Istituzioni di Storia dell'arte moderna in Italia e in Europa, appunti completi esame prof Alberto Ambrosini

corrisponde a un'animazione delle risorse psichiche interne, per cui è una chiarificazione di tipo concettuale che noi siamo sollecitati a fare osservando. Queste immagini non ci considerano come spettatori passivi, ma ci sollecitano ad animarci psichicamente attraverso le immagini che noi piano piano rileviamo. Il non finito anche in Leonardo ha un valore positivo, è un modo specifico di costruire l'immagine. L'immagine ha valore proprio perché non è finita. Non essendo finita, l'immagine mostra di essere un processo in atto. Vasari critica Leonardo dicendo che non finisce le opere, in realtà gli fa un grossissimo torto perché nasconde il fatto che il non finito è un elemento fondamentale nell'arte del 500 e che il non finito di Michelangelo e Leonardo sono la stessa cosa, hanno la stessa funzione, cioè costruire immagini che emergono e alle quali noi partecipiamo. Ad esempio in Leonardo (Adorazione dei Magi) le

In Michelangelo il non finito è una scelta perché ha lavorato come Vasari si aspettava: all'interno della sua attività c'è posto anche per il non finito. Per Vasari Leonardo invece non lavora come un pittore serio, quasi abbandona la pittura per esercizio di osservazione della natura, non ha dedicato tutta la sua vita a dipingere o scolpire come Michelangelo. Nelle lunette della Cappella Sistina vediamo dei particolari che non sono finiti, sono approssimati ad esempio gli occhi di alcune figure e il risultato è analogo a quello che notiamo nel Giorno. Anche il chiaroscuro è più sfumato, meno nitido rispetto a quello di Masaccio (costruito con lamelle diversamente luminose). Diversamente da Donatello che nel "Banchetto di Erode" ha utilizzato punti di luce fortissimi per rendere nitida l'immagine e per animarla, la "Madonna della

scala" apparemorbida e caratterizzata dai contrasti in ombra. Sembra,insieme ai volti nelle lunette della Cappella Sistina, che sianoin cera perché non sono completamente definite in tutti i lorotratti, ma sono delineate per chiazzature di colore.

FIGURE SERPENTINATE - GHIBERTI

Confronto: Flagellazione di Cristo della prima porta del Battistero e laSibilla di Michelangelo della Cappella Sistina.

La Sibilla è un esempio tipico di figura serpentinata, gioca su una torsionenon molto naturale. Questo effetto lo prende dalla figura a destra che frustaCristo e Cristo stesso che non è in piedi statico attaccato alla colonna, ma sigira su se stesso.

BOTTICELLI

Per quanto riguarda la messa a punto delle fisionomie, Michelangelo potevatrovare riferimenti da Botticelli perché se guardiamo Mercurio nella Primaveracapiamo il rapporto dialettico tra le differenze e le similarità. Le differenze sonoil chiaroscuro sottile e modulato

modello nella messa a punto di un canone di proporzioni di questa umanità sopraproporzionata. Anche gli artisti del 400 studiavano l'antico, ma da un'altra angolazione. Loro vedevano nell'antico un esempio concreto di immagini che rappresentano la natura, come stanno le cose. Questo si vede se consideriamo il rilievo di Brunelleschi per il concorso della porta nord del Battistero di Firenze. Brunelleschi si pone in un gioco emulativo con lo Spinario. Brunelleschi ha preso spunto dalla statuaria antica per studiare ex novo la struttura anatomica di un ragazzo che si toglie una spina dal piede, un episodio davvero possibile in natura.

Per Vasari Michelangelo costituisce il culmine di un processo di un'evoluzione in crescendo che inizia da Giotto e prosegue fino al pieno 500 e alla definizione della Bella Maniera, la Maniera moderna, un vertice delle arti, un livello di perfezione insuperabile per molti aspetti. Leonardo e Michelangelo devono agli artisti precedenti ma

Portano dei miglioramenti, dei progressi. Leonardo introduce lo sfumato, un chiaroscuro morbido, diluito sui contorni, caratterizzato da ombre che si disperdono sensibilmente, che poi passa a connotare la Bella Maniera 500esca. Accanto a questo c'è la rappresentazione della figura umana in movimento: i personaggi che Leo e Michelangelo raffigurano sembrano caratterizzati da una sorta di dinamismo interno, mentre l'arte del 400 appare più bloccata. L'arte del 400 è anche visivamente più nitida: Vasari parla di secchezza, alludendo alla valorizzazione della leggibilità netta, tranciante dei profili che viene superata sia da Leonardo che da Michelangelo con la messa a punto dello sfumato. Abbiamo osservato la valenza del non infinito, visto positivamente nel caso di Michelangelo, negativo in Leonardo, che si perde in bizzarrie. In entrambi i casi l'opera è in corso di elaborazione e noi siamo introdotti nel vivo del divenire, del farsi.

Dell'immagine sotto i nostri occhi. Le proporzioni delle figure cambiano: nel 400 anche se sono virili ed energici hanno qualcosa di magrolino, sono nervosi, scattanti e hanno proporzioni ridotte, mentre nel 500 c'è un gusto per proporzioni magniloquenti, gusto per il gigantismo.

RAFFAELLO

Vasari scrive di Raffaello in modo molto elogiativo: gli riconosce una centralità inequivocabile per gli sviluppi e la diffusione della maniera moderna e valorizza soprattutto le qualità di composizione di Raffaello perché riesce a elaborare scene complesse che sono immediatamente comunicative. Inoltre è in grado di identificare il gesto, l'espressione più adeguata, concatenare un gesto a un altro per rendere la scena subito recepibile con grande senso di naturalezza anche nella natura e nel paesaggio (che in Michelangelo manca, per scelta). Se uno legge la vita nel suo complesso ha l'impressione che manchi un pochino del pepe con il quale condisce le.

aperto, ha una bottega ricchissima ed è anche portato spontaneamente ad insegnare offrendo liberamente indicazioni senza l'altro.