Appunti storia dell'arte moderna con immagini (dalla Maniera al Rococò)

STORIA DELL’ARTE MODERNA D – mod. 2

Mostra temporanea: ha il ruolo di favorire il confronto dal vivo di opere conservate in luoghi diversi che

vengono portate nella stessa sede. I musei si differenziano dalle mostre in quanto le opere rimangono sempre

lì.

Roberto Longhi

Storico dell’arte. la storia dell’arte

Afferma che si dovrebbe studiare a partire già dalle scuole medie, per

permettere una più facile familiarizzazione con il linguaggio artistico.

1454 - Pace di Lodi

Porta alla frammentazione del territorio italiano, e di conseguenza ad una frammentazione linguistica e

culturale. Questo fatto costituisce una ricchezza, in quanto ne consegue una varietà dei sistemi amministrativi,

politici, lingue figurative, culture, ecc. Questa diversità costituisce uno dei principali motivi che spingeva gli

artisti a partecipare al Grand Tour: desideravano compiere il viaggio in Italia per poter avere a che fare con le

uno stile unitario ma si parla di “scuole”

sue moltissime sfumature diverse. A livello artistico non esiste

regionali (es. scuola lombarda, scuola fiorentina, scuola veneta, ecc.) “stati

Al contrario, altri stati come la Francia e la Spagna sono già grandi nazionali”, in cui la lingua è più

“nazionale”.

uniforme e ha già carattere

Gli storici dell’arte sono chiamati a restituire un contesto alle opere che in molti casi sono state terremotate

dagli eventi (la nascita dei musei tra illuminismo e rivoluzione francese, con le soppressioni di molti ordini

religiosi, e di conseguenza di molte chiese e monasteri) e perciò sradicate dalla sede in cui sono nate, perdendo

così la loro identità storica e attributiva oltre che la loro funzione.

Gli storici …… COPIARE POWER POINT

La frammentazione dell’Italia influenza anche le fonti storiche: ogni città ha una guida cittadina, risponde a

Vasari con proprie testimonianze, spinge gli artisti locali per esaltare le glorie del posto.

Nel corso della storia molte opere hanno subito trasformazioni in seguito a restauri disastrosi, oppure a causa

ragioni devozionali: es. pala d’altare con opera più antica collocata al centro,

di circondata da dipinti postumi.

La Madonna dei Cherubini di Mantegna è stata invece trasformata dal restauro: il volto della Vergine è stato

addolcito, “bellinizzato” per ragioni di gusto, di mercato o di collezionistico. Intervento falsificante che

tradisce il linguaggio vero di Mantegna.

“Prima conoscitori poi storici” COPIARE POWER POINT

Luigi Lanzi

è per l’artista come la scrittura per un autore:

La pittura ogni pittore ha un proprio stile con caratteristiche

dello storico dell’arte è identificarle

immediatamente riconoscibili, e il ruolo e riconoscerle.

Analizzando lo stile della Pala di Brera Lanzi intuisce che le mani di Federico da Montefeltro sono state dipinte

da un altro artista, probabilmente un fiammingo o un pittore di formazione fiamminga. Il modo in cui sono

dipinti gli incarnati dei personaggi, lisci e levigati, è infatti molto diverso dallo stile delle mani di Federico

che sono invece estremamente realistiche, con la pelle grinzosa.

dell’arte è essere in grado di riconoscere l’opera originale dalla copia, dalle

Altro compito dello storico

restaurazioni, dalle repliche ecc. In assenza delle fotografie circolavano allora le stampe di traduzione, ovvero

di allenare l’occhio

delle incisioni che permettevano agli storici a riconoscere le opere.

ANNIBALE CARRACCI

Appartiene ad una famiglia di artisti bolognesi, con il fratello Agostino e il cugino Ludovico.

l’equilibrio politico e quindi artistico.

In occasione della pace di Cateau-Cambresis (1559) cambia Bologna

viene annessa allo stato pontificio, offrendo una condizione di grande interesse per gli artisti che sono attratti

verso Roma. di Ferrara, con l’estinzione della

Verso la fine del 1500 la Chiesa acquisisce anche il controllo del territorio

dinastia degli Este. Da Ferrara arrivano a Roma grandi capolavori di Tiziano: garantendo uno spostamento di

opere oltre che di artisti.

Annibale mostra un nuovo interesse rispetto alla tradizionale pittura manieristica, segnata dalla fortuna di

Michelangelo e Raffaello. I due maestri continuano ad essere i principali modelli per gli artisti di tutto il 1500,

dimenticando il confronto con il vero di natura.

I Carracci, insieme a Caravaggio, ritornano invece a studiare il vero della natura.

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1582-1583 MACELLERIA reale e quotidiana all’interno della bottega del macellaio.

Annibale intende restituire la vita

• I personaggi sono umili e veri, attivi nelle

loro attività quotidiane, con il cliente a sx

che sta cercando le monete nel borsello.

• I tratti fisionomici sono caricati e quasi

grotteschi, descritti con una pittura

aggressiva molto rapida, utile a rendere

ancora più evidente che si tratta di gente

del popolo e non di personaggi idealizzati.

• Tutta la scena è impostata entro uno

schema “a griglia” suggerito dall’incrocio

delle direttrici verticali e orizzontali su cui sono impostate le varie figure.

• Non mancano i riferimenti colti: è il caso del Sacrificio di Noè affrescato da Michelangelo sulla volta

della Cappella Sistina, da cui riprende lo schema compositivo orizzontale.

Giovanni Bellori

Nel 1672 pubblica Le vite di pittori, scultori e architetti moderni. Riscrive le vite degli artisti più significativi

1500 fino all’età sua contemporanea. Non finge le sue predilezioni,

attivi Roma dalla metà del ma fa ben

intendere le proprie passioni: predilige i pittori Annibale Carracci (che celebra come erede di Raffaello) e

Nicolas Poussin, e lo scultore Alessandro Algardi. Non ama invece Caravaggio, i manieristi e il Barocco.

Come anche Vasari, sostiene che i maestri della Maniera erano avvantaggiati nel loro lavoro grazie alla

riscoperta delle sculture classiche collocate nei giardini del Vaticano, le quali costituiscono vere e proprie

testimonianze della perfezione degli antichi che andava imitata. Lo studio degli antichi è quindi già stato fatto

da Raffaello e dai suoi contemporanei: basta guardare a loro e si ha già il lavoro fatto, senza bisogno di studiare

direttamente la scultura classica.

Nella prefazione Bellori evidenzia la necessità dell’artista di scegliere le parti migliori della natura e

delle opere, attraverso la pratica del disegno.

selezionarle all’interno

Bellori celebra Annibale Carracci in quanto si muove sulla stessa linea di Raffaello, realizzando moltissimi

disegni preparatori per i suoi dipinti. Es. Madonna di San Ludovico (1587-1588): nel dipinto opera qualche

ma il disegno restituisce l’idea finale.

variazione, la madonna diventa più statuaria,

Caravaggio al contrario non realizzava studi preparatori, ma iniziava a lavorare direttamente sulla tela

con l’uso di

ricorrendo a modelli che posavano davanti a lui; una punta segnava con delle linee le zone che

devono essere campite dal colore.

1584-1585 - IL MANGIAFAGIOLI

Rappresenta una delle testimonianze più grandi della sua capacità di restituire il vero di natura.

• Lo spazio è completamente occupato dalla

figura del contadino che sta mangiando

avidamente.

• Innovazione di Annibale è la totale verità con

cui rappresenta la figura: manca ogni sorta di

deformazione grottesca o caricaturale che

caratterizza invece altri dipinti dello stesso

genere, ma presenta semplicemente la figura di

un uomo “qualunque” in un momento di vita

quotidiana.

• L’uomo pare sorpreso dalla comparsa

dell’osservatore, come se fosse stato colto alla sprovvista.

1583 - CROCIFISSIONE (Bologna)

Pala che rappresenta la prima importante opera pubblica di

Annibale.

• La scena è impostata in modo classico e tradizionale, con a

sx la Vergine e i santi Bernardino e Francesco, e a dx san

Giovanni Battista e san Petronio.

• In primo piano è collocata una natura morta di grande verità,

composta da un libro di preghiere, la croce e un teschio.

• Nonostante l’apparente semplicità dello schema

compositivo si nota la volontà di Annibale di restituire

figure vere e mobili, evidente nella figura di san Giovanni a

dx. 1585 - COMPIANTO SUL CRISTO MORTO (Parma)

Pala realizzata durante un soggiorno a Parma

• Abbandona temporaneamente la sua necessità di

restituzione del vero per ritornare ai modelli puri del

manierismo.

• È evidente l’influenza dello studio di Correggio:

principalmente dal cielo che si spalanca sul Paradiso per

e dall’atmosfera

mostrare gli angeli seduti sulle nuvole, calda

che avvolge l’intera scena.

• I personaggi sono rappresentati in pose naturalissime,

come la Vergine che si abbandono alle spalle del corpo di

Cristo.

1584 - STORIE DI GIASONE (Bologna)

Fregio affrescato da Annibale insieme a Ludovico e Agostino.

Le scene sono sintetiche, personaggi disposti orizzontalmente come nei

bassorilievi classici.

Anche qui l’anatomia non ha nulla delle costruzioni ideali dei manieristi:

la mano nell’acqua

la giovane donna che si rinfresca in un torrente immerge

con un gesto naturalissimo. È un corpo vero, che non ha nulla dei corpi

ideali tradizionali.

1585 - ANNUNCIAZIONE (Ludovico Carracci, Bologna)

Ludovico mostra la volontà di superare l’artificiosa e

complicata sintassi della pittura manieristica. Il dipinto

interpreta anche gli ideali controriformistici di una

religiosità umile e devota.

• La composizione è semplice, con figure infuse

di naturalezza e verità.

• La scena si svolge all’interno di una stanza

spoglia e severa fortemente prospettica, che

intende evocare una verità domestica umile

sottolineata anche dalla cesta del cucito a terra

davanti alla Vergine.

• Maria è rappresentata in atteggiamento pudico e sottomesso.

• Dalla finestra aperta sulla parete di fondo irrompe lo Spirito Santo accompagnato da un raggio di luce.

1590 - AFFRESCHI DI PALAZZO MAGNANI (Bologna)

Ludovico, Agostino e Annibale collaborano alla realizzazione degli affreschi.

• Le figure sono caratterizzate da estrema naturalezza, come i putti che giocano attorno alle statue.

• Lo sfondo paesaggistico naturale rielabora la pittura di paesaggio veneziana, così come la qualità nella

dell’atmosfera,

resa delle luci e fa dei tre artisti degni interpreti della pittura paesaggistica veneta di

Giorgione e Tiziano.

1598-1600 - PALAZZO FARNESE (Roma)

Annibale viene chiamato a Roma da Odoardo

Farnese per la realizzazione di affreschi nella

Galleria Farnese, in onore del matrimonio del

fratello. La decorazione pittorica della Galleria è

articolata con scene mitologiche allusive al

matrimonio (Nozze di Bacco e Arianna).

L’artista restituisce in pittura tutte le soluzioni

stilistiche che aveva maturato nel corso della sua

formazione: Luigi Lanzi evidenzia come la

Galleria Farnese sia la prima opera in si uniscono

tutti i geni delle scuole italiane.

Gli episodi del ciclo pittorico, ispirati alle metamorfosi di Ovidio, sono inseriti entro finte cornici dorate

sulla volta e lungo il cornicione con la tecnica del “quadro riportato”.

collocate illusionisticamente

- Nozze di Bacco e Arianna

È il riquadro principale, attorno al quale

si dispone l’intera decorazione della

volta.

Annibale reinterpreta due opere di

Tiziano eseguite per lo studiolo di

Alfonso d’Este, che Annibale può

vedere a Roma.

1595-1596 - ERCOLE AL BIVIO (Roma)

La maniera aveva stravolto il passato, stravolgendo e

rielaborando continuamente i modelli. Questo dipinto,

realizzato all’inizio del soggiorno romano di Annibale

per il Camerino di Odoardo Farnese nel suo palazzo,

segna un ritorno all’ordine e ai modelli originari

antichi. Anche Roma si fa quindi interprete di una sorta

di riforma dell’arte manieristica attraverso lo studio

corretto dei grandi modelli del

passato, non solo di statue antiche

ma anche dei nuovi maestri classici (es. Raffaello).

• Al centro si trova Ercole, la cui figura è una chiara citazione dell’Ares Ludovisi.

• Ai lati due donne invitano Ercole ai vizi: sono rappresentate come statue classiche,

restituite con leggerezza e gaiezza cromatica tipiche di Annibale.

• Evidenza della perfezione della forza e energia del corpo maschile.

1600-1601 - ASSUNZIONE DELLA VERGINE (Roma)

Pala d’altare collocata nella Cappella Cerasi in Santa Maria del

Popolo. La cappella presenta una collaborazione con

Caravaggio, che realizza due dipinti per le pareti ai lati

dell’altare.

Annibale mostra la volontà di abbandonare temporaneamente

lo studio del vero naturale per ritornare a lavorare su schemi

comuni, attenendosi ad un’iconografia tradizionale.

• La Vergine è collocata in primo piano al centro mentre

si leva al cielo sorretta dagli angeli. Ai suoi piedi Pietro

e Paolo sono inginocchiati davanti al sepolcro.

• In secondo piano è collocato un compatto gruppo di

apostoli che assiste alla scena.

• La composizione è studiata attraverso l’esercizio sul

disegno, che sfocia in figure massicce con masse

corporee quasi scultoree dominata da colori squillanti e

ombre morbide.

• Tutti i personaggi sono caratterizzati da forte pathos,

generato dall’improvvisa apparizione della Vergine che

pare sbalzata fuori dal sepolcro diretta verso l’esterno della pala piuttosto che verso l’alto.

CARAVAGGIO

(1571-1610)

La centralità assunta dalla Chiesa a fine 1500 conduce a una nuova importanza di Roma. Vengono attivati

volti a migliorare l’aspetto della città, attraendo di conseguenza

numerosi cantieri edilizi artisti da tutta Europa.

Caravaggio nasce e si forma a Milano presso Simone Peterzano.

Nel 1592 si sposta a Roma, dove rimarrà in pianta stabile.

Caravaggio attua una continua riforma dei motivi iconografici, ricorrendo a una sintassi completamente nuova.

La sua interpretazione molto personale e quasi laica della religione, che gli procurò grossi incidenti con la

Chiesa (alcune pale da lui realizzate vengono rifiutate o addirittura rimosse dagli altari).

Per tutto il 1600 e 1700 la critica di Caravaggio è incentra su una contrapposizione: da un lato vengono

rottura con la tradizione, dall’altro

evidenziate le innovazioni date dalla non manca di fare notare i limiti

dell’artista legati all’assenza di preparazione sul disegno.

A metà 1800 la produzione artistica vede la nascita di movimenti quali i Puristi, i Nazareni e i Preraffaeliti: i

grandi artisti di riferimento sono Raffaello, Botticelli, Perugino. Grazie a Courbet tuttavia si assiste ad una

riscoperta di Caravaggio: è più interessato a recuperare la verità studiata dell’artista e dai suoi seguaci,

attuando un recupero dello studio dal vero delle figure. Sulla stessa linea si muove anche Manet, per il quale

Velazquez costituisce il principale punto di riferimento.

Le due principali fonti critiche su Caravaggio sono fornite da Bellori e Longhi. Bellori non amava Caravaggio,

Quest’ultimo riprende

che è invece molto apprezzato da Longhi. le indicazioni negative che Bellori offre per

e caratterizzanti dell’artista.

capire Caravaggio e le rovescia, offrendole come elementi positivi

Caravaggio guarda i soggetti di strada, la vita vera e quotidiana delle strade della sua città, al fine di rinnovare

la tradizione figurativa senza trarre riferimenti dagli esempi degli artisti a lui precedenti.

Attraverso una serie di confronti, Longhi illustra concordanze tra le caratteristiche di Caravaggio e opere a lui

precedenti appartenenti all’arte lombarda, ipotizzando che la sua sensibilità pittorica sia maturata a seguito

dello studio del naturalismo lombardo e non a seguito del suo trasferimento a Roma.

1594-95 - LA BUONA VENTURA (Roma)

Dipinto probabilmente quando Caravaggio frequentava la bottega del Cavalier d’Arpino a Roma.

• La scena presenta una zingara che legge la mano al cavaliere.

Caravaggio attua una nobilitazione dei soggetti di strada: la

donna sembra infatti una nobile.

• giudica l’opera in senso negativo: Caravaggio

Bellori

avrebbe infatti scelto come modella una vera zingara che vide

passare sottolineando come l’artista “dipinse i suoi simili”,

allusione al fatto che non avesse mai scelto soggetti “alti”.

1594 - I BARI (Roma)

• Le tre figure sono rese in maniera naturalissima: il personaggio sulla sx è completamente assorto nella

scelta della carda, mentre gli altri

due attendono frementi il momento

in cui possono mettere in atto la

truffa.

• La parete di fondo è colpita da una

luce proveniente da dx, che mette in

luce i personaggi e lascia in

penombra la parte di dx. L’atmosfera

è tuttavia ancora luminosa, in

accordo con la pittura veneta: non

sono ancora gli anni dei chiaroscuri

marcati marcatissimi dipinti in

camere volutamente oscurate e illuminate da un solo fascio di luce.

• La tela segna un confine definitivo con il manierismo del 1500: per la prima volta viene colto l’attimo

di una scena di vita quotidiana, investita di una tensione quasi teatrale.

1596 - MADDALENA PENITENTE (Roma)

La Maddalena è rappresentata con atteggiamento vero e

naturale, come una giovane donna che si sta asciugando

i capelli sciolti.

• Bellori indica che, se non fosse per la presenza

degli unguenti che alludono all’unzione di Cristo

e i gioielli che fanno riferimento alla vita della

donna prima della conversione, non si capirebbe

che ci si trova di fronte alla Maddalena. Non è

un fatto positivo, ma proprio questa è la

caratteristica che rende Caravaggio