Rappresentazioni dell'infanzia nell'arte

Evoluzione della rappresentazione del bambino

La rappresentazione del bambino piccolo nell'arte ha seguito l'evoluzione del suo status, ma anche l'arte ha svolto un ruolo importante e influenzato il modo in cui il tema viene trattato nel tempo.
Gli oggetti rinvenuti e le pitture rupestri mostrano che l'uomo preistorico acquisì molto presto un senso artistico: sculture primitive appaiono nell'età della pietra scolpita. Sono statuette femminili dalle forme generose, simboli di fertilità. La specie umana si sviluppa nonostante una grande fragilità dei bambini piccoli e un probabile eccesso di mortalità, il che implica che i primi ominidi fino all'homo sapiens considerassero i loro piccoli con sufficiente benevolenza per la sopravvivenza della specie. La scoperta dell'ornamento del bambino della Madeleine (a Tursac, in Dordogna), di - 10.000 anni, ha creato stupore. Nella tomba del bambino, la cui età è stimata tra i 2 e i 4 anni, si scopre un ornamento di sorprendente bellezza, che riflette una sensibilità artistica, una tenerezza per questo giovanissimo umano e senza dubbio l'indicazione di una stratificazione sociale basata sull'ereditarietà. La prima espressione artistica che collega il bambino e l'arte in Francia, lo scheletro e il suo ornamento sono esposti al Museo della Preistoria di Les Eyzies.

Neolitico e simbolismo della fertilità

L'insediamento del Neolitico (dal 6.000 all'8.000 a.C.) aumentò il tasso di natalità, necessario per compensare la mortalità. Le statuette primitive scoperte in Europa durante questo periodo simboleggiano il mondo ciclico che deve essere costantemente rigenerato: nascita, vita, morte. Sono spesso figurine molto rotonde che illustrano la fertilità e la salute, poste su altari di famiglia o in luoghi sacri. La stele della Dea Mater, datata al I secolo a.C., scoperta nel torrente ai piedi dell'oppidum, a Naix-aux-Forges (Mosa) ricorda queste figurine. Forse la stele rappresenta una dea madre ed è accompagnata da due bambini e un cane; sulle sue ginocchia, si individua un cesto di frutta.

Rappresentazione del bambino nell'antichità

Nell'antichità, il bambino è rappresentato realisticamente: bambino in costume da bagno, bambini nudi. Gli artisti greci studiarono i corpi dei bambini, cercarono armonia e proporzioni e, perla prima volti, ossi diventano oggetto di ritrattistica. I Romani, molto influenzati dall'arte greca, svilupparono la ritrattistica nella scultura e nella pittura fino alla fine dell'impero. I gallo-romani adottarono l'usanza romana: dopo la nascita, il bambino veniva posto a terra, di fronte al pater familias. Se il padre lo sollevava da terra, significava che lo riconosceva e gli sarebbe strato dato tutto l'amore; non prenderlo, significava abbandonarlo al suo destino; il neonato moriva o diventava schiavo. I bambini erano trattati come inferiori agli adulti e non aveva diritti legali finché il loro padre è vivo. Il pater familias, fino alla sua morte, aveva un diritto legale di vita e di morte sui suoi figli, neonati o adulti.

Cristianesimo e concezione del bambino

Il Cristianesimo cambiò la concezione del bambino e l'infanticidio fu proibito. Nel Vangelo, Gesù invita ogni uomo a trovare il bambino che è in lui per accogliere il Regno di Dio, come riportato nel brano del Vangelo di San Marco (cap. X. versetti 14 e 15): "Lasciate che i fanciulli vengano a me, non glielo impedite, perché è ai loro simili che appartiene il Regno di Dio. In verità, vi dico, chi non accetta il Regno di Dio come fa un bambino, non vi entrerà”. Il rituale del battesimo è di grande importanza poiché, battezzato, il bambino morto diventa un angelo protettore. Il bambino è un essere incompiuto che deve essere modellato con manipolazioni e fasce e protetto da cure ritualizzate. I bambini si mescolano rapidamente con gli adulti. Nel Medioevo, l'infan è colui che non parla, ed è per questo che è considerato sacro. L'assenza di linguaggio nel piccolo umano è considerata un'infermità dovuta al peccato originale, perché fu colpa di Adamo ed Eva che causò la punizione divina infliggendo agli uomini il dolore del parto e l'incompletezza del bambino che non poteva. né parlare, né camminare.

Arte paleocristiana e simbolismo

Il gusto per le immagini è all'origine della prima arte cristiana. Dalla persecuzione alla luce, tra Occidente e Oriente, l'arte paleocristiana si afferma. L'iconografia, presa in prestito da Roma, porta un forte simbolismo. Su una lapide risalente al IV secolo, rinvenuta negli scavi della lunetta d'Arçon, a Metz, è inciso il seguente testo: HIC JACET QUI VIXS (IT) ANNUS III di (es) XLV: Qui riposa Paolo che visse 3 anni e 45 giorni. Il bambino era cristiano come indica il monogramma cruciforme. Dopo il nome, Paulus, è incisa una piccola palma, simbolo di resurrezione tra i primi cristiani.

Periodo carolingio e rappresentazione teologica

Il periodo carolingio corrisponde alla riaffermazione di un forte potere centrale, alla base di una rinascita delle arti. Nei manoscritti più antichi, il bambino è una creatura teologica, un piccolo Dio. Non ha nessuna delle caratteristiche dell'infanzia fisica. Questo Dio avendo preso la forma dell'uomo, in ciò che ha di più debole, la sua infanzia, è semplicemente rappresentato come un adulto miniaturizzato tra le braccia della Vergine Maria. L'arte romanica si sviluppò in una società rurale e religiosa. La scultura romanica mescola varie influenze (antiche, bizantine, orientali), con specificità regionali, Borgogna, Linguadoca, Italia. Sono essenzialmente la Vergine col Bambino, figure ieratiche che simboleggiano la Chiesa. I personaggi sono rigidi e non viene mostrata alcuna emozione. Maria non guarda suo figlio, ma lo spettatore. Gesù ha una testa adulta, con a volte l'inizio della calvizie dell'uomo fatto. Per gli artisti e i loro mecenati, è un puer senex, un vecchio bambino, una metafora della sapienza di Dio. La Vergine è a volte in piedi, spesso seduta in trono; il bambino, che mantiene un atteggiamento adulto, si mostra ai fedeli e l'atteggiamento dei due personaggi rimane rigido. Cominciano ad apparire le immagini della Natività.

Le statue della devozione si moltiplicano e diventano più espressive. I pittori italiani rendono le espressioni dei personaggi, i primitivi tedeschi come Jan Van Eyck giocano con la trasparenza e gli effetti della luce. La Madonna col Bambino conferma il tema del bambino nell'arte. È il caso della scultura lorenese del XIV secolo, con un gruppo stilisticamente ricco e coerente perché, durante il primo terzo del secolo, si sviluppò una vera e propria scuola che si spingeva fino a Colonia e oltre il Reno. L'itinerario della valle della Mosella promuove gli scambi e spiega il rapporto tra le opere e le sculture lorenesi di Aquisgrana, Magonza e persino Colonia. I volti cominciano a girarsi l'uno verso l'altro senza che gli occhi si incontrino. I volti si ammorbidiscono. La Vergine ha un modo più materno di tenere il bambino in braccio, su di un fianco. I bambini piccoli appaiono in salteri o manoscritti. Una miniatura riportata su di un manoscritto rappresenta la morte che afferra la mano di un piccolo nella sua culla, alludendo all'alta mortalità infantile che prevaleva all'epoca.

Rinascimento e umanizzazione del bambino

Mentre nel Medioevo tutto era subordinato alla religione, il Rinascimento si presenta come appropriazione del mondo da parte dell'uomo. Riscopriamo i testi dell'antichità considerati, come l'età d'oro dell'umanità. Prima in Italia, poi nel Nord Europa, Gesù assume il corpo di un vero bambino. È nudo o scarsamente vestito, con il sesso in generale ben messo in evidenza. La Chiesa vuole rappresentare il mistero dell'incarnazione: è necessario mostrare che Gesù era un neonato, che aveva fame e sete e che sua madre lo allattava. D'ora in poi, per rappresentare il Bambino Divino, gli artisti usano bambini reali come modelli, con risultati più o meno casuali nelle loro proporzioni. Nella pittura, troviamo molte Vergini e Bambino in piedi. Non sono più seduti e rigidi come una regina. I personaggi mostrano una certa umanità. Il bambino non è più un adulto in miniatura ma un bambino vero. Diversi dipinti fiamminghi del XV secolo, rappresentano un punto di svolta nella percezione del corpo del bambino. Nelle Madonne col Bambino italiane del XV e XVI secolo (Mantegna, Bellini, Cima da Conegliano, Correggio), i bambini sono più grandi, paffuti, con pieghe sulle cosce. Le differenze di morfologia dei bambini fiamminghi e dei bambini italiani si riferiscono a diverse scelte di età e criteri estetici. Può anche darsi che quelli del Nord privi di luce solare e vitamina D siano naturalmente più magri, persino rachitici, di quelli del Sud. Ma fragile o paffuto, il corpo di Gesù è sempre un corpo codificato, i cui elementi hanno un significato teologico. La testa si riferisce alla sua divinità, mentre i piedi o il sesso sottolineano la sua umanità. Se si addormenta dopo aver mangiato, non è perché è sazio: è un annuncio della sua morte. Anche se questo dipinto religioso è ispirato all'anatomia del bambino, il vero interesse per il bambino rimane secondario. Si tratta ancora di rappresentare colui che diventerà Cristo più che di dipingere l'infanzia. I ritratti di famiglia in cui i genitori sono raffigurati circondati dai loro figli, compresi i bambini in costume da bagno e talvolta i cuccioli morti, iniziano ad apparire per le persone reali o ad alta estrazione.

Ritratti di famiglia e simbolismo

I bambini ordinari ricevono una parte del lato sacro di Gesù, che sostiene la prima infanzia. Valorizzato da un'intera corrente di pittura, il corpo del bambino piccolo ha forme più generose, come nella vita di tutti i giorni quando i bambini sono grassi e paffuti. Dürer estende le proporzioni scoperte nel secolo precedente, in particolare con Leonardo da Vinci, per tenere conto dell'estrema diversità umana. Le specificità delle proporzioni del corpo del bambino, con una testa più grande di quella dell'adulto, sono stabilite, ma lasciano nell'ombra altre caratteristiche del corpo infantile, ad esempio le sue gambe che non sono mai perfettamente dritte. Nei ritratti di famiglia, ci sono tutti i fratelli, compresi i bambini morti, rappresentati in fasce, ad occhi chiusi. A volte viene data loro una forma di angelo, vale a dire, appartenente al mondo dei vivi così come al mondo dei morti.

Lo status del bambino sta cambiando, compresa la preoccupazione di distinguere i bambini dagli adulti, in funzione del loro abbigliamento; è un cambiamento difficile da interpretare perché la mortalità non è diminuita. I moralisti avanzano l'idea che i piccoli umani sono fragili creature di Dio che gli adulti devono proteggere e cambiare. Un nuovo interesse per il corpo del bambino si sviluppa grazie ai progressi dell'anatomia. Le autopsie di bambini sono di interesse per gli artisti, come dimostra il dipinto di Johan van Neck di una lezione di anatomia su un feto (1683). I ritratti di bambini si sviluppano in un contesto di crescente borghesia, dove il bambino è oggetto di investimento. Il bambino dipinto è serio, vestito con abiti pesanti, la fantasia non ha posto. La magnificenza dei ritratti indica quanto sia prezioso il bambino per i suoi genitori, quindi l'importanza della sua educazione a cui verrà prestata sempre maggiore attenzione. A differenza del secolo precedente, il bambino morto è rappresentato da solo, senza la sua famiglia, a volte con alcuni oggetti simbolici. Il bambino morto occupa un posto privilegiato nella sua stirpe, sacro perché vicino a Dio. In contrasto con la loro relativa esclusione dal campo sociale, che si riflette nel loro piccolo posto nella letteratura, "il bambino" è ovunque nella pittura e nella scultura, sotto l'effetto combinato di una tradizione aristocratica (ritratti di figli di famiglie nobili), una tradizione religiosa ancora prevalente (Gesù, cherubini) e un'impregnazione mitologica (putti, piccoli amori). Il putto viene introdotto nella pittura italiana a partire dalla fine del XVI secolo: rappresenta un'allegoria dell'animo umano e, talvolta, "è necessario riconoscere l'Eros ellenistico ritrovato" Pur rispettando i simboli prescritti dalla Chiesa, Gesù è dipinto con più realismo, sua Madre adora il Bambino con materna attenzione e tenerezza.

Idealizzato, portatore di speranza, il bambino passa dallo status di essere incompleto a quello di essere a pieno titolo, una visione che si rafforzerà fino ad oggi. Tuttavia, questo secolo ha visto la generalizzazione dell'affido, una grande tragedia della prima infanzia perché la mortalità è spaventosa. Tutte le classi sociali sono interessate: famiglie benestanti che sono state scoraggiate dalla cura del bambino; commercianti e artigiani a causa del lavoro delle madri; famiglie in povertà. Avendo egli stesso abbandonato i suoi figli nell'ospedale per trovatelli, Jean-Jacques Rousseau scrisse in Les confessions: "Tutto sommato, scelgo per i miei figli il meglio che pensavo di essere. Vorrei essere stato allevato e nutrito come loro”. La Vergine col Bambino si libera dalle catene della Chiesa, senza allontanarsi dalla dimensione simbolica e sacra. Sono più realistici, con una regolazione delle posture e degli sguardi o gesti teneri tra madre e figlio. L'abbondanza di neonati, teste di bambini piccoli, putti, putti durante questo periodo in cui molti neonati sono assenti dalle famiglie, perché posti e / o morti prima dell'età di uno, domande. Tutto accade come se tutti questi piccoli assenti fossero sostituiti da rappresentazioni inanimate.

Romanticismo e sensibilità artistica

Il Romanticismo affonda le sue radici nel XVIII secolo, raggiunge il suo apice nel 1824 e termina intorno al 1850. In reazione al peso morale del neoclassicismo, la sensibilità viene liberata e l'immaginazione ha la precedenza sulla ragione. Passione e intuizione guidano l'artista. Le raffigurazioni del bambino piccolo sono chiaramente distinte dagli adulti di entrambi i sessi per il loro abbigliamento. Jean-Siméon Chardin dipinge per la prima volta un bambino solo, L'enfant au toton (1738). Il bambino assorto nel suo mondo di giochi e sogni riflette il nuovo interesse dato all'infanzia. Dobbiamo menzionare, tra gli altri, anche le scene infantili di Fragonard. Nei suoi dipinti e disegni, l'artista molto spesso mette in scena bambini. La tenerezza e l'umorismo che regnano nelle sue opere lo distinguono dai contemporanei. Possiamo dire che è il pittore dell'infanzia. In letteratura, la publicazione de Émile ou de l'éducation (J-J. Rousseau, 1762) diffonde nuove idee al grande pubblico. La regola d'oro è lasciare che la natura faccia le sue cose, guidare il bambino in modo che cresca nella virtù e in armonia con la natura. Dobbiamo vietare la bambinaia e le pedagogie basate sulla punizione. Nonostante le critiche di Voltaire, che definì l'opera di Rousseau "il miscuglio di un'infermiera sciocca in quattro volumi", Rousseau ispirò molte madri d'élite che ora allattavano i loro figli invece di abbandonarli a bambinaie e servitori. Le relazioni familiari diventano più familiari e tenere. I genitori si preoccupano della salute dei piccoli, delle loro prime parole, dei loro primi passi, delle loro disposizioni e dei loro talenti. I bambini sono più presenti nella prosa e nella poesia dove rappresentano l'innocenza, la semplicità e l'emozione. Nelle autobiografie, l'infanzia diventa sempre più importante.

Progresso medico e consapevolezza sociale

Nonostante i progressi della medicina, le madri continuano a temere per la vita dei loro figli perché la mortalità rimane alta. La crescente consapevolezza tra l'élite che l'esistenza dei bambini dipende dalle condizioni di vita, dall'igiene e dalle abitudini sta lentamente guadagnando terreno. Verso la fine dell'Ottocento, fu la prevenzione a sembrare fondamentale per ridurre il numero degli abbandoni piuttosto che il moltiplicarsi degli ostacoli alla loro realizzazione, come la rimozione delle torri. La generalizzazione dell'allattamento al seno artificiale svolge un ruolo decisivo nella trasformazione delle strutture nutrizionali. Si diffonde nelle classi sociali nonostante il suo carattere pericoloso. Le bambinaie sono sostituite nelle classi borghesi da infermiere e governanti. Nelle classi lavoratrici, il collocamento continua a lungo.

Rivoluzione industriale e infanzia

L'abbandono dei bambini è dovuto alla totale indigenza di alcune madri. L'ospedale, spazio dei poveri, è ancora il luogo di asilo di questi bambini come ai tempi di San Vincenzo de' Paoli, fondatore nel XVII secolo delle congregazioni per alleviare la miseria. La rivoluzione industriale è stata uno sconvolgimento drammatico per i bambini. L'esodo rurale sta riducendo il numero di famiglie che migrano verso le città. Senza i più grandi a prendersi cura di loro, i bambini piccoli sono le prime vittime. La loro condizione si deteriora mentre il Romanticismo idealizza l'infanzia.

Rappresentazione artistica e fotografia

I pittori danno una posizione più dominante ai bambini. Sono il soggetto di ritratti che contribuiscono a una nuova visione romantica dell'infanzia che persisterà fino ad oggi. La vita, precedentemente vista come un'ascesa alla maturità, è percepita come una perdita di innocenza e freschezza dell'infanzia. L'infanzia rurale è rappresentata dai naturalisti, la miseria urbana dai realisti e i bambini coccolati dai pittori impressionisti. Berthe Morisot, l'americana Mary Cassat, in seguito Renoir, realizzò magnifici dipinti che celebravano la prima infanzia.

Lo sviluppo della fotografia ha cambiato le usanze relative alla rappresentazione del bambino morto. Il ritratto fotografico dopo la morte assume una grande grandezza. Meno costoso di un ritratto dipinto, l'immagine del defunto diventa accessibile a quante più persone possibile. Il bambino viene fotografato sul letto di morte, circondato o meno da oggetti, corona, mazzo di fiori, vestiti bianchi, candela, corona nuziale della madre. Queste fotografie sono esposte in casa o collocate sulla tomba del bambino.