Riassunto esame Cinema, prof. Guerrini, libro consigliato Scrivere il film, Muscio

Ordine professionale. I produttori guardavano alla Screen Writers Guild come a

una minaccia al loro potere materiale.

Gli anni Trenta in Italia

nello stesso periodo in Italia non c'era un sistema regolamentato, lo

sceneggiatore non lavorava a stipendio fisso, ma film per film.

In Italia di rado si usavano indicazioni tecniche nella sceneggiatura, essa non si

trasformò in una forma di scrittura specializzata. Nel 1931 Emilio Cecchi fu

nominato direttore della Cines, e fu la sua presenza ad aggregare al cinema

scrittori e personaggi della cultura italiana. (cecchi è stato scelto anche perchè è

stato a Hollywood e si guarda all'industria cinematografica americana come a un

modello). Avvenne negli anni Trenta in Italia la ricerca di un prodotto medio, la

ricerca di storie per un pubblico che era stato privato, dal blocco delle

importazioni, dei film americani.

Studio system all'italiana:

nello studio system all'italiana innanzitutto c'era l'ufficio soggetti e il Direttore

della produzione, che lo presiede. L'ufficio soggetti ha il compito di raccogliere,

ricevere, ricercare, selezionare, coordinare idee per film che presenterà

all'approvazione del Consiglio di amministrazione prima e al Direttore di scena

poi. Il Direttore di produzione deve conoscere il minimo e il massimo potenziale

di sfruttamento dei mezzi e degli uomini di cui può disporre lo stabilimento.

Genina, insieme a Righelli, è stato il regista più importante del periodo

precedente la guerra. Ha cominciato a scrivere soggetti, poi è passato alla regia.

Fra i migliori film dell'annata se ne trovano diversi che svolgono soggetti scritti

da "scrittori": Zavattini, Napolitano, D'Errico, e scritti appositamente per il

cinema. I soggetti pensati cinematograficamente funzionano meglio degli

adattamenti da altre opere: il cinema come arte narrativa dispone di precise

leggi.

Il cinema a Milano durante il Fascismo:

i centri di interesse erano il Cineclub di Miano, il "Convegno" di Enzo Ferrieri,

una rivista autorevole, ricca di motivi culturali importanti. Poi si formò l'ATA

(Artisti Tecnici Associati) diretta da Carlo Ponti.

Il cinema neorealista

il cinema neorealista è il prodotto della cultura e dell'antifascismo del

dopoguerra, e prende avvio tra i tavoli delle trattorie romane frequentate dagli

intellettuali in una fase in cui l'industria cinematografica è inoperante per i danni

provocati dalla guerra.

Le sceneggiature neorealiste sono il prodotto di un lavoro di gruppo. La

sceneggiatura veniva prima discussa, possibilemente a partire da una ricerca

preliminare, attraverso interviste, esplorazioni, reportage fotografici, ecc... e

divisa in "blocchi", sui quali ognuno lavorava con competenze specifiche.

Durante gli anni '50 questo lavoro collettivo porta all'emergere di coppie di

sceneggiatori, come Steno e Monicelli, Age e Scarpelli, ecc..

Nel cinema neorealista il film deve nascere dall'esperienza della realtà, dunque

l'idea parte con un lavoro di ricerca e investigazione della realtà sociale.

Un gruppo tra gli sceneggiatori del neorealismo dà vita alla commedia all'italia e

al cinema di genere, mentre un altro gruppo lavora all'ombra dell'Autore. La

curiosità per il reale si riversa anche nel fatto di analizzare il modo di parlare dei

personaggi e quindi nella specializzazione linguistica del dialogo. Viene

introdotto anche l'uso del dialetto, adeguato a certi soggetti.

L'ambiente neorealista nasce in un clima morale, ideologico e culturale, da una

serie di riunioni a Roma che si proponevano di stendere una dichiarazione degli

intellettuali progressivi.

I rapporti tra produttori, sceneggiatori, registi e attori divennero sempre più

frequenti e vitali. Il mestiere era condotto in maniera artigianale. C'erano pochi

mezzi (a differenza dal cinema americano) ma un grande fervore di idee. Le

paghe erano basse o inesistenti.

Il Marc'Aurelio (un giornale) era una scuola formidabile, perché prima di tutto si

imparava il rigore; si faceva la cosiddetta "riunione delle battute", ciascuno

portava la sua idea per un disegno con la battuta, le più divertenti passavano ai

disegnatori, poi il "battutista" poteva cominciare a scrivere.

La sceneggiatura neorealista non si preoccupa più di inventare storie

spettacolari, ma l'obiettivo è rendere significative le cose della realtà. Il film

poteva nascere per strada o a tavolino. Scompare la figura dello sceneggiatore

che nella solitudine del suo studio segue le suggestioni della fantasia, e subentra

lo sceneggiatore-reporter, col suo lavoro di inchiesta, lievitato poi dalla fantasia.

Le ammucchiate: si era in tanti a prender parte alla scrittura di una

sceneggiatura, talvolta tutti riuniti in una piccola e misera stanza, ognuno con

l'intento di comparire nei titoli di testa. Pian piano il numero si ridusse e si arrivà

alla media di tre sceneggiatori per film. Era importante scegliere i compagni

giusti, così il tempo speso insieme, anche a chiacchierare poteva risultare

proficuo.

In quest'ambiente nacquerò storici film come Paisà e Ladri di biciclette.

C'era poi l'uso delle revisioni: perché i produttori non ci capivano molto, allora si

rivolgevano a un altro sceneggiatore per farlo revisionare. Spesso il produttore si

rivolgeva a molti sceneggiatori e il film passava di mano in mano.

Sceneggiatore-regista: autore

anche a Hollywood, come in Italia, verso la metà degli anni Trenta iniziò ad

emergere la figura dello sceneggiatore-regista. Questi personaggi che uniscono

nelle proprie mani il contenuto narrativo e la mise en scene, danno vita a quella

che sarà poi la figura dell'Autore.

Cinema americano e italiano, negli anni '40, vedono l'emergere, nella gerarchia

creativa, della figura del Regista; ma mentre in America ciò avviene noostante gli

studios, in Italia, seppure in un numero limitato di casi, il regista si trasforma nel

garante di un prodotto alto, culturalmente più qualificato.

La collaborazione alla sceneggiatura non è una condizione necessaria per la

nomina ad "autore", secondo la teoria elaborata dai Cahiers du Cinema, ma dagli

anni '50 anche il regista americano è di solito sceneggiatore o comunque ha

stabilito maggior controllo sul processo creativo del film.

Il cinema italiano dagli anni Sessanta a ieri

il cinema d'autore (Antonioni, Visconti, Fellini..) richiede allo sceneggiatore

l'adesione al punto di vista del regista e un lavoro funzionale al mondo di

immagini, poesia, fantasia, problemi esistenziali, stati d'animo dell'Autore, cioè

un tipo di sceneggiatura dove l'impianto narrativo e i personaggi passano in

secondo piano, ed emergono una stilizzazione visiva e problematiche interiori,

che normalmente erano considerate "anticinematografiche".

Si ha dunque un livello più "alto" e complesso di espressione, creativo e

stimolante. Il cinema d'Autore mette in crisi la sceneggiatura tradizionale, intesa

come scrittura di racconti standard, e lascia posto a un nuovo arruolamento di

scrittori e poeti (Bassani, Pasolini, Bartolini, Guerra..). La commedia all'italiana,

col suo impegno politico e il rapporto con la realtà sociale, richiede il lavoro di

uno sceneggiatore completo. Si ha comunque la scomparsa del prodotto medio, e

la crisi di un'industria cinematografica mai consolidatasi, una produzione

polarizzata intorno a livelli alti (cinema d'autore) o molto bassi.

Negli anni '50 la commedia all'italiana si era presentata come una sorta di

reazione al neorealismo: presentò un'italia un po' falsificata, di provincia, di

paese, folcloristica, con la povertà bella, che dava un'immagine un po'

contraffatta di quella che era la realtà italiana. Poi negli anni '60, col boom

economico, la commedia italiana ha cominciato a registrare forse con maggiore

verità quelli che erano i passaggi della società italiana. Avvalendosi sia della

satira, sia del dramma, è riuscita a dare un quadro in presa diretta della realtà,

contrinuendo alla consapevolezza critica di massa, e a demistificare certi tabù. I

temi si sono ispessiti, ma non c'è stato cambiamento di autori e di attori; hanno

assunto quella parte drammatica che fino all'epoca era stata trascurata,

l'ispirazione viene cercata nella cronaca.

(Alcuni sceneggiatori: Festa, Campanile e Franciosa erano più "goliardi" e

scanzonati; Scola e Maccari bravi ma più professionali; Age e Scarpelli più

elaborati e ambiziosi.

Nei film di Antonioni le parole sono soltanto un commento, un sottofondo alle

immagini. All'inizio, quando si costruisce la sceneggiatura, tutto era affidato alle

parole, poi, a mano a mano, cadono le parole e affiorano i gesti, e l'importanza

delle indicazioni visive.

Fellini presenta invece una visione più favolistica della realtà; erano film che

nascevano da inchieste però l'interpretazione cambiava. La Dolce Vita è nato da

lunghe riunioni, poi ci fu il tattamento e la divisione delle sequenze. Il copione

era un seguito di materiali che Fellini, il regista, ricuciva. Fellini rifugge la realtà:

prende ispirazione da poche immagini, che poi non verranno mai girate, ma

avranno dato tutta la suggestione necessaria per creare un intero film.

Il declino di Hollywood e la riconversione

dopo il '48 l'industria cinematografica italiana attraversò un periodo di crisi. La

diffusione della televisione, il divorzio tra Case di produzione e catene di sale

cinematografiche, l'aumento dei costi di produzione, provocarono il crollo dello

studio system. Una della prime scelte imposte dalla crisi fu il fatto di stipulare

contratti non più annuali, ma film per film. Resistono, comunque, le Case di

produzione, che cercano di sperimentare e differenziare, per es, facendo spazio

anche al cinema d'autore, e reclutando registi di estrazione intellettuale.

La nuova Hollywood ha potuto utilizzare la televisione come campo

d'addestramento delle nuove leve, recuperando quello che era l'apprendistato

negli studio systems.

È emersa così una nuova generazione di registi e sceneggiatori, tra cui Francis

Ford Coppola, John Milius, Hill, Schrader (che hanno iniziato la loro carriera

come sceneggiatori per poi diventare registi).

La sceneggiatura cambia: non si usano più le indicazioni tecniche, ma diventa un

racconto visualizzato, in dettaglio e arricchito di dialoghi (Pasolini la chiamava

sceno-testo). Si è rinnovata anche per quel che riguarda l'uso della lingua nei

dialoghi, i road movies hanno atti