I principali esponenti del movimento romantico

Origini del romanticismo

Fu un movimento politico filosofico artistico e culturale diffuso in Europa tra la fine del 700 e la prima meta dell’800, e ciò e il prodotto di una società in grave crisi economica e sociale sia per l’industrializzazione che per la restaurazione politica

Il sturm und Drang=tempesta e impeto diffuso in Germania tra il 1770-1780 anticipo la strada al Romanticismo europeo.

Il concetto di popolo che il Romanticisimo esalta e quello connesso all’idea di nazione(=insieme di individui legati fra loro da vincoli indissolubili di lingua, religione, cultura e tradizione)

Caratteristiche del romanticismo

Il romanticismo predilige le individualita singole e tutti i fattori ambientali e culturali che hanno contribuito a formarle.

“se noi siamo quelli che siamo lo dobbiamo all’ambiente in cui abbiamo vissuto e nel quale siamo cresciuti”il nostro presente e intriso dal nostro passato., il romanticismo cerca il rifugio nel proprio passato al fine di alleviare la paura di un presente spesso ostile e perciò e in contrapposizione con il neoclassicismo e con la cultura illuminista (fa riferimento a un passato ideale cioè l’antica greco-Romana.

Il romanticismo ricerca le proprie radici nel Medioevo

Arte e letteratura romantica

Sul piano letterario la cultura romantica predilige il romanzo storico e la poesia dei sentimenti soggettivi, favole e in Italia anche i componimenti dialettali, simbolo delle tradizioni popolari più antiche.

Ai soggetti della mitologia classica se ne sono sostituiti di nuovi più legati alle leggende ossianich(guerrieri), alla tradizione favolistica locale e la rappresentazione di una natura personificata che riesce a suscitare grandi emozioni.

Il naufragio della speranza realizzato da friedrich rappresenta” la madre dolcissima o spietata matrigna”, e rappresentato un affondamento di una nave tra i ghiacci che diventa il pretesto per celebrare la grandiosità della natura rappresentata dai ghiacci e taglienti come lame al confronto della piccolezza impotente dell’uomo.

Alle atmosfere chiare vengono sovrapposti ambientazioni fosche, ricche di riferimento simbolici.

La nobile semplicità e la quieta grandezza cederanno poi il passo a sentimenti espressi in modo più passionale tanto che perderanno l’equilibrio.

La passione e il turbamento che i neoclassici non rappresentavano mai diventano per i romantici due delle principali motivazioni artistiche.

Il sublime e il genio

E uno dei caratteri distintivi del romanticismo, secondo Bruke, intellettuale e politico il sublime consiste nel misterioso e affascinante insieme di se sanzioni indescrivibili che e possibile provare solo di fronte a certi spettacoli naturali.

Il sublime si pone dunque all’estremo limite superiore della percezione del bello, al confine estremo delle capacità intellettuali, è il piacere infinito ma anche il dolore acutissimo.

Il sublime è legato anche al concetto di genio che è colui che ci consente di accedere alla vertigine del sublime, geni si nasce e non si diventa, il genio si sente simile a D.

Thomas Chatterton e l'eroe romantico

Thomas Chatterton, poeta inglese, preferì togliersi la vita piuttosto che accettare che non venisse riconosciuto il proprio talento letterario, Henry Wallis gli dedico uno dei suoi dipinti più intensi e sentimentali, l’eroe romantico giace sul letto, in una stanza disadorna fra i manoscritti delle sue poesie che in un impeto di rabbia aveva strappato-genio e sregolatezza-

Neoclassicismo e romanticismo a confronto

Essi costituiscono due fasi di uno stesso processo storico, che pur sembrano a prima vista opposte, sono connesse sul piano artistico, culturale e temporale.

Il neoclassicismo si fa promotore del ritorno dell’ordine, regolarità e disciplina, ispirandosi ai modelli classici.

L'arte neoclassica e il suo scopo

L’artista si sforza di rimanere estraneo e di indagare le caratteristiche al fine di padroneggiarla.

L’arte neoclassica non vuole essere imitatrice della natura ma dei modelli ideali che di essa hanno elaborato i classici, ma esaltando l’età classica come età dell’oro, il neoclassicismo compie un’operazione irrazionale contraddicendo le premesse illuministe e preludendo (anticipando) l’evasione romantica verso le dimensioni della soggettività della fiaba e della fantasia.

L’arte tende a diventare stile, l’insieme di regole e tecniche facilmente trasmissibili.

Il Romanticismo esalta la fantasia, sensibilità personale e malinconia e rifiutando il razionalismo illuminista che era anche alla base del neoclassicismo.

L’artista si sente parte integrante della natura e per questo vi si immerge profondamente, personalizzandola e modificandola in funzione dei proprio stati d’animo e delle proprie necessità espressive.

L'ideologia romantica e la natura

L’ideologia romantica tende ad attribuire l’espressione degli stati d’animo della natura che seconda dei casi sa essere dolcissima madre o terribile matrigna.

Nella Veduta di Roma di Fedor Mikhailovich Matveev 1816, la vegetazione e particolareggiata allo scopo di valorizzare al meglio l’immagine centrale del Colosseo.

John Constable e la natura

John Constable ha vissuto nella fattorie della verde campagna inglese e ciò infatti saranno i soggetti della sua pittura: cieli sconfinati,boschi frondosi,mulini scoscianti d’acqua.

Constable si interessò soprattutto ai paesaggi che assunsero la dignità di soggetto artistico autonomo,maturò ben presto uno stile autonomo e personalizzato.

Il suo stile predilige lo schizzo immediato , l’osservazione naturalistica e lo studio dal vero e i suoi soggetti preferiti sono i paesaggi d’infanzia, i temi principali sono i cieli. Il cielo e il principale organo del sentimento.

-madre dolcissima o terribile matrigna- ed è per questo che potremmo avere dei cieli sereni o cieli plumbei gravidi di tempesta e perciò si possono inserire infinite altre variazioni meteorologiche,climatiche e di stagione come per esempio nel

“lo studio di nuvole a Cirro”1822, un piccolo olio su carta, l’artista sperimenta un tecnica del tutto nuova.

Il colore è steso con poche e veloci pennellate, senza ritocchi a voler congelare l’attimo fuggente, l’opera fu realizzata direttamente sul posto inaugurando la tecnica del en plein air.

All’età di 24 anni fu accettato a;;a scuola d’arte dove studiò anche la prospettiva.

Personalità estrosa e viaggiatore infaticabile.

La luce mediterranea e le sfumature di colore avranno un’importanza decisiva nello sviluppo delle concezioni artistiche del pittore.

Turner e la poetica sublime

Turner è l’interprete più appassionato e sensibile della poetica sublime diffusa da Burk, secondo il quale la natura si impone grandiosamente sull’uomo fino a stordirne i sensi.

Il colore si fa pura modulazione di luce.

Inizialmente l’artista è animato dalla volontà di fondere l’aderenza al soggetto con la possibilità di produrre nell’osservatore la sensazione del probabile mutamento atmosferico, in seguito invece si indirizza verso la ricerca illuministica.

In basso a destra nell’arco superiore si cerca di descrivere lo stato della terra corrotta nel momento in cui le acque del diluvio si stanno per abbattere su di essa al fine di purificarla.

Una massa globulare si libra in prossimità del centro della tela a ciò si contrappone la lingua di terra che si protende in direzione del punto più abbagliante segnando la posizione dell’arca lontana verso la quale si dirigono le forme animali e gli uccelli neri che solcano il cielo secondo un arco di cerchio.

-situazione di calma sospesa e innaturale-

l’immensità del cielo è ridotta a uno spazio esiguo e il precipitare incessante dell’acqua è reso con tracce velate a cascata a simulare lo scorrere dinanzi ai nostri occhi

1830-1835 fa parte di una lunga serie di dipinti che l’artista dedica al calare del sole.

La terra è una fascia marrone in basso mentre in altro vi è un’altra fascia più ampia che è tinta di giallo con squarci bianchi e spolveri bruni.

I rossi carminio e i neri giustapposti uniscono la terra e il cielo.

Diventò presto un pittore indipendente grazie alle risorse economiche familiari.

La sua poetica è sospesa tra Neoclassicismo e Romanticismo con una maggiore propensione verso il secondo per la sua dote irrequieta.

Un male non curato lo conduce alla morte precoce.

-se gli ostacoli e le difficoltà scoraggiano un uomo mediocre,al contrario al genio sono necessari-

All’amore per i cavalli e all’attenzione ai fatti contemporanei è legato questo dipinto esposto al Salon.

La lontananza del campo di battaglia, la mancanza di ogni espressione di sofferenza nel volto e del soldato ferito e l’attenzione alla perfezione formale denunciano la dipendenza dal sistema neoclassico.

Un corazziere ferito posto sotto un cielo di nuvole nere e tra i bagliori lontani del fuoco della battaglia, con la testa volta all’indietro mentre cerca con gli occhi qualcosa di cui ha timore, scende per un pendio appoggiandosi al fodero della spada.

Con la destra tiene il cavallo impaurito di cui frena il movimento.

Il soggetto vinto che cerca di aver salva la vita è la rappresentazione della caduta delle certezza e delle grandi aspirazioni napoleoniche.

La barca e’ in balia delle onde,un altro dipinto messo in comparazione e un viandante nel mare di nebbia ,l’atteggiamento dell’uomo romantico e’ un atteggiamento di paura, ma che spesso sono rappresentati rispetto ai canoni del classicismo→mondo greco.

Formalmente si ispira al classicismo che poi pero li inserisce in un contesto drammatico in quanto la natura e’ “padrona di tutto.”

Il naufragio della Medusa

Un dipinto di grandi dimensioni il cui soggetto è desunto da un fatto di cronaca,l’artista piega la perfezione formale classicista alla nuova sensibilità romantica, preannunciando il realismo.

Il dipinto mostra i pochi scampati al naufragio della fregata francese Medusa nel momento in cui avvistano in lontananza la nave che li porterà in salvo.

Fra le onde minacciose alte e cupe, sotto il cielo plumbeo, tutti gli uomini sono accalcati nell’unica porzione ancora solida del relitto che galleggia, al di sopra di questo spazio sono presenti le funi,che tengono l’albero che sorregge una vela,disegnano una piramide e la stessa figura geometrica è disegnata dagli uomini legati fra loro e culmina con il personaggio che sventola un panno bianco e rosso.

I corpi sono colpiti da una luce che da loro solidità, gli sguardi e le braccia sono in un gesto di aiuto e rivolti verso il puntino che indica la nave della salvezza, in primo piano i cadaveri sono la testimonianza della sofferenza.

In basso a destra c’è un cadavere coperto da un drappo che richiama il lenzuolo funebre degli antichi, invece a sinistra un giovane morto è nudo, sorretto e trattenuto da un vecchio ammantato di rosso come fosse un eroe omerico.

Le braccia allargate, la testa reclinata, gli occhi serrati e le labbra socchiuse ne fanno un D. dormiente ma che i calzini riportano alle dimensioni di umanità.

Fa parte di una serie di 10 che pero ne sono giunte a noi solo 5.

Ritratti e compassione

La vecchia è resa con gli occhi arrossati e la fronte attraversata da numerose rughe, il volto è incorniciato dalla cuffia trinata mentre il rosso ravviva il marrone del pastrano.

I profondi solchi sottolineano gli zigomi. L’anziana donna ha la testa volta a sinistra e lievemente abbassata mentre lo sguardo,assente e perso nel vuoto, sembra ricorrere un pensiero fisso.

Presentando la donna vestita (e non nuda)rileva la propria compassione e l’assoluto rispetto del dolore.

Fa un ritratto ai malati mentali,fissano il vuoto, inizialmente si facevano le caricature mentre ora si concentra sull’analisi del personaggio, la razionalità, come in realtà sono.

Si cerca di entrare nel personaggio e cercare i motivi per i quali sono così.

Neoclassicismo e romanticismo in Italia

Cambiamenti in varie aree geografiche, esistono due correnti artistiche, il neoclassicismo(esigenza del razionalismo) ed il romanticismo.

neoclassicismo:importanza dei dettagli e dei drappeggi

- Canova come scultore

- David per pittura- pittura storica celebrativa per dare un indicazione di tipo morale che deve essere pero reinterpretato in chiave moderna, prima era un rivoluzionario poi segue la linea di napoleone

le scuole propongono un insegnamento legato al classicismo ma che pero venne poi sostituito dal romanticismo

- Gericault precede delaCroix, e una persona atipica, non vince una borsa di studio,ma era benestante,era un aristocratico e perciò decise di fare il viaggio a Roma per avere un contatto diretto con l’antichità.

- DelaCroix: e’ considerato il massimo esponente del romanticismo.

sara condizionato da un viaggio in Marocco, la luce,i colori lo portano ad avere una trasformazione, nel Romanticismo si sviluppa un aspetto romantico e passionale, riguarda la fragilità dell’uomo.

E’ considerato anche un progenitore di quello che sarà l’impressionismo.

l’importanza per DelaCroix e’ la stesura del colore, con poche macchie di acquarello rende la modernità,l’artista si stacco dalla poetica neoclassica e divento’ esponente del romanticismo:

- maliconia

- desiderio di cambiamento

-l’avversione per l’accadesimo

-l’impetuosita creativa

uno dei suoi modelli e’ Michelangelo.

Il soggetto e’ tragico e pieno di forza ed e’ tratto dall’8* canto dell’inferno dantesco, nel quale si raccontano le paludi infernali

L’ambiente è lugubre, ma allo stesso tempo la luce colpisce i corpi nudi.

E’ presente un atteggiamento diverso rispetto agli altri artisti.

Delacroix e la libertà

Delacroix prende dei colori puri e li affianca, usa colori forti e contrastanti.

Si rifa alla zattera della medusa perche è presente una figura piramidale, simbolicamente mette una donna nuda con il berretto che e un’allegoria ovvero la liberta che guida il popolo.

Mantiene sfocati gli sfondi, c’e’ un’armonia nei colori,ma i singoli personaggi in primo piano e presente il personaggio nudo con il calzino che rimanda alla zattera della medusa.

In lontananza c’e’ una contestualizzazione, Notredam lo inserisce in un contesto riconoscibile, la battaglia in Francia.

La donna e’ rivolta verso colui che guarda il quadro perche fa si che lo spettatore e’ in grado di far parte del dipinto, “leading into the painting”

Pittura storica e identità nazionale

Pittura storica, che lo definisce come il capo della scultura storica in Italia(Mazzini), nasce a Venezia, vince il premio di Roma, e può avere un contatto con le opere delle antichità classiche e di Raffaello.

Lui nasce neoclassico e vuole una rappresentazione del vero inteso come la realtà, la società.

A Roma si trovò Canova che gli apri tutte le porte della città.

A Milano entra in contatto con i ceti più alti della borghesia, si fa portatore attraverso la sua arte di ideali ed e’ per questo che Mazzini lo inserisce capo della scuola di pittura storica, diventa l’artefice del romanzo a sfondo storico, vogliono diffondere la coscienza nazionale attraverso gli ideali del passato→medioevo = diventa il riflesso.

Gli abiti non sono attuali ma fanno riferimento al medioevo perche il Medioevo e’ il momento di ricostruzione dell’identità nazionale e qui cercano di trovare un’identità.

E’ presente una porta, c’e’ un senso del pericolo, della precarietà.

è un bacio fugace, messaggio eroico, l’uomo sembra un cospiratore, tutto e’ ridotto all’essenziale.

Nel 1859 a breve ci sarà l’unita’ d’Italia.

-visione della catastrofe, amore assoluto

Il distruggimento interiore legato al fatto.

Malinconia e spirito romantico

La malinconia e’ lo stato dell’animo ed infatti lo stato d’animo di questa ragazza e’ malinconica, i fiori sono appassiti, la vita che scorre e’ riflesso sia nei fiori che nella ragazza.

C’e’ uno spirito romantico=maliconia.

L’atteggiamento romantico come le incertezze riflettono i momenti adolescenziali.

Il panneggio dell’abito, la lucentezza, c’e’ l’idea di bellezza anche i fiori appassiti rappresentano la malinconia della donna. Atteggiamento lascivo.

La fucilazione di Goya

Goya e la brutalità della realtà

Goya e’ un preromantico.

Dramma che sta avvenendo, i personaggi sono come i partigiani si volevano difendere ma invece vengono fucilati, non e’ un’azione che e avvenuta o deve avvenire ma sta succedendo. Li stanno fucilando

I dipinti che rappresentano un’azione che e avvenuta o che deve avvenire e’ simbolo del neoclassicismo

In primo piano ce un uomo sfatto→crudezza della realtà.

Vuole mettere in luce quest’ uomo, l’uomo che si sacrifica.

Brutalità = massa compatta, violentemente vuole mettere a tacere i rivoltosi, contro un uomo che rappresenta la paura, il terrore.