Courbet, Gustave – Una sepoltura a Ornans

Una sepoltura a Ornans

Una sepoltura a Ornans è stato dipinto da Gustave Courbet, tra il 1849 e il 1850. Il pittore aveva 33 anni. L’opera che fu oggetto di una violenta polemica durante la presentazione al Salon de peinture del 1850: fu criticato per la volgarità e i critici accusarono Courbet di dipingere "il brutto", "il banale" e "l'ignobile".

Il contesto storico

Una sepoltura a Ornans diventò rapidamente il manifesto del realismo di cui Courbet sarà il leader; l’artista portò a termine il dipinto nel 1850, in un periodo cruciale per la storia della Francia come per la storia dell'arte moderna.

Luigi Filippo era stato deposto nel 1848 e l'anno seguente Luigi Napoleone Bonaparte, il futuro Napoleone III, fu eletto presidente della repubblica.

La rivoluzione industriale

Nel 1850, siamo in piena la rivoluzione industriale e gli impulsi spirituali dei romantici sono ormai superati di fronte al rapido sviluppo delle tecniche di produzione e all'apparizione di una nuova società.

Allo stesso tempo si formano due classi sociali con aspirazioni opposte: la borghesia diventa la classe dominante e tende a imporre le proprie concezioni politiche e morali, mentre la classe operaia cerca di esprimere le sue rivendicazioni. Gli intellettuali iniziano ad elaborare i fondamenti della dottrina socialista come Marx e Proudhon, di cui Courbet era l’amico e di cui dipinse il ritratto nel 1865. In questo contesto sociale, gli artisti, pur non schierandosi necessariamente dalla parte della classe operaia (Courbet partecipò alla Comune solo nel 1871), si distaccarono dalla borghesia che rifiutava le nuove forme d'arte. L'artista veramente innovativo tendeva a isolarsi ed emarginarsi: dopo la vita da “bohémien”, forma di esistenziale libera degli artisti romantici, la seconda metà dell'Ottocento vede la comparsa dell'immagine dell'artista maledetto, che non è più al servizio delle istituzioni e dei poteri in carica come succedeva prima, e che è compreso solo da una piccola élite intellettuale e artistica.

Il nuovo cimitero di Ornans

Dalla Rivoluzione in poi, a causa del crescente numero di decessi, le piccole dimensioni dei luoghi riservati alla sepoltura portano a trasferire i cimiteri fuori dai centri abitati, che fino ad allora, invece, tradizionalmente erano situati intorno alla chiesa del villaggio. A Ornans, la popolazione si oppose a questo trasferimento per decenni e fu solo nel settembre 1848 che fu inaugurato un nuovo cimitero fuori dal villaggio. Nel dipinto è proprio in questo nuovo cimitero, lontano dalla città, che avviene la sepoltura. I personaggi raggruppati nascondono le altre tombe e il muro di cinta del cimitero, il che ci porta a pensare che la fossa sia stata scavata in mezzo al nulla.

La scena del dipinto

Il pittore raffigura la scena in un momento specifico: il convoglio è appena entrato nel cimitero e si è diviso in tre gruppi (gli officianti, gli uomini e donne).
I temi della morte e della religione si mescolano insieme tramite la sepoltura; il rito funebre occupa un posto fondamentale nella quotidianità del tempo perché salda la comunità del villaggio nel dolore. Al di là del rito religioso stesso, l'universo dell'opera è carico di simboli legati alla religione e alla morte: nei Vangeli si dice che "durante l'agonia di Cristo, la terra tremò, si spezzò e fece germogliare il cranio di Adamo sepolto per millenni". Courbet ha raffigurato un teschio nel dipinto, a destra della fossa. Lo stesso teschio, insieme alle ossa incrociate e alle lacrime sul lenzuolo della morte, significa che "l'iniziato rinascerà a una nuova vita". In realtà, questo è l'universo della Massoneria e Courbet allude chiaramente alla tradizione massonica segreta di Ornans. Anche il cane, posto in primo piano, ha un valore simbolico. Infatti, in molte società, l'animale accompagna l'uomo nell'aldilà ed è spesso presente durante le cerimonie sacre

I personaggi del dipinto

I 27 personaggi pressati in doppia fila sono tutti abitanti di Ornans che Courbet aveva fatto posare uno ad uno nella sua bottega. Sono separati come avveniva in chiesa, uomini (a sinistra) e donne (a destra). Gli uomini indossano abiti neri e molti di loro portano cappelli a cilindro. Le donne indossano copricapi bianchi e cappucci neri; Molti di loro tengono in mano un fazzoletto bianco e piangono i morti. Dai dati degli archivi comunali e degli atti notarili, gli storici sono stati in grado di dare nomi a quasi tutti i personaggi, divisi in piccoli e distinti gruppi.

■ Il prete: vestito in pompa magna, indossa il costume funebre e legge i testi delle preghiere dal suo breviario che tiene in mano. È collocato di fronte al rivoluzionario che si trova dall'altra parte della fossa.

■ Il becchino: conosciamo le sue generalità, si chiama Antoine Joseph Cassard, figlio di un calzolaio e di un povero contadino, ha posato la giacca e il berretto di lana sui bordi della fossa che ha appena scavato, un particolare indicato il colore della terra. Attende l'arrivo della bara e s’inginocchia. Il suo sguardo, a metà della tela, è rivolto verso il gruppo degli "officianti dell'aldilà" e verso l'alta croce, ci conduce all'universo spirituale della cerimonia; invece, il resto del corpo, rivolto verso la fossa, attira l’osservatore verso "mondo sottostante" e nella sua realtà: la sepoltura del cadavere.

■ I quattro portantini: collocati a sinistra, portano guanti bianchi, abiti neri e grandi cappelli a tesa tonda. Sostengono la bara circondata da un lenzuolo bianco e rivolti dall'altra parte del cadavere (nelle campagne, il corpo è stato esposto diversi giorni prima della sepoltura e forse l’artista vuole evocare la pestilenza emanata dal morto). Probabilmente sono un calzolaio, un proprietario fondiario, un musicista (trovato nel dipinto Dopo cena a Ornans) e un proprietario. Questi ultimi due sono amici di Courbet.

■ I cinque sacrestani: stanno in fondo al cuore, a sinistra della bara e sono vestiti di bianco. Uno di questi è il portatore della croce; è un proprietario-enologo. Gli altri due sono rispettivamente un musicista e un calzolaio. All'estrema sinistra della tela dietro i portatori è forse rappresentato il nonno di Courbet morto un anno prima (qui non è visibile). Il gruppo di sacrestani è "collegato" al cielo dalla croce che sormonta la folla e dalle rupi sullo sfondo.

■ I due chierichetti: il primo alza la testa verso un portantino di ha sfiorato il cappello con un cero mentre il secondo, in primo piano, reca il vaso di acqua santa.

■ I due sagrestani: assicurano il regolare svolgimento della funzione religiosa. Quello a sinistra è un produttore di vino benestante mentre, quello a destra, è un modesto calzolaio modesto. Il colore rosso del loro costume e del loro cappello ci fa pensare ad una tela italiana del tardo Medioevo. Nella sacrestia della chiesa di Ornans è stato rinvenuto uno di questi cappelli.

■ Il gruppo degli uomini: in primo piano, il borghese e i notabili, un giudice di pace, il sindaco di Ornans, Prosper Teste, un ex gendarme diventato banchiere di pegni con un fazzoletto in mano e un ricco mugnaio nonché un avvocato, amico di Courbet. Sullo sfondo ci scorgono due amici d'infanzia del pittore: un ricco nullafacente scapolo e un facoltoso borghese.

■ I due rivoluzionari: indossano il costume tipico dei volontari tra il 1792 e il 1793 (cioè al tempo della Prima Repubblica), mezzo secolo prima. L'anno è il 1849 e Courbet ha assistito all'avvento della Seconda Repubblica nel 1848. Il primo indossa ghette bianche e il secondo, in primo piano, delle calze blu. Con la mano tesa verso la fossa, quest'ultimo sembra officiare contemporaneamente al sacerdote che sta di fronte a lui. Questo confronto tra Repubblica e Chiesa è da ricollegare all'impegno politico di Courbet, sostenitore della Comune di Parigi del 1871.

■ Il gruppo delle donne: In testa al corteo. in primo piano, possiamo individuare le donne facenti parte della famiglia Courbet. Sua madre e tre delle sue sorelle. La bambina all'estrema destra del dipinto è una cugina dell'artista.

Dettagli tecnici del dipinto

Courbet realizzò il suo dipinto nella soffitta della casa di famiglia a Ornans che servirà come suo studio per molti altri dipinti. A causa della pendenza del tetto, Courbet doveva dipingere su una parte della tela mentre arrotolava le parti destra o sinistra, precedentemente realizzate. Distinguiamo anche le cuciture che dividono la tela in tre terzi dall'alto verso il basso.

La tecnica pittorica

C'è un bianco a grana spessa (piombo) che dà una tonalità di ambra bruciata, evidente quando gli strati di vernice si sono asciugati. Questa tecnica ha oscurato il dipinto e ammorbidito i toni freddi; Le mani e i volti sono realizzati con un pennello e sottolineati con un bistro da tratti visibili. Le aree indeterminate del primo piano (terra) e dello sfondo (cielo, scogliera) sono state probabilmente realizzate con un coltello. L'onnipresenza del nero e bianco-nero non forma una massa uniforme; al contrario presenta sfumature antracite o bluastre. Le note violente del bianco vi si oppongono: le lenzuola dei portantini, l’abito del portacroce, la camicia del becchino, i cappelli e i fazzoletti delle donne così come il cane bianco macchiato di nero in primo piano. Da notare che il lenzuolo della morte, che non è nero o viola come vuole la tradizione, è di una tonalità particolare di bluastro. Courbet ha usato questa tonalità di raso bianco per "recuperare" un grande squilibrio nella tela tra bianchi di minoranza e neri dominanti. La tavolozza dei colori comprende, oltre al bianco e nero, tocchi di colori vivaci che punteggiano la tela. Il rosso vermiglio dei sagrestani e dei chierichetti, il giallo ramato del portafiori del crocifisso, il verde oliva della camicia su cui è inginocchiato il becchino, le calze blu, i pantaloni verdi, il cappotto grigio e il gilet marrone del rivoluzionario formano un "insieme colorata" che attraversa la tela e contrasta con il triste evento che è la sepoltura.

La costruzione geometrica

La tela di Courbet obbedisce a una costruzione geometrica:

■ Prima di tutto, se seguiamo le linee formate dalle scogliere sullo sfondo e dai piedi della folla in primo piano (in blu), vediamo che il cielo intriso di spiritualità grazie a Cristo, si oppone alla terra e alla fossa dove sarà sepolto il cadavere.

■ La bara è inclinata lungo la diagonale del rettangolo formato dalla linea dell'orizzonte e dal bordo inferiore della tela (in giallo). La bara è piegata con la stessa inclinazione del ramo orizzontale del crocifisso e se prolunghiamo la diagonale, scopriamo che è come se essa si tuffasse verso il becchino, e nella fossa, dove è destinata ad essere sepolta.

■ Infine, l'estensione dei rami del crocifisso (in bianco) mostra una diagonale che attraversa il cielo, sopra la folla. Distinguiamo anche un asse che va dalla terra al cielo: passa attraverso il vaso dell'acqua santa, il chierichetto che è fatto la comunione, il portatore di croce sposato e infine attraverso il crocifisso e il corpo di Cristo. Courbet potrebbe quindi aver rappresentato il viaggio della vita attraverso i sacramenti cristiani, dalla nascita alla morte, e anche la vita dopo la morte. La croce del crocifisso e la croce sulla bara (evidenziate in nero) formano due croci scure, ben visibili sui loro sfondi chiari; il simbolo della religione cristiana si contrappone ad uno dei simboli della Massoneria.

La critica e il realismo

Il dipinto fu presentato al Salon de peinture del 1850 dove, nonostante la medaglia di seconda classe che ottenne, fu accolto molto male dalla critica, indignata nel vedere un'opera così grande (6,68 metri per 3,15 metri) trattare un "aneddoto" popolare con tale gravità. Il formato panoramico era poi riservato a grandi scene storiche, mitologiche o religiose. Questa messa in discussione della gerarchia di genere scioccò i critici. Per la maggior parte di quest’ultimi, la pittura di Courbet è stata paragonata a un'arte "socialista". Le reazioni furono violente: "È possibile dipingere persone così orribili?", si chiedono i borghesi in un disegno di Honoré Daumier. I critici hanno descritto i personaggi come "vili caricature che ispirano disgusto e provocano risate". Sembra che il pennello dell’artista si abbandonasse all'imitazione sistematica della natura banale e orribile, che le sue preferenze siano rivolte al tipo grottesco, a tutte le deformità della bruttezza fisica".

La tela, a causa della moltiplicazione di questo tipo di critica, fu rifiutata all'Esposizione Universale del 1855. Poi, Courbet finanziò il suo padiglione, proprio di fronte ed espose 40 dei suoi dipinti dichiarandosi seguace del Realismo. A questi critici, Courbet rispose: "Non ho mai avuto altri maestri nella pittura all’infuori della natura e della tradizione, del pubblico e del lavoro". Questa è la definizione della nuova corrente di cui egli divenne il leader nel 1847: il Realismo.

La risposta di Courbet

Courbet ha anche dichiarato: "Ritengo quindi che la pittura sia un'arte essenzialmente concreta e possa consistere solo nella rappresentazione di cose reali ed esistenti (...) di tutti gli oggetti visibili; un oggetto astratto, non visibile, inesistente non è nel regno della pittura". In questo modo, egli vuole spazzare via l'ipocrisia e l'accademismo dei pittori imborghesiti del Salon e mostrare la cruda realtà della provincia, il mondo della campagna e dei suoi poveri abitanti.

L'eredità di Courbet

Oggi, a causa dell'impegno politico e artistico di Courbet, l'opera ha sollevato e solleva ancora molte domande, soprattutto sull'identità della persona morta. Potrebbe essere sua sorella Clarisse, morta quando aveva 15 anni, espellendo così il suo rimorso personale ed esponendo il suo lutto al pubblico attraverso la pittura? Da un punto di vista simbolico, si tratta di una "previsione" dell'imminente sepoltura della Seconda Repubblica nel 1852 e dell'avvento del Secondo Impero di Luigi Napoleone Bonaparte? O la sepoltura del romanticismo da cui Delacroix aveva già iniziato a emanciparsi? In ogni caso, il fatto che il dibattito persista ancora oggi testimonia il grande genio che fu Gustave Courbet, un pittore innovativo e provocatorio che sconvolse la vita artistica del suo tempo, e influenzerà l'arte del XIX e XX secolo.