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LE  NEZ  -­‐    GOGOL    fatto  con  la  stessa  tecnica  di  sti  spilli  che  poi  muove,  è  l’incubo  in  cui  perde  il  naso  

à

 

OPTA  ENFANGTà  filmato  fatto  per  una  radio  tedesc  

 

L’OREALà  prende  direttamente  spunto  ds  Man  Ray  e  i  suoi  studi  sulle  ombre  sul  corpo  della  donna    

 

LA  SEVE  DE  LA  TERRE    filmato  fatto  per  la  esso    

à

 

OSRAMà  atto  per  una  marca  di  lampadine  

 

L’OREAL  2 à    

 

STAN  BRAKHAGE  

Utilizzava  pure  lui  la  pellicola  come  se  fosse  una  tela,  sempre  cinema  d’artista  e  sperimentazioni  d’artistaà  utilizza  

anche  lui  molti  scratch  film.  

 

ACID  MOTHERS  TEMPLEà  utilizza  la  pellicola  riprendendo  pollock  con  delle  specie  di  macchie  

 

NORMAN  MCLAREN    

Al  GPO  m  anche  al  National  Film  Board  in  Canada  si  forma,  è  scozzese  e  nasce  come  giornalista,  fa  reportage  per  la  

guerra  civile  e  poi  si  sposta  verso  l’animazione.  

Lui  viene  invitatao  al  national  film  canada  qualcosa  a  dirigere  il  dipartimento  che  aveva  anche  degli  intenti  educativi.  

Un’animazione  così  astratta  non  aveva  mai  avuto  un  riconoscimento.  

Utilizza  tecniche  molto  diverse  tra  loro,  passa  da  animazione  dirette  a  tecniche  più  complesse.  

Gli  interessa  non  solo  la  pellicola  a  livello  visivo  ma  anche  a  livello  sonoro,  coniugando  esperienza  e  virtuosismo  

tecnico  con  gusto  formale  e  senso  del  ritmo  e  della  musica  con  uno  stile  preciso,  raffinato,  rigoroso  e  a  tratti  un  po’  

freddo.  È  l’iniziatore  della  PIXELLATIONà  usa  oggetti  e  persone  per  farli  muovere  a  passo  uno.  Se  si  ha  una  stanza  

questi  possono  essere  animati  spostandoli  un  fotogramma  alla  volta.  Il  corpo  e  il  seti  rientrano  così  nella  storia  del  

cinema  

 

DOTà  utilizza  molte  lingue  perché  aveva  un  intendo  educativo.  È  disegnato  direttamente  su  pellicola  da  35mm  con  

una  penna  ad  inchiostro.    

 

A  CHAIRY  TALEà  57  c’è  un  idea  di  tempo  bloccato,  di  manipolazione  del  tempo  e  di  utilizzo  del  corpo  umano.  Gli  

oggetti  diventano  personaggi  a  tutti  gli  effetti  denotando  anche  un  carattere.  Usa  la  tecnica  del  reselection  (?)  a  passo  

uno,  utilizza  variazioni  della  velocità  ma  anche  i  fili.  Ha  una  musica  orientale  che  deve  essere  il  dialogo  tra  culture  

diverse  e  la  possibilità  di  lavorare  e  capirsi.  È  una  sorta  di  effetto  Melie  potenziato.  I  temi  evidenziati  sono  quelli  della  

magia  e  quello  del  trucco  che  rende  leggero  un’oggetto  per  antonomasia  pesante.  

 

NEIGHBOURSà  sempre  l’intento  sociale  di  comunicare  tra  culture  diverse.  Gli  hanno  fatto  vinecere  il  premio  come  il  

miglior  cortometraggio  

   

LUXO  JR  (?)  –  1986  PIXARà  grazie  al  lavoro  di  mc  laren  questo  corto  è  stato  realizzato    

 

HERRY  SMITH  

Negli  anni  50  nasce  un  nuovo  modo  di  fare  i  film  astratti.  Smith  è  molto  sconosciuto,  che  ha  lavorato  in  maniera  strana  

perché  è  un  po’  di  tutto.  Ha  una  iconografia  molto  esoterica,  che  guarda  anche  all’oriente  e  all’alchimia  medievale.  

Le  sue  animazioni  sono  dei  grandi  COLLAGES  animati.    

Questa  mancanza  di  stile  era  quello  che  voleva  perché  erano  delle  semplici  sperimentazioni.  

I  riferimenti  arrivano  dalla  cultura  indiana,  degli  indiani  d’america  (come  McLaren  che  utilizza  musica  derivante  da  

un’altra  cultura).  Tutta  questa  ricerca  arriva  dal  mondo  degli  hippy  con  l’uso  di  nuove  droghe  per  avere  

un’alterazione  del  visivo.  

 

N°10à  una  serie  di  immagini  bidimensionali  si  articola  in  una  coreografia  virtuale  all’interno  di  una  stanza  disegnata.  

Le  fonti  visive  sono  le  più  disparate  che  provengono  da  varie  civiltà  che  si  mescolano.  

 

N°11à  siamo  all’interno  di  una  stanza  dove  i  personaggi  fanno  delle  coreografie  reinventandosi  ogni  volta.  Aveva  

chiamato  un  famoso  musicista  per  musicare  questo  brano,  Thelonious  Monk.  Le  figure  utilizzate  sono  praticamente  le  

stesse  del  N°10  solo  che  adesso  c’è  uno  stretto  legame  con  la  musica  e  ogni  singola  parte  si  muove  a  tempo  con  il  

brano.  L’atmosfera  che  ricrea  è  quella  di  una  galleria  d’arte  dove  i  quadri  si  muovono  a  tempo  di  musica.  Le  scelte  

cromatiche  sono  molto  vicine  a  quelle  della  psichedelia  

 

MIRROR  ANIMATIONà  Ha  una  grande  capacità  di  mescolare  molti  elementi  assieme.  Lavora  in  maniera  indipendente  

comuqneu    

 

TONY  CONRAD  –  anni  60  

Non  è  ancora  morto.  

Nasce  come  matematico  e  musicista.  

I  concetti  del  flickering  viene  utilizzato  ancora  oggi  ed  è  un  precursore  del  montaggio  velocizzato    vedi  concerto  dei  

à

massive  attack.  

Inizia  una  sperimentazione  che  chiama   puntillismoà  è  una  composizione  sperimentale  che  lavora  su  una  serie  di  

composizioni  di  suoni  elettronici  brevissimi.  Quindi  già  nehli  anni  60  c’era  una  sperimentazione  musicale  all’interno  

dei  film  (in  realtà  comincia  già  negli  anni  20)    

 

THE  FLICKERà  Utilizza  una  tecnica  di  FILCKERING  dove  i  fotogrammi  bianchi  e  neri  sono  alternati  per  sfidare  l’ottica  

degli  spettatori  diventando  quasi  una  sfida  visiva  (venivano  proiettate  solo  in  presenza  di  un  medico)  per  far  

comparire  colori  e  forme  in  realtà  non  esistenti  facendone  un’esperienza  visiva  estrema.  

  ADAM  CURTIS     i  massive  attak  gli  chiedono  di  fare  il  video  portandogli  un’artista  che  è  molto  innovativo,  

à

sono  anche  politicamente  impegnati.  Con  le  sue  immagini  ci  ricorda  che  la  tecnologia  ci  può  uccidere,  che  ci  

controlla  ecc  ecc  

 

PAUL  SHARITS  

Usa  il  flickering  ma  utilizzando  delle  immagini  figurative  che  rimangono  riconoscibili  (sono  sempre  immagini  brevi  e  

ripetute).  

 

T.O.U.C.H.I.N.G.    corto  realizzato  con  il  flickering  dove  utilizza  immagini  di  una  coppia  che  fa  l’amore.  Vuole  simulare  

à

con  la  comparsa  di  forme  il  loro  movimento  minimale  e  ritmico.  

 

JAMES  BRIDLE  

Artista  che  dice  che  i  droni  esistono  ma  che  molte  volte  non  si  vedono.  Molto  spesso  ci  sono  nelle  zone  di  guerra  

Ha  disegnato  l’ombra  id  un  drone  su  una  scuola  a  Istambul.  

 

HYTE  STEYERL  

Si  inventa  una  performance  in  cui  la  gente  diventa  un  pixel,  contro  il  fatto  che  siamo  fin  troppo  visibili  e  essere  invibili  nel  

nostro  mondo.  

Fa  un’altra  performance  dove  rompe  uno  schermo  come  segno  di  protesta    

 

PETER  TSCHERKASSLY  

È  un  regista  che  utilizza  sempre  flickering,  si  rende  consapevole  lo  spettatore  delle  manipolazioni  che  si  fa  sullo  spettatore  

 

Una  nuova  tecnologia  si  affaccia  nell’animazione:  la  COMPUTER  GRAFICA.    

Negli  USA  comincia  l’abitudine  di  dotare  le  grandi  industrie  di  strutture  laboratoriali  in  cui  si  possano  

sperimentare  anche  le  potenzialità  delle  loro  risorse.  L’IBM  fù  la  prima  a  capire  la  potenzialità  di  queste  

sperimentazioni  cominciando  una  serie  di  studi  per  quanto  riguardava  la  grafica  dello  schermo  e  l’utilizzo  di  

immagini  semplificate.  

Nella  COMPUTER  GRAFICA  il  concetto  di  passo  uno  si  adatta  solo  in  parte,  l’animazione  di  oggetti  è  gestita  

come  frame  e  quindi  una  serie  di  numeri  per  il  computer  ma  è  nella  fase  finita,  di  renderizzazione,  che  

vediamo  l’immagine  che  somiglia  al  processo  di  animazione  a  passo  uno.  Questa  tecnologia  mette  in  relazione  

sia  l’uso  di  un’entità  discreta  sia  il  concetto  di  flusso.  

 

JHON  WHITNEY  &  JAMES  WHITNEY  

Si  comincia  a  lavorare  con  la  computer  grafica  (grazie  all’IBM  che  fa  speriemntazioni),  si  intuisce  che  si  può  fare  

un’utilizzo  artistico  e  non  solo  commerciale.  Invitano  degli  artisti  a  lavorare  in  questi  centri  di  ricerca.  

È  un  persnaggio  simpatico  che  comincia  a  fare  film  con  tecniche  sperimentale  (forme  geometriche  ripetute,  purezza  

delle  forme).  Viene  notato  da  un’artista  dell’IBM  e  lo  invita  a  lavorare  per  loro.  

Realizza  i  suoi  primi  film  utilizzando  un  computer  costruito  da  un  cannone  antiaereo  perché  vuole  vedere  quanto  è  

possiblie  sperimentare  in  un  periodo  in  cui  i  pc  erano  sperimentali,  deve  trovare  un  modo  per  visualizzare  le  

immagini.  JHON  CITRON,  scenziato  per  l’IBM,  nota  il  suo  lavoro  ed  elabora  un  programma  per  variare  figure  semplici  

in  fugure  complesse  e  Whitney  elabora  un  sistema  per  registrare  le  sue  sperimentazioni  visive.  

Lavora  assieme  a  SAUL  BASS  per  i  titoli  di  VERTIGO  perché  realizza  il  software  con  cui  hanno  fatto  i  titoli.    

La  sigla  di  2001  odissea  nello  spazio  vengono  fatti  da  stò  qua  e  gli  hanno  fatto  avere  un  premio  per  i  suoi  titoli.  

Questi  suoi  strumenti  gli  fecero  avere  una  fama  mondiale.  

 

CATALOGà  mette  in  atto  le  potenzialità  del  digitale  e  del  software  sviluppato  da  Citron.  Sono  una  serie  di  immagini  

poste  l’uno  sopra  l’altra  senza  particolare  attenzione  al  montaggio.  Ritorna  la  questione  musicale:  utilizza  una  musica  

indiana  dove  il  film  inizia  con  un  esplicito  riferimento  alla  forma  del  MANDALA.    

Utilizza  la  tecnica  della  RECURSIVITàà  tecnica  che  si  basa  sulla  ripetizione  che  può  creare  immagini  o  texture.  Con  

questa  tecnica  si  ha  l’evidenzazione  del  singolo  pixel  che  è  una  metafora  della  singola  cellula,  rimandando  al  suo  

legame  scientifico.    

In  questo  film  si  ha  la  coniugazione  di  uno  stile  visivo  ma  anche  uno  tecnologico  in  quanto  si  hanno  delle  linee  che  si  

ritorcono  su  loro  stesse  in  un  complesso  sistema  di  spirali  e  si  elementi  geometrici  che  è  frutto  di  un’equazione  

matematica.  Con  la  musica  indiana  si  ha  un  contrasto  interessante.    

 

MATRIX  IIIà  utilizza  la  musica  per  parlare  dell’integrazione  di  altre  culture  nel  mood  tipico  della  california  di  quagli  

anni.  Si  ha  una  sensazione  di  tridimensionalità  dalla  dall’utilizzo  della  recursività.  Visualizza  un  brano  di  Terry  Riley  

basato  sulla  tecnica  del  phasing,  cioè  la  ripetizione,  sfasata  nel  tempo  di  tracce  musicali  che  suonano  le  stesse  note.  

Adesso  si  ha  un  processo  di  creazione  e  montaggio  delle  immagini  uguale  a  quello  usato  per  creare  musica  

 

ARABESQUE    riprende  gli  arabeschi  con  immagini  geometriche  che  ora  si  susseguono  rigide  e  poi  sinuose.  

à

 

LAPISà  realizzato  da  JAMES  WITHNEY,  collaboratore  anche  del  fratello,  realizza  un  viaggio  nelle  spirali  mandaliche  

con  interventi  manuali  e  di  sovrapposizione  che  rendono  più  naturali  le  forme  coinvolte  e  firma  i  suoi  corti  con  il  

simbolo  dell’uroboro.  Dal  quale  si  avvince  le  influenze  esoteriche.  

 

PREMUTATIONSà  adesso  si  hanno  forme  più  pulite.  Sono  sperimentazioni  fini  a  sé  stesse.  Sono  sperimentazioni  che  

fanno  arrivare  ad  un  cambiamento  dell’immaginario  collettivo    

 

STAN  VAN  DERBEEK  

Anche  lui  lavora  all’IBM.  È  autore  di  opere  diseguali  che  utilizzando  l’idea  di  tridimensionalità  simulata.    

 

MOIRAGEà  sono  strutture  in  movimento  con  una  loro  superfice  ben  definita  

 

EUCLIDEAN  ILLUSIONà  è  una  sorta  di  manifesto  che  dichiara  in  maniera  esplicità  i  legami  profondi  fra  le  teorie  

geometriche  dello  spazio  e  le  invienzioni  formali  del  mondo  dell’arte  digitale.  

 

ED  EMSHWILLER  

Faceva  videoarte.  

Lavora  anche  con  Hitchcock  per  i  titoli  di  testa  di  vertigo  e  Kubrick  per  collaborare  agli  effetti  speciali  di  2001:  

Odissea  nello  spazio.  

 

SUNSTONE    Siamo  nel  79  e  ci  sono  ancora  i  computer  complessi  e  crea  un  volto  fatto  da  un  cerchio  perfettamente  

à

geometrico  (il  cerchio  sarà  uno  dei  temi  ricorrenti),  di  una  luna  o  di  un  sole,  che  spunta  da  una  superfice  grigistra  che  

ricorda  la  sabbia,  sbatte  gli  occhi  e  ci  fissa  direttamente  in  macchina  ed  è  molto  importante  perchè  abbiamo  il  primo  

sguardo  in  macchina  di  un’immagine  sintetica.  Il  volto  chiude  gli  occhi  e  dalla  bocca  esce  una  specie  di  lingua  che  

comincia  a  volteggiare  sul  visto,  la  lingua  è  abitata,  alle  due  estremità,  da  due  elementi:  un’occhio  che  si  apre  e  si  

chiude  e  una  forma  che  assomiglia  alla  cellula.  La  lingue  si  posiziona  in  verticale  in  mezzo  alla  fronte  e  dalla  fessura  

creata  compare  un  terzo  occhio  che  si  apre.  Dal  terzo  occhio  si  sprigionano  una  serie  di  crepe  che  sembrano  

pietrificare  il  volto.  Successivamente  si  sprigionano  dei  raggi  colorati  che  avvolgono  il  viso  per  renderlo  di  nuovo  

visibile  mentre  sorride  enigmatico.  

Ci  sono  più  interpretazioni:  

-­‐ la  lingua  che  vola  per  posizionarsi  in  mezzo  alla  fronte  è  la  parola  che  vola  in  una  dimensione  in  cui  gli  occhi  si  

chiudono,  cioè  quella  del  sonno,  e  si  trasforma  in  un  occhio  che  è  il  simbolo  del  linguaggio  onirico.  La  lingua  

che  si  posiziona  verticalemnte  è  un  riferimento  al  sesso  femminile:  il  linguaggio  della  mente  razionale  è  in  

grado  effettivamente  di  generare  qualcosa,  infatti  nasce  un’occhio  che  può  essere  il  simbolo  di  una  conoscenza  

superiore.  Il  sole  è  collegato  alla  figura  maschile  ma  non  può  genare  da  sé  forme  di  vita;  quindi  quella  vagina  

completa  il  ruolo  simbolico  della  figura  maschile.  

Si  può  affermare  che  il  linguaggio  fuoriuscito  dalle  strutture  della  logica  consequenziale  verbale  sprigioni  

tutta  la  sua  energia  creativa  nel  momento  in  cui  entra  nel  mondo  dei  sogni.  La  figura  ha  anche  delle  

somiglianze  con  un  certo  tipo  di  iconografia  orientale  e  questo  terzo  occhio  sprigiona  una  luce  assimilabile  a  

quella  del  SESTO  CAKRA.  

-­‐ quel  sole  assomiglia  molto  ad  una  luna,  soprattutto  alle  immagini  dei  calendari  lunari  e  soprattutto  ha  dei  

chiari  riferimenti  visivi  all’elemento  del  MERCURIO.  

C’è  un  riferimento  chiaro  alla  tradizione  alchimista  esoterica.  La  luce  che  si  sprigiona  è  oro,  definito  dagli  

alchimisti  come  “il  sole  dei  metalli”,  mentre  la  luna  è  il  simbolo  della  luce  che  si  trasforma  in  acqua  viva  prima  

di  diffondere  la  sua  luce.  Questa  figura  subisce  una  serie  di  trasformazioni  materiali  che  la  conducono  da  uno  

stato  acquatico,  attraverso  uno  stato  solido  a  quello  di  sostanza  luminosa.  All’inizio  del  video  sentiamo  quello  

che  sembra  essere  un  soffio  d’aria  che  accompagna  il  sorgere  della  pietra,  evidentemente  l’autore  elenca  tutti  

glie  lementi  fondanti  dell’universo  e  della  ricerca  alchemica:  acqua,  aria,  terra  e  fuoco.    

-­‐ la  PIETRIFICAZIONE  che  subisce  il  viso  è  un’avvenimento  che  ha  a  che  fare  con  gli  occhi,  come  per  la  gorgone.  

La  pietra  è  quindi  una  sostanza  che  denota  una  zona  di  metamorfosi  delle  sostanze  da  uno  stato  vitale  a  uno  

stato  inerte  e  viceversa.  La  pietra  grezza  viene  vista  come  una  sorta  di  stato  di  perfezione  legato  

all’androginia,  come  il  volto.    

L’ambiguità  è  che  il  volto  sia  qualcosa  di  indefinito  che  aspetta  qualche  cosa  per  completarsi:  quello  che  

stiamo  osservando  è  il  processo  grazie  al  quale  si  può  ottenere  l’unione  di  due  opposti  che  crea  una  sostanza  

nuova  cioè  la  pietra  filosofale.  

Scopriamo  in  realtà  che  il  viso  occupa  solo  uan  faccia  di  un  cubo  fatto  di  immagini,  un  cubo  formato  da  immagini  

bidimensionali  e  separate.  

Il  cubo  si  avvicina  mostrandoci  un’ultima  faccia  con  un  magma  coloratissimo  fatto  di  fasci  di  energia  dove  una  figura  

umana  fuori  campo  entra  e  raccoglie  qualcosa  e  se  ne  và  e  entra  una  seconda  figura.  

Quello  che  mette  in  gioco  Emshwiller  sono  i  piani  di  dimensioni  parallele.  

È  il  passaggio  di  un  corpo  umano  nel  magma  indefinito  e  multicolore  dell’energia  e  dell’immagine  video,  possibile  

transito  tra  finito  ed  infinito.  

Il  video  si  conclude  con  una  serie  di  immagini  fisse  che  cambiano  colore  di  viso,  posizionato  all’interno  di  un  viso  più  

grande,  che  ci  rimanda  a  delle  figure  molecolari.  

 

Il  canale  televisivo  Channel  Four  e  l’istituzione  del  Birtish  Film  Institute,  hanno  dato  il  via  ad  una  vera  e  

propria  invasione  di  pixellation  usata  nei  cortometraggi  d’animazione  rivolti  ad  un  pubblico  più  adulto.  

 

JAN  SVANKMAJER  

Prende  come  riferimento  il  surrealismo  ceco,  ha  avuto  esperienze  anche  nel  teatro  delle  marionette.  Usa  la  pixellation  

con  delle  situazioni  paradossali,  con  una  impossibilità  di  dialogo  ma  anche  dei  finali  amari.  Sosteneva  di  voler  torvare  

un  dialogo  ma  questa  ricerca  è  infinita.  La  pixellation  è  una  sorta  di  continuo  del  suo  retaggio  del  teatro  delle  

marionette.  

Ha  un  gusto  molto  surreale:  utilizza  le  marionette  e  la  cera,  utilizza  particolari  iconografie  anche  come  Alice.  

Si  ispira  anche  all’arcinboldo.  

L’autore  trasforma  i  suoi  personaggi  in  supermarionette  dove  la  tecnica  viene  utilizzata  non  solo  per  stupire  ma  come  

stratagemma  per  fare  a  meno  della  voce,  in  moda  da  far  recitare  i  corpi  senza  dover  usare  il  dialogo.  

Caratteristicheà  suoni  esasperati  (creano  un’effetto  strano),  sequenze  di  gente  che  mangia,  sequenze  molto  

accellerate  che  creano  distrurbo,  oggetti  inanimati  che  si  animano  con  lo  stop  motion.  

Lavora  per  Channel  Four  e  anche  per  MTV.  

 

IMPOSSIBILITà  DI  UN  DIALOGO    utilizza  svariati  materiali.  Usa  L’Arcimboldo,  pittore  italiano  che  lavorava  a  Praga,  

à

dove  utilizza  molti  materiali  diversi  per  dare  un’idea  di  surrealtà.  Il  cinema  che  pur  senza  parole  racconta  le  emozioni  

primarie  rendendole  evidenti.  C’è  anche  un  richiamo  a  il  tizio  di  inzio  appunti  del  hotel  elettrico.    

 

WUNDERKAMMERNà  da  scoperta  dell’america  lui  si  costruisce  una  specie  di  coso  delle  curiosità.  Lui  costruiva  delle  

specie  di  tassonomie.    lui  conosce  tutte  queste  cose  a  Praga.  

à

 

HISTORIA  NATURAEà  primo  riferimento  ad  arcimboldo  

 

ALICEà  riesce  a  trasformare  il  racconto  che  generalmente  viene  presentato  in  maniera  fantasiosa  con  lui  diventa  

grottesco  con  dialoghi  particolari  e  inquietanti.  Lavora  sulla  trasformazioni  di  oggetti  e  materie  

 

FOODà  prodotto  da  Channel  4.  È  dviso  in  tre  parti,  ognuna  riferita  ad  un  momento  della  giornata  dedicato  al  cibo:  

colazione,  pranzo  e  cena.  Il  primo  BREAKFAST  è  ambientato  in  una  stanza  spoglia  e  poco  pulita  dove  entra  un  uomo  

(mosso  dalla  tecnica  della  pixellation  che  gli  dà  un  movimento  molto  innaturale)  mettendo  il  suo  cappello  in  un  porta  

abiti  appoggiato  alla  parete,  dall’altro  capo  del  tavolo  c’è  un  uomo  che  sembra  addormentato.  Il  primo  uomo  pulisce  la  

tavola  buttando  a  terra  un  vassoio  con  dei  resti  di  cibo.  L’uomo  davanti  a  lui  ha  delle  istruzioni  appese  al  collo,  il  

primo  si  mette  gli  occhiali  e  le  legge,  prende  delle  monetine  dalla  giacca  e  ficca  la  mano  in  bocca  al  secondo  uomo  e  

mette  le  monete  sulla  sua  lingu  (la  deformazione  della  faccia  è  possibile  grazie  all’utilizzo  di  una  maschera  di  

plastilina).  Gli  ficca  un  dito  nell’occhio  e  noi  sentiamo  il  rumore  di  meccanismi  e  vediamo  una  carrucola  salre  lungo  un  

tunnel  all’interno  del  petto  dell’uomo,  il  vassoio  venuto  su  ha  un  wurstel,  senape,  una  bibita  e  un  pezzo  di  pane.  Il  

primo  uomo  dà  un  cazzotto  in  faccia  al  secondo  e  dalle  orecchie  escono  coltello  e  forchetta  e  l’uomo  comincia  a  

mangiare.  Dà  un  calcio  allo  stinco  del  secondo  e  esce  dal  taschino  un  tovagliolo.  Il  primo  uomo  si  agita  emettendo  

suoni  metallici  e  si  addormenta:  il  secondo  si  risveglia,  si  toglie  le  istruzioni,  le  mette  al  collo  del  primo,  prende  

cappotto  e  cappello  e  se  ne  và.  Entra  un  terzo  uomo  e  tutta  la  scena  viene  ripetuta.  Alla  fine  vediamo  fuori  dalla  porta  

una  lunghissima  fila  di  persone  in  attesa.  

Il  tessuto  narrativo  è  assurdo  e  grottesco,  ci  sono  molteplici  livelli  di  lettura:  

-­‐ la  perdita  del  valore  del  momento  del  cibo,  non  è  più  un  rituale  ma  seriale.  Ci  descrive  un  fast  food  fatto  di  una  

feroce  economia:  la  stanza  è  spoglia,  le  pareti  scrostate  e  non  ci  sono  camerieri,  il  tutto  riforzato  dall’hot  dog  

mangiato  dal  protagonista.  

-­‐ I  corpi  che  si  cibano  in  maniera  seriale  diventano  merce  essi  stessi  n  un  meccanismo  di  perdita  del  senso  di  

essere  umano.  

-­‐ La  fila  che  ci  fa  vedere  rientra  nello  stereotipo  occidentale  nei  confronti  dei  paesi  dell’est  europa.  La  

sensazione  che  si  ha  è  quella  di  un  goffo  tentativo  di  un’ambiente  che  non  ha  la  tradizione  culturale  né  il  

capitale  necessario  per  realizzare  un  vero  fast  food.  

 

STAREVICH  

È  un  grande  animatore  degli  anni  20  di  San  Pietrourgo  e  poi  a  Parigi,  ha  sempre  lavorato  sull’animazione  degli  oggetti  

e  sulla  trasformazione  dei  corpi.  

È  il  padre  di  svankmejer.  

 

FILMATOà  ritorna  sempre  l’idea  della  fiaba  

 

FRATELLI  QUAY    

Lavorano  per  un  sacco  di  cose  e  sono  un  po’  gli  ultimi  della  serie  di  animatori  pazzi  

Fanno  le  copertine  di  libri  e  videoclip  per  gruppi  musicali  per  poi  spostarsi  verso  l’animazione,  in  realtà  sono  

americani  ma  amano  molto  le  illustrazioni  cecoslovacche.  Lavorano  anche  per  MTV.  

I  loro  film  sono  visti  come  delle  favole  noir  dove  incasellano  quadri  in  movimento  dove  suggeriscono  atmosfere  

infantili  e  inquietanti  con  un  filo  conduttore  fatto  di  azioni  e  accadimenti  dominati  dall’irrazionale.  

 

THE  STREET  OF  CROCODYLEà  la  pixellatio  non  viene  utilizzata  solo  per  muovere  i  personaggi  ma  anche  per  

muovere  la  macchina  da  presa.  In  questo  cortometraggio,  diviso  in  parti,  abbiamo  un  personaggio,  rappresentato  da  

un  pupazzo,  che  compie  un  incredibile  viaggio  all’interno  di  un  mondo  fatto  di  legno.  La  perizia  dei  due  fratelli  fa  si  

che  anche  dei  chiodi  o  dei  grumi  di  polvere  abbiano  il  proprio  carattere.  Pezzi  di  carne  fanno  capolino  negli  oggetti  più  

assurdi  e  il  protagonista  ha  un  mano  una  scatola,  chiaro  riferimento  al  film  “Un  chien  andalou”  di  Dalì.    

Il  trattamento  cromatico  ci  dà  la  sensazione  continua  di  trovarci  davanti  a  dei  vecchi  dagherrotipi.  

È  come  se  descrivesse  la  morte  di  un  mondo,  forse  quello  delle  marionette.  Il  protagonista  scopre  all’interno  di  questo  

ambiente  una  sorta  di  meccanismo,  regolato  da  una  serie  di  fili  collegati  a  ingranaggi.  In  realta  l’ambiente  che  il  

protagonista  esplora  sembra  la  metafora  dell’interno  di  un  corpo  antico.    

Questo  stile  di  invecchiamento  simulato  ha  inaugurato  una  vera  e  propria  tendenza.  

 

SLEDGE  HAMMERà  Lavorano  anche  per  peter  gabriel  ,  ci  sono  riferimenti  all’arcinboldo  ma  in  chiave  assolutamente  

pop,  questo  video  ha  fatto  la  storia.  

 

ZBIGNIEW  RYBCZYNSKY  

Polacco,  fine  anni  70,  inizia  lavorare  nello  stesso  sistema  di  cinema  di  Polansky  e  lavora  con  l’immagine  digitale  e  con  

la  stop  motion,  anche  lui  ha  una  ricerca  di  scomposizione.  

L’immaginario  diventa  molto  cupo  e  cerca  di  fare  con  le  sue  animazioni  una  sorta  di  critica  alla  polonia  

contemporanea.  

Lui  ha  studiato  cinema  e  animazione,  studia  dove  hanno  studiato  i  grandi  autori  polacchi:  il  Dipartimento  della  Forma  

Cinematografica.  Lavora  subito  con  il  digitale  e  cerca  di  fare  delle  opere  che  sono  ibride.  La  musica  è  più  importante  

che  i  dialoghi  e  cerca  di  diare  delle  indicaziioni  sociali  e  civili  cercando  di  fare  una  critica.  

Ha  un  forte  contenuto  concettuale  che  ha  messo  al  servizio  del  digitale  in  un  momento  in  cui  era  l’unico  autore  in  

grado  di  farlo.  

Ha  cambiato  notevolmente  il  modo  di  comprendere  l’animazione  negli  anni  80  dandogli  un  significato  politico  anche.  

 

OH  NO  I  CAN’T  STOP!    la  pixellation  viene  usata  per  muovere  la  macchina  da  presa.  Realizza  una  sorta  di  soggettiva  

à

mostruosa:  lo  sguardo  appartiene  a  qualcosa  che  non  ci  viene  mai  mostrato  e  che  si  trascina  pesantemente  su  un  

prato,  emettendo  suoni  metallici,  travolgendo  e  schiacciando  una  giovane  coppia  sdraiata.  L’oggetto  acqusita  man  

mano  velocità  risucchiando  nella  sua  corsa  persone  e  cose  fini  a  quando  si  trova  davanti  un  enorme  edificio  contro  il  

quale  si  schianta.  L’ultima  immagine  ci  mostra  l’edificio  con  una  macchia  di  sangue.  

Giustifica  l’assurdita  della  situazione  visiva  dicendo  che  si  tratta  della  metafora  della  conquista  del  potere  sovietico  in  

Polonia.    

L’autore  combina  diverse  tecniche:  la  pixellation,  usata  per  spostare  la  macchina  da  presa,  e  la  registrazione  

dell’immagine  STEP  BY  STEP,  con  la  cinepresa  programmata  per  registrate  un  fotogramma  ogni  numero  di  secondi  si  

voglia,  più  breve  e  il  numero  di  fotogrammi  impressionati  e  più  e  veloce  lo  spostamento  degli  oggetti.  

Tutto  il  cortometraggio  consiste  in  un  piano  sequenza  che  però  è  simulato:  la  calibrazione  della  macchina  spezza  in  

qualche  modo  il  linguaggio  cinematografico  ampliandone  le  possibilità.  

 

TANGO  1980à  ha  vinto  l’oscar  come  migliore  corto  d’animazione  permettendogli  di  trasferirsi  negli  USA,  abbiamo  

una  stanza  con  una  prospettiva  molto  schiacciata  con  un  tenero  arredamento  dove  continuamente  entrano  oggetti  e  

persone  che  ripetono  all’infinito  la  stessa  azione  dove  però  non  entrano  in  relazione  tra  di  loro.  Alla  fine  la  stanza  

subisce  una  vera  e  propria  invasione.  Il  sonoro  è  una  combinazione  di  rumori  d’ambiente  e  di  un  languido  tango.    

è  una  combinazione  della  pixellation  e  di  mascherini  (gli  attori  sono  stati  ripresi  su  uno  sfondo  neutro  e  sovrapposti  

con  dei  mascherini).    

Diverse  interpretazioni:  

-­‐ Voleva  visualizzare  la  carenza  di  alloggi  della  polonia  comunista  ma  anche  la  carenza  di  libertà.    

-­‐ Potrebbe  aver  costruito  una  sorta  di  non-­‐luogo  dove  vengono  catapultati  nello  stesso  momento  le  azioni  di  

tutte  le  persone  che  hanno  avuto  a  che  fare  con  quella  stanza;  forse  alcuni  personaggi  sono  prima  la  persna  

giovane  e  poi  quella  vecchia.  

-­‐ Raffinata  metafora  del  linguaggio  informatico:  i  personaggi-­‐robot  sono  i  dati  che  si  ripetono  all’infinito  

creando  sistemi  più  complessi.  

 

THE  ORCHESTRAà  movimento  il  loop  basato  su  un  brano  classico.  Lavora  con  la  tecnologia,  il  cormakey  (?).  era  un  

modo  per  dire  che  il  potere  è  morto  e  che  è  vuoto  e  che  si  manifesta  con  il  morto  nella  bara,  c’è  un  critica  sociale  che  fa  

con  quest’opera.  

 

DAVID  ANDERSON  

È  un  artista  londinese  che  utilizza  la  tecnica  della  pixellation  ma  anche  della  registrazione  step  by  step.  

 

DEADSY  (DEADTIME  STORIES  FOR  BIGFOLK)    è  un  viaggio  compiuto  da  un  personaggio  enigmatico,  Deadsy,  uno  

à

scheletrino,  in  un  mondo  oscuro  con  dei  volti  in  perpetua  trasformazione.  Compone  le  varie  parti  con  il  COMPOSITING  

cioè  l’unione  di  diverse  figure  in  movimento  all’interno  dello  stesso  quadro.  Si  ha  la  sensazione  di  uno  spazio  astratto,  

dominato  dal  buio  e  da  suoni  inquietanti.  

 

DOORà  usa  una  tecnica  più  elaborata  e  virtuosistica.  All’interno  di  un  pianeta  fatto  di  porte  che  si  aprono  e  che  si  

chiudono,  si  intravedono  delle  stanze  in  cui  accadono  piccoli  eventi:  si  entra  e  si  intraprende  un  viaggio  in  luoghi  

aperti  come  boschi  ecc.  all’interno  dei  quali  si  muovono  due  personaggi,  le  sagome  fotografate  di  un’uomo  e  di  una  

donna.  Ad  un  certo  punto  l’uomo  scoppia  distruggendo  il  pianeta  e  noi  scopriamo,  con  una  carrellata  all’indietro,  che  

la  voce  fuori  campo  è  di  uno  scheletro  che  stà  conversando  con  un  altro  .    

 

KOYAANIQUATSI  –  GODFREY  REGGIO  

Si  pensa  che  sia  stato  l’iniziatore  delle  riprese  aereee.  

Il  titolo  significa  “la  vita  che  si  distrugge”  nel  linguaggio  hopi,  si  sentiva  in  dovere  verso  una  società  dove  c’è  uno  

sfruttamento  delle  risorse.    

Il  film  è  una  sorta  di  documentario  musicale  (con  la  muscia  di  Philip  Glass)  sullo  scontro  tra  la  natura  e  gli  ambienti  

urbani  e  su  come  l’uomo  tenda  a  distruggere  l’ambiente  in  cui  vive.  

È  realizzato  grazie  al  direttore  della  fotografia,  Ron  Flicke,  con  la  tecnica  della  registrazione  setp  by  step  

Iniziatore  di  quel  filone  di  immagini  con  le  nuvole  accellerate;  raccoglie  le  esperienze  di  un  certo  tipo  di  cinema  

d’avanguardia  e  le  tradizioni  dei  cortometraggi  a  passo  uno  per  costruire  una  metafora  ecologista.  

In  realtà  dietro  a  tutto  c’è  un  coinvolgimento  personale  dove  lui  cerca  di  riflettere  su  come  le  tecnologie  cercano  di  

cambiare  l’ambiente  e  su  come  la  natura  diventerà  un’ambiente  artificiale,  già  nel  82  rifletteva  sulla  presenza  invasiva  

delle  tecnologie.  La  struttura  semantica  è  molto  chiara  e  diretta,  associata  alla  bellezza  degli  scenari  ripresi,  permette  

al  regista  di  fare  il  “montaggio  dell’attrazione”  creando  una  sorta  di  catalogo  d’immagini.  

Utilizza  una  musica  ripetitiva  ma  minimale  per  far  si  che  le  immagini  siano  meglio  visualizzate.,  utilizzando  i  linguaggi  

dell’avanguardia  per  portarli  ad  un  pubblico  più  ampio  

 

DEREK    JARMAN  –  THE  LAST  ENGLANS  

Film  breve  dove  utilizza  la  tecnica  step  by  step  per  raccontare  l’iglienterra  del  tempo  cioè  povera  con  un’economica  

tristissima  che  ritrae  con  un’amosfera  ciber  punk  e  ritrarre  la  caduta  del  mondo  affidandolo  ad  un  ben  curato  incastro  

di  musica  ed  immagini.  La  presenza  ossessiva  delle  fabbriche  abbandonate  come  scenografia  e  la  presenza  di  

personaggi  stereotipati  ricorrenti  fanno  di  questo  film  un’opera  frammentata,  aperta  a  molteplici  interpretazioni,  

dominata  da  immagini  scaturite  dall’inconscio  

È  un  linguaggio  più  musicale  come  accadeva  nel  new  cinema.  

TIM  BURTON  

Gli  hanno  fatto  una  mostra  al  moma.  

Ha  fatto  anche  uno  spot  (tim  burton  moma  spot),  alla  mostra  hanno  presentato  anche  i  film,  sia  i  corti  che  i  film.  

Questa  mostra  è  stata  fatta  al  moma  in  quanto  è  stata  creata  per  l’arte  moderna.  

Fa  molti  riferimenti  al  cinema  espressionista  tedesco.  

 

VINCENTà  negli  stessi  anni  80,  con  lo  stop  motion  e  disegno    

 

Nel  campo  dell’astrazione  la  pellicola  abdica  a  favore  del  digitale,  i  sfotware  si  sono  evoluti  e  l’immagine  ha  

conquistato  una  nuova  coordinata  spaziale:  la  terza  dimensione.  Il  digitale  ha  aggiunto  molte  possibilità  per  

l’artista  che  vuole  cimentarsi  con  l’arte  astratta  ma  allo  stesso  tempo  ha  complicato  le  cose  perché  il  digitale  è  

un  sistema  chiuso.  Il  problema  che  ci  si  pone  e  che  se  si  vuole  forzare  la  macchina  bisogna  essere  degli  esperti  

programmatori.  

 

YOICHIRO  KAWAGUCHI    

È  di  tokio  e  viene  invitata  a  lavorare  per  la  divisione  Design  dell’Industrial  Product  Research  Institute  di  Tokio,  con  

una  formazione  a  metà  tra  l’artistico  e  il  tecnologico,  per  visualizzare  delle  immagini  che  siano  a  metà  tra  la  tecnologia  

e  l’arte,  creando  dei  programmi  per  simulare  la  tecnologia  intelligente  dove  sono  i  sfotware  che  gestiscono  i  

comportamenti  delle  forme  

Le  tecnologie  erano  decisamente  basiche  e  si  comincia  a  lavorare  dentro  le  industrie.  

Crea  delle  opere  astratte  composte  da  elementi  gassosi  e  liquidi,  con  colori  vicini  alla  psichedelia,  che  si  trasformano.  

C’è  un’alta  percentuale  di  casualità  perché  i  dati  immessi  in  un  sistema  assumono  un  determinato  comportamento  

creando  forme  diverse.  Consiste  nel  rappresentare  la  vita,  l’organismo  vivente,  una  versione  digitale  di  forme  naturali  

come  l’acqua  ,  gli  organismi  monocellulari  e  le  forme  vegetali  in  modo  che  la  tecnologia  possa  inventarsi  una  vita  che  

non  esiste,  artificiale  ma  pilsante.  

 

FLORA  

 

WILLIAM  LATHAM  

Ricercatore  per  l’IBM.  Le  forme  che  elabora  sono  dei  complessi  sistemi  particellari  tridimensionali  che  si  agglomerano  

in  varia  maniera  creando  delle  figure  molto  simili  a  dei  frattali  metallici.  L’astrazione  digitale  scopre  la  terza  

dimensione  ma  soprattutto  la  superfice  materiale.  Le  idee  di  cerchio  e  spirale  ricompaiono  insieme  al  movimento  

circolare  del  punto  di  vista  intorno  all’oggetto  e  i  movimenti  di  macchina  impossibili  da  realizzare.  

 

THE  EVOLUTION  OF  FORM    lavoro  fatto  per  IBM,  è  un  lavoro  la  cui  durata  non  è  ancora  stata  definita  perché  è  

à

un’opera  modulare  in  continua  crescita,  una  creature  alla  quale  man  mano  crescono  pezzi.  Sono  una  serie  di  spirali  

fatte  di  materiale  metallico  di  colore  cangiante,  si  trasformano  di  continuo  per  creare  delle  immagini  dotate  di  vita  

simili  a  cellule  che  nascono  e  che  muoiono  nel  giro  di  pochi  secondi,  la  forma  si  genera  ogni  volta  che  occupa  il  centro  

dello  schermo  che  ritorna  come  importanza.  

 

MICHEL  BRET  

Segue  le  orme  di  Latham  e  Kawaguchi  nel  senso  che  egli  crea  degli  ambienti  cangianti  e  poliformi  dove  delle  figure  

assumono  ora  aspetti  vegetali,  ora  marini,  ora  gassosi.  All’interno  di  questi  ambienti  ci  sono  delle  figure  vagamente  

antropomorfe,  creature  filiformi  all’apparenza  vagamente  femminili.  I  movimenti  di  macchina  creati  sono  costanti.  

 

ELO  RAPà  figure  dall’aspetto  vagamente  femminile  che  compiono  strane  danze  in  un  ambinete  gassoso  fatto  di  colori  

cangianti  che  si  mescolano.  

 

PETER  CALLAS  

è  australiano.  I  suoi  lavori  spesso  sono  fatti  con  software  appositamente  preparati  o  di  recentissima  creazione.    

Il  suo  stile  consiste  nel  fondere,  in  un  vortice  visivo  dominato  dal  ritmo,  diverse  fonti  iconografiche  originariamente  

statiche:  i  suoi  video  sembrano  della  grafica  illustrata  animata  dove  egli  imponi  dei  piccoli  movimenti  all’interno  di  

ogni  singola  forma  (che  generalmente  sono  dei  LOOP).  

I  temi  sono  la  visualizzazione  di  una  sorta  di  geografia  mentale  ovvero  la  costruzione  di  un’universo  geografico  a  

partire  dalle  immagini  tradizionali  che  le  popolazioni  hanno  creato  in  tempi  remoti.  

Paint  box  è  la  tecnica  che  utilizza.  Ci  sia  llontana  da  un’astrazione  fine  a  sé  stessa  e  si  creano  delle  opere  dove  si  parla  

per  esempio  di  problemi  di  globalizzazione  dell’immaginario  (come  gli  aborigeni  australiani  che  non  si  sentono  

accettati).  

Sono  opere  del  99  dove  cerca  di  mantenere  una  figurazione  all’interno  di  un  contesto  astratto  (non  come  quelli  di  

prima)  riprende  a  livello  iconografico  i  collage.  

I  suoi  video  sono  molto  duri  con  delle  colonne  sonore  ossessive.  


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agnemoi

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Corso di laurea: Corso di laurea in Design
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I contenuti di questa pagina costituiscono rielaborazioni personali del Publisher agnemoi di informazioni apprese con la frequenza delle lezioni di Fenomenologia delle arti contemporanee e studio autonomo di eventuali libri di riferimento in preparazione dell'esame finale o della tesi. Non devono intendersi come materiale ufficiale dell'università Nuova Accademia di Belle Arti - NABA o del prof Pignatti Lorenza.

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