Lezione 2 - Pop Art

James Rosenquist è stato un artista americano nato nel 1933. Prima di diventare un artista

affermato, Rosenquist ha lavorato come pittore di cartelloni pubblicitari a New York, un’esperienza

che ha influenzato profondamente il suo stile artistico. Le opere di Rosenquist sono caratterizzate

dall’uso di immagini frammentate e sovrapposte, spesso tratte dalla pubblicità, dai media e dalla

cultura di massa. Questo approccio riflette la sua esperienza nel mondo della pubblicità e il suo

interesse per la società dei consumi. Una delle sue opere più celebri è “F-111” (1964-65) un’opera

di grandi dimensioni (era solito a lavorare a grandi dimensioni forse per via del suo passato da

pittore di cartelloni) L'opera prende il nome dal jet da combattimento F-111, un simbolo della

potenza militare americana durante la Guerra del Vietnam. Rosenquist utilizza l'immagine del jet

come filo conduttore, sovrapponendola a una serie di immagini frammentate e apparentemente

scollegate, tratte dalla pubblicità e dalla cultura di massa. Tra queste immagini troviamo un

asciugacapelli, una fetta di torta, un fungo atomico e un bambino sotto un asciugacapelli, creando

un collage visivamente complesso e dinamico."F-111" è una critica potente e ironica alla guerra e

al consumismo. Rosenquist mette in luce le contraddizioni della società americana, dove la

tecnologia militare avanzata coesiste con la cultura del consumo e della pubblicità. L'opera

suggerisce un legame inquietante tra la guerra e la vita quotidiana, evidenziando come la

propaganda e la pubblicità possano influenzare la percezione pubblica della guerra. La tecnica di

Rosenquist, caratterizzata da colori vivaci e immagini sovrapposte

Andy Warhol, è stato un artista poliedrico, noto non solo come pittore e scultore, ma anche come

graphic designer, regista e produttore. La sua formazione iniziale è avvenuta nel campo del design

grafico, dove ha lavorato come illustratore commerciale per riviste e aziende di moda a New York

negli anni '50. Questo background ha influenzato profondamente il suo approccio all'arte,

caratterizzato dall'uso di tecniche di produzione di massa e dall'attenzione per l'estetica della

cultura popolare. Warhol molto spesso esprimeva il suo “desiderio” di voler essere come una

macchina. Questo suo voler riflette molto bene la sua visione radicale dell'arte e della produzione

artistica Questa dichiarazione sintetizza il suo approccio innovativo e il suo desiderio di eliminare

l'intervento personale e l'espressione individuale dall’arte (riproduce gli stessi soggetti più volte

poiché, secondo lui, più una cosa si ripete più perde significato e si svuota di senso.)

, in favore di un processo più meccanico e riproducibile. (Nonostante la sua fissa per la

riproduzione le sue opere non sono, volutamente, identiche l’una dalle altre) Warhol era affascinato

dalla cultura di massa e dalla produzione industriale, elementi che ha integrato nelle sue opere

attraverso l'uso di tecniche come la serigrafia. Questa tecnica gli permetteva di riprodurre immagini

in serie, simili ai prodotti di consumo che tanto lo ispiravano. Utilizzando immagini iconiche della

cultura popolare, come le lattine di zuppa Campbell e i ritratti di celebrità, Warhol ha sfidato le

nozioni tradizionali di originalità e unicità nell’arte.

“Do It Yourself (Sailboat)” ispirazione dai libri paint by numbers, fa parte di una serie di dipinti

basati su kit di pittura fai-da-te Questa serie ri ette l'interesse di Warhol per la cultura di massa e

la produzione di massa, temi centrali nella sua pratica artistica. L'opera rappresenta un disegno di

una barca a vela, simile a quelli che si trovano nei kit di pittura per bambini, con numeri che

indicano quali colori utilizzare per riempire le diverse sezioni dell'immagine. Warhol ha lasciato

l'opera incompleta, con solo alcune parti dipinte, mentre altre rimangono vuote o solo

parzialmente colorate. Questo approccio invita lo spettatore a completare l'opera, sottolineando

l'idea di partecipazione e interattività. Utilizzando un'immagine comune e riproducibile, Warhol

critica la commercializzazione dell'arte e la sua trasformazione in prodotto di consumo. L'opera

ri ette anche il suo desiderio di "essere una macchina", eliminando l'intervento personale e

l'espressione individuale a favore di un processo meccanico e riproducibile.

"Marilyn Diptych” Questa opera è composta da due pannelli a ancati e presenta 50 immagini

della celebre attrice, ripetute in una griglia di cinque per dieci. Il dipinto utilizza la tecnica della

serigra a Sul pannello di sinistra, le immagini di Marilyn sono colorate con tinte vivaci e brillanti,

mentre sul pannello di destra sono in bianco e nero e progressivamente sbiadite. Questa scelta

cromatica crea un forte contrasto visivo e simbolico tra la vitalità e la fama di Marilyn e la sua

morte prematura. "Marilyn Diptych" esplora diversi temi centrali nella pratica artistica di Warhol: 1-

Celebrità e cultura di massa: Warhol utilizza l'immagine di Marilyn Monroe, un'icona della cultura

popolare, per ri ettere sulla natura e mera della fama e sull'ossessione della società per le

celebrità. 2-Riproducibilità e serialità: La ripetizione dell'immagine sottolinea l'idea di produzione

di massa e la perdita di unicità nell'era moderna. Ogni immagine è simile ma non identica,

fl fi fl ffi fl ffi

evidenziando le variazioni all'interno della ripetizione.3-Morte e immortalità: Il contrasto tra le

immagini colorate e quelle sbiadite suggerisce una ri essione sulla mortalità e sull'immortalità

delle icone culturali. Marilyn Monroe, nonostante la sua morte, continua a vivere attraverso le sue

immagini riprodotte all'in nito.

“Triple Elvis” che ra gura 3 immagini sovrapposte di Elvis Presley, fotogramma preso dal lm

western "Flaming Star" tre gure di Elvis, una accanto all'altra, creando un e etto di movimento e

ripetizione. immagini sono in bianco e nero, con alcune aree che mostrano segni di sbiadimento e

imperfezioni. Elvis Presley è rappresentato come una gura iconica della cultura popolare

americana, enfatizzando il suo status di star. La ripetizione dell'immagine sottolinea la produzione

di massa e la perdita di unicità. Ogni gura è simile ma presenta variazioni. L'opera invita a

ri ettere sulla natura e mera della fama e sulla trasformazione delle celebrità in prodotti di

consumo.

“Campbell’s Soup Cans” L'opera consiste in 32 tele, ciascuna ra gurante una lattina di zuppa

Campbell, uno dei prodotti di consumo più riconoscibili negli Stati Uniti. Ogni tela rappresenta

una varietà diversa di zuppa, riproducendo fedelmente l'etichetta del prodotto. L'opera esplora la

relazione tra arte e consumo, s dando le nozioni tradizionali di originalità e unicità. Warhol eleva

un oggetto quotidiano a status di arte, invitando lo spettatore a ri ettere sulla

commercializzazione e sulla banalità della cultura di massa.

Box”

“Brillo sono una serie di sculture realizzate nel 1964, che riproducono fedelmente le scatole

di detersivo Brillo utilizzate nei supermercati. Queste opere sono realizzate in legno e serigrafate

con il design originale delle scatole, creando un e etto di perfetta imitazione degli oggetti

commerciali. È molto simile al concetto di Ready-Made introdotto da Marcel Duchamp. Anche se

essendo state replicate e non le vere scatole non appartiene alla categoria del Ready-made

“Flowers" ispirandosi a una fotogra a di hibiscus scattata da Patricia Caul eld e pubblicata sulla

rivista Modern Photography, Andy Warhol trasforma per la prima volta la natura in protagonista,

utilizzando uno stile inconsueto. L’opera è caratterizzate da un forte contrasto cromatico e da una

composizione semplice ma e cace, con i ori che sembrano uttuare su sfondi monocromatici.

Questa scelta stilistica crea un e etto visivo accattivante e immediatamente riconoscibile. Ogni

opera della serie è simile ma presenta variazioni nei colori e nelle dimensioni, sottolineando l'idea

di produzione di massa e la possibilità di in nite variazioni all'interno di un singolo tema.

“White Burning Car” parte della sua serie "Death and Disaster". Questa serie esplora temi legati

alla morte, ai disastri e alla violenza, utilizzando immagini tratte dai media e dalla cronaca nera.

L'opera si basa su una fotografia di un incidente automobilistico (fotografie scartate dai giornali

perché troppo crude) la fotografia mostra una macchina in fiamme dopo un incidente. Warhol ha

riprodotto questa immagine utilizzando la tecnica della serigrafia, applicandola su tela in una

sequenza ripetitiva. La ripetizione dell'immagine, tipica dello stile di Warhol, crea un effetto di

distacco e desensibilizzazione, riflettendo su come la ripetizione delle immagini violente nei media

possa ridurre l'impatto emotivo sugli spettatori. L’opera è caratterizzata da un forte contrasto tra il

bianco della tela e le immagini scure e drammatiche dell'incidente. Questo contrasto enfatizza la

brutalità della scena e invita lo spettatore a riflettere sulla natura effimera della vita e sulla

banalizzazione della morte nella società contemporanea.

“Lavender Disaster” attraverso quest’opera tratta il tema del tabù. Quest’opera appartiene alla

serie "Death and Disaster” (come l’opera precedente). L?opera riproduce in maniera ripetuta

immagini di una sedia elettrica, un simbolo potente e inquietante della pena di morte. utilizzato la

tecnica della serigrafia per riprodurre l'immagine della sedia elettrica quindici volte su un grande

pannello, creando un effetto di serialità e ripetizione. Il colore di sfondo (colore lavanda), crea un

contrasto stridente con la natura macabra del soggetto, enfatizzando l'ironia e la critica sociale

dell’opera. L'opera riflette diversi temi centrali nella pratica artistica di Warhol. La ripetizione

dell'immagine sottolinea l'idea di produzione di massa e la perdita di unicità nell'era moderna. Ogni

immagine è simile ma non identica, evidenziando le variazioni all'interno della ripetizione.

Utilizzando un'immagine così forte e drammatica, Warhol invita lo spettatore a riflettere sulla

banalizzazione della morte e della violenza nella società contemporanea, amplificata dalla

ripetizione mediatica. Il colore lavanda, solitamente associato a sentimenti di calma e serenità,

crea un contrasto ironico con l'immagine della sedia elettrica, sottolineando la dissonanza tra

l'apparenza e la realt&