Hyperrealism

Hyperrealism

Nel 1964 la mostra fondamentale “The Painter and the Photograph” alla New Mexico University di Albuquerque, propone l’analisi di quegli artisti che iniziarono a definire l’estetica del “fotorealismo”, poi ribattezzata a partire dal 1972 “Hyperrealism”, iperrealismo, per indicare quegli autori che partendo da soggetti precedentemente fotografati da loro stessi o provenienti da immagini fotografiche già esistenti, le riproducono su grandi dimensioni con virtuosistiche tecniche pittoriche che conferiscono ai soggetti quell’aspetto di illusione e persino di superamento del dettaglio fotografico, creando immagini pur partendo da soggetti banali della realtà, ne amplificano l’impatto visivo.

Esempi pionieristici di questa estetica sono i lavori, soprattutto in ambito americano, di autori come Richard Estes, Chuck Close e anche le sculture di Duane Hanson (1925 – 1996). È evidente che in queste operazioni iperreali l’immagine è un pretesto. Il soggetto in sé e la sua riconoscibilità hanno valore in rapporto al medium iniziale che le ha generate, e quindi in questo dialogo e interazione con la fotografia e non tanto nel linguaggio figurativo impiegato dall’artista.

Se un’opera d’arte non è realistica (figurativa) è astratta; c’è però una differenza tra astrattismo e astrazione. Le parole sembrerebbero strettamente correlate e sovrapponibili, ma non è così: è ragionevole pensare che l’astrazione porti all’astrattismo, e il più delle volte i termini sono impiegati come sinonimi, tuttavia non hanno esattamente lo stesso significato.
Benché entrambe condividano l’allontanamento dalla rappresentazione figurativa, o da una riproduzione letterale dei soggetti, l’astrazione può indicare che l’opera abbia ancora radici nel mondo fisico, reale: possiamo intendere anche solo con pochi elementi visivi, come linee, oppure attraverso il colore, la fisionomia di un volto, di un paesaggio e quindi di qualcosa ancora contingente alla nostra esperienza reale.