

◦ 1. Deux ex machina: Deus ex maquina es el personaje que resuelve los

problemas, Shakespeare es el autentico Deus ex maquina porque

controla los personajes y ejercita su papel de dramaturgo en el teatro y

en la vida real de su compañía de actores.

2. portavoz de las normas y leyes morales: Shakespeare es el personaje que

crea el teatro porque constantemente crea unos vínculos entre la vida

real y la vida teatral. Tamayo con esta obra quiere mostrarnos que es el

teatro, como se construyen los personajes y el teatro mismo. Esta es el

gran nivel, esta obra tiene 3 niveles interpretativos:

1. Moralizador: Tamayo moraliza contra la envidia, los amores adulterinos.

Pero es una característica menor

2. Profundización y estudio de las características humanas que hace

Tamayo sobre sus personajes con la problemática interior sobre la

motivación de la conducta humana, profundiza los sentimientos que

luchan en un mismo espíritu

3. Análisis de la construcción del teatro, veer como se construye el

teatro. Esta construcción del teatro se encarna en la figura del mismo

Shakespeare, porque es un dramaturgo (quien crea el teatro) sino

también porque a través de Shakespeare, Tamayo inserta en su obra un

personaje literario y conocido. Recupera esta leyenda, este mito literario

creando un vinculo entre literatura y realidad. A través de Shakespeare la

unión entre realidad y ficción la tenemos cuando los actores humanos,

verdaderos solo son capaces de expresar sus sentimientos interpretando

un papel ficticio.

ACTO I

A este drama nuevo que se va a representar, sabemos solo que la compañía de

Shakespeare ha recibido un papel escrito por un autor, tenemos acceso pero también

limitado. Un marido engañado, una esposa infiel pero no se resuelve la cuestión del

honor (gran motivo de la obra que se tendría que representar). Al marido engañado le

ha faltado el honor, pero la obra cuando se represente termina antes porque muere

uno de los actores.

ESCENA I

Estamos en la casa de Yorik, él dice a Shakespeare que ha encontrado algunos

defectos en el papel que está leyendo. Shakespeare contesta con un asunto moral

sobre la envidia.

 Shakespeare: se nos presenta en este primer acto como un personaje que

reflexiona mucho, en este caso sobre la envidia, pero a lo largo de la obra nos

va a presentar muchas reflexiones mas sobre el teatro, el mundo teatral.

Gracias a estas moralizaciones en Shakespeare podemos veer un personaje

con alma noble, capaz de indignación ante el engaño y representa la moral.

Esta moral que encarna Shakespeare tiene algunos defectos porque al final de

la obra Shakespeare mata a un hombre. Tamayo le confiere una caracterización

de moral extrema, aun su homicidio tendrá una motivación que Tamayo explica.

 Yorik: el personaje de Yorik es el primero que nos introduce físicamente este

drama a través del manuscrito que tiene en sus manos. El manuscrito del

drama nuevo es el objecto ficcional que se introduce en la realidad y es el gran

motor de toda la acciona, si no fuera por este manuscrito, la obra no tenía lugar

y Yorik no habría tenido la oportunidad de desempeñar este nuevo papel. La

ficción es lo que propicia que lo verdadero salga a la luz, es una especie de

paradoja: si la ficción no hubiese existido, el hombre de Yorik no había sabido la

verdad sobre su mujer.

A través de esta fusión entre realidad y ficción se nos plantea un ulterior problema: la

identidad.

Es el gran problema de Yorik, que nos da algunas sugerencias en el primer acto. Está

hablando con Shakespeare que le ha dado este papel. Yorik dice de Alicia y Edmundo

mas divinos aun cuando Alicia y Edmundo le prestan humana forma y alma

que son

verdadera. Tamayo creía que el actor es mejor cuando actúa en la vida real. Alicia y

Edmundo expresan sus verdaderos sentimientos cuando actúan (Romeo y Julieta,

misma historia). Yorik piensa que Alicia y Edmundo están actuando muy bien, en

realidad representan en la ficción, la realidad. Los auténticos problemas de identidad

son los suyos, es un actor cómico y la fusión entre vida y teatro le lleva a reflexionar

sobre su misma fusión como actor y como hombre.

En el dialogo entre Yorik y Shakespeare, notamos que Yorik tiene unos rasgos de

envidia, Shakespeare le corrige un poco sobre la envidia de Yorik sobre su papel de

crees que sirvo unicamente para hacer reír?

cómico, dice . Cree que la gente se ríe de

el en la realidad y en la ficción. Yorik se pone a llorar con Shakespeare diciendo que

Shakespeare también lo considera una persona ridícula. Yorik a partir de este dilema,

de este profundo problema interior, llegará a este problema final, va a ser un

personaje ridículo porque puede fusionar la realidad y la ficción en este sentido,

salimos del drama y vemos como público: Yorik está haciendo un papel

profundamente dramático, pero nosotros sabemos que su mujer está realmente

enamorado de otro hombre, por eso parece ridículo a nuestros ojos. Está intentando

convencer a nosotros que puede ser un actor dramático, pero nos resulta ridículo

porque este personaje nos resultará que es un personaje que moraliza sobre la vida

cuando su mujer lo está engañando. drama nuevo

Vemos como la falta de dramaticidad empieza en el titulo: , drama

del engaño de la mujer, de la traición. Es un nivel irónico. Pero también, puede ser que

Yorik quiera hacer profundamente este papel de marido engañado porque ha tenido

una intuición de su subconsciente (realismo de Tamayo porque es la época de Freud

entonces nos interesa en psicológica de la persona y del personaje).

Romeo y Julieta Amleto Otelo

Referencia a , y .

 Walton : Walton que es el personaje “malo” nos recuerda el personaje del

Otelo, pero Yorik representa el personaje del Otelo por su obsesión. Otelo y Yorik

están casados con una mujer mas joven y llegan al asesinado.

El público no puede olvidarse ni de la vida ni del teatro en esta obre, tiene una doble

mansión sobre como se constituye el teatro y sobre como se desarrolla la vida.

Gran problema: como concebir que los actores a lo largo de su vida concreta no

dejen nunca de representar y que los sentimientos sean auténticos solo en el teatro?

Tamayo nos propone una resolución de esta ambiguedad gracias a la sociedad en la

que se encuentra. Si unos actores como estos actúan en la vida real y son auténticos

en el escenario, puede darle un papel convencional para resolver esta ambigüedad. El

papel de marido, de mujer, de amante son todos “tipos” que dan unidad en la

ambigüedad. Tamayo veía en sus mismos padres que tenían sentimientos auténticos

cuando actuaban, pero parecía que no lo tenían en la vida real, por eso se pone este

problema.

Escena II

El monologo de Yorik

 Tiene una función narrativa

 Anticipa la fusión entre ficción y realidad

 A nivel compositivo y formal se empieza a distinguir entre realidad y ficción

teatral, en este caso gracias a las acotaciones (en el ultimo acto, gracias a los

vocativos)

Yorik sigue teniendo la característica ridícula.

A nivel de lector nos damos cuenta de que las acotaciones nos permiten distinguir

entre ficción y realidad.

Escena III

Conocemos al personaje de Edmundo. Está dividido por un lado por su bondad natural

y su sentimiento de gratitud hacia Yorik que lo ha acogido en su casa, por el otro lado


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DETTAGLI
Corso di laurea: Corso di laurea in lingue e letterature straniere
SSD:
Università: Milano - Unimi
A.A.: 2018-2019

I contenuti di questa pagina costituiscono rielaborazioni personali del Publisher Amb.pan. di informazioni apprese con la frequenza delle lezioni di Letteratura spagnola e studio autonomo di eventuali libri di riferimento in preparazione dell'esame finale o della tesi. Non devono intendersi come materiale ufficiale dell'università Milano - Unimi o del prof Rosso Mariaorsola.

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