Lettorato francese II Compréhension orale

Classicisme et évolution théâtrale

Molière (comédie) ; Corneille, Racine (tragédie). Bienséance, vraisemblance, 3 unités. XIX^e siècle, avec le romantisme : fin de classicisme (Victor Hugo). C’est un groupe, les autres respectent les 3 règles. Le romantisme mélange tragédie et comédie en un drame romantique.

XX^e siècle et guerre mondiale

Deux guerres mondiales. Après la première guerre : surréalisme.

Théâtre de l'absurde

Après la seconde guerre :

• Théâtre de l’absurde: Beckett, « Waiting for Godot » (En attendant Godot) ; Ionesco, « La Leçon », « La Cantatrice Chauve ». La guerre était méthodique et organisée, l’intelligence est utilisée pour tuer les gens. L’art ne peut plus parler de rationalité, pour cette raison le théâtre de l’absurde incarne le « refus de la rationalité ».
• Théâtre engagé (politique): Sartre, « Huis-dos », « Les Mains Salées »; Camus. Ce genre est une réponse à la guerre, diffèrent du théâtre de l’absurde. Ils veulent oublier l’horreur de la guerre et parler des valeurs humaines.

Fonctions du théâtre

• Dialogue, débat, discussion: Les gens peuvent voir tous les sentiments en scène.
• Purger les passions = catharsis: Déjà depuis les Grecs, le théâtre a une fonction sociale.
• Plaisir du récit: Raconter des histoires.

Introduction à l'art moderne et contemporain

Moment où l’art/la peinture se développent. Régularisation de l’art. C’est le roi qui décide les règles : les sujets sont mythologiques, historiques et religieux. C’est le premier moment important pour l’art, en Italie c’était la Renaissance. Les artistes peignent des paysages avec des personnages de la mythologie/religion. Le titre est différent de la représentation. Il y a beaucoup de lignes droites.

Romantisme

Rupture avec le classicisme. Il n’y a pas de règles. Les thèmes sont orientaux (XIX^e siècle : colonialisme, Algérie). On avait des expéditions militaires et scientifiques dans l’orient. Les lignes sont courbes, les couleurs sont vives. Ils représentent la violence et la sexualité. Naissance de la peinture de genre : les scènes représentées sont humbles, de la vie quotidienne. Dans le romantisme il y a un intérêt social.

Art moderne

Commence à la fin du XIX^e siècle. Dans le théâtre, ce passage est plus rapide. Les peintres n’avaient pas le droit d’être exposés au salon. Avec le Salon des refusés en 1863 commence l’art moderne. Le mot « impressionnisme » vient du « Impression, soleil levant » de Claude Monet. Manet avait aussi exposé au Salon des refusés. Son œuvre « Le Déjeuner sur l’herbe » représente la contradiction des règles classiques : les sujets sont vulgaires, la femme est nue et regarde le spectateur avec provocation. Auguste Renoir peint des scènes de genre, les couleurs sont plus claires parce qu’il peint en plein air. La scène est floue.

Première période d'après-guerre

Il y a le traumatisme de la guerre. La peinture est abstraite. Kandinsky : on peut interpréter le tableau comme on veut.

Art contemporain

Après le deuxième période d’après-guerre. Pollock utilise les mêmes couleurs du classicisme mais d’une manière différente. Il veut nous faire poser des questions. Les choses ne sont plus belles. On doit réfléchir et réagir. Malevitch s’interroge sur la valeur de la couleur. Il n’est pas intéressé au sujet. Soulages utilise le même noir mais de différent matériel, plus ou moins mat. Klein est provocateur, il n’étudie pas la lumière ou la couleur. Il a créé son bleu. On se demande s’il nous moque. Il fait aussi des performances. Il est très détesté.

Art conceptuel

L’objet et la technique ne sont plus importants. L’idée est la seule chose qui compte. Duchamp détourne les objets de leur usage.

Typologie du comique

• Comique de caractère, fondé sur défauts des personnages (Molière).
• Comique de geste, farce.
• Comique de situation, se tromper et ne pas comprendre les choses.
• Comique de mots.

« Art » est une pièce avec un comique de geste et de mots. La pièce mélange ces 4 comiques.

Art conceptuel et performance

La performance est une sous-catégorie de l’art contemporain. C’est différent de l’art conceptuel, où compte seulement l’idée. Dans la pièce, Marc dit à Serge qu’il est snob, parce qu’il aime l’art conceptuel.

La performance n’est pas un objet mais un événement. On peut utiliser tout ce qu’on veut. Ces œuvres invitent le spectateur à participer. Il y a le performeur et le spectateur, la réalisation est collective. Les premières performances sont des années 1910-1920. Ce sont des manifestations d’art pour se faire connaître. Ils naissent dans les avant-gardes : dadaïste, futuriste et surréaliste. Dans le surréalisme, l’artiste attend de rêver l’idée.

Depuis les années 1960, il y a une réaction à la société consumiste (après la guerre mondiale). Le principe de la performance est que l’œuvre ne doit pas être forcément un objet. On va créer des sous-catégories de la performance (body-art…). La performance est un événement unique qui ne laisse pas de traces. C’est la raison pour laquelle les performances ne sont presque jamais filmées.

Le mouvement fluxus mêle toutes les formes d’art. Il y a la volonté de critiquer les institutions. Ils voient dans la musique classique l’expression de la bourgeoisie, pour cette raison ils détruisent souvent les instruments. Le spectateur se demande si ce qu’il voit est art ou pas. C’est une question très importante. Nam June Paik réfléchit sur les effets des choses modernes sur l’individu. Dans la performance d’aujourd’hui, il y a des nouvelles formes, comme le flash-mob. Abraham Poincheval est un artiste contemporain. Il a changé le sens de la performance.

Musique et poésie

Pour les Grecs, il y avait une seule forme d’art : la poésie était liée à la musique. La poésie n’était pas parlée mais chantée. Les arts étaient mélangés. La musique était associée à la philosophie. Aussi dans les mathématiques, Pythagore a fait une théorie à partir de la musique. Il est le premier qui a parlé de la musique dans les mathématiques.

La musique antique n’avait pas de musique instrumentale, seulement la flûte. Ils chantaient et la musique vocalique était accompagnée par un luth ou une cithare. On a trouvé des partitions grecques et on a cherché à les reproduire. Le luth et le chant étaient au même temps, il n’y avait pas de polyphonie parce que la musique devait accompagner la poésie.

La figure poétique la plus importante est appelée « l’aède ». C’était une vraie profession. Ils voyageaient et racontaient des histoires de ville en ville. L’aède était un chanteur qui racontait histoires et épopées. Il a une couronne de laurier parce que c’était un trait distinctif. L’aède était élu. C’est une image presque divine. Le mythe d’Orphée est compliqué. Il ne chante plus parce qu’il a perdu son inspiration, Eurydice. Il y a plusieurs interprétations de la raison qui a fait retourner Orphée : Hadès l’a appelé avec la voix d’Eurydice ; il a entendu un cri. Ce mythe explique le lien entre la musique et la poésie.

Musique médiévale

Ils ne connaissaient pas la musique antique. Les Grecs faisaient des partitions seulement pour les textes religieux. Il y avait des chants pour tous les dieux grecs et ils étaient écrits parce que tout le monde chantait. Dans le moyen âge il n’y a plus de la musique antique. Ils recommencent. Le moyen âge est lié au chant, la musique instrumentale sera faite après. La grande différence entre l’antiquité et le moyen âge est la polyphonie. Avant il y avait une seule mélodie...