Couture, Thomas - I Romani della decadenza

L'evoluzione della pittura storica

Particolarmente abbondanti durante la prima metà del diciannovesimo secolo, le commissioni statali contribuirono a prolungare la supremazia dei soggetti storici nella pittura. Tuttavia, la seconda metà del secolo vide la gerarchia accademica dei generi scomparire quando la pittura storica si evolse in una direzione più intimistica.

Il successo di Couture

Realizzato nel 1847, questo dipinto di Couture, dalle dimensioni enormi (m 4,66 x 7,75), fu molto popolare ed è esposto a Parigi al Musée d’Orsay.

Esso mostra un'architettura romana ordinata. È popolato da personaggi maschili e femminili, la cui messa in scena ricorda i dipinti di Raffaello. Couture cerca di disegnare un dramma, " la decadenza tra i romani ", andando così nella direzione della morale borghese del diciannovesimo secolo: all'epoca, la società francese era moralista, traumatizzata dalle guerre napoleoniche e dalla rivoluzione industriale. L’artista gioca con il cliché di una sessualità romana orgiastica e non esita a mostrare nudità femminile nella sua pittura, specialmente in primo piano, con la donna con i vestiti strappati.

Nel suo libro Méthode et Entretiens d'Atelier, Couture riferisce che, quando dipinse un ritratto di un compagno di studi, il suo maestro gli disse "se continui a dipingere così, sarai il Tiziano di Francia. " Questa previsione si avverò ampiamente. All'età di trentadue anni, di tutti i pittori francesi era il più famoso. Delacroix, 20 anni più vecchio di Couture, a quel tempo, non era affatto suo pari. Delacroix gode di una buona reputazione, ma non aveva ancora conquistato il plauso del pubblico e i suoi dipinti erano molto meno quotati di quelli di Couture. L’opera, presentata al Salon del 1847, rese famoso il giovanissimo artista.

Con I Romani della decadenza, Couture aveva preparato con cura il suo colpo grosso: lavorando per più di tre anni su una tela che avrebbe dovuto "competere con la Zattera della Medusa", ne ottenne l'acquisizione da parte dello Stato, ancor prima della sua presentazione al Salon del 1847, per una somma di 12.000 franchi.

Couture per questo dipinto ricevette due premi: al primo Salone e una medaglia d'oro all'Esposizione universale del 1855. Acclamata da alcuni, criticata da altri per la sua sobrietà e il suo colore troppo grigio, resta il fatto che quest'opera ha segnato un punto culminante nella produzione del giovane artista.

Questa gloria durò per un breve periodo in un secolo in cui la pittura si stava evolvendo molto rapidamente. Una scuola di artisti che si erano emancipati da vincoli e tradizioni cominciò ad attirare l'ammirazione del pubblico: il romanticismo di Géricault e altri stavano rivoluzionando le idee sulla pittura.

La scena centrale del dipinto

Al centro della scena, su un letto ricoperto di splendidi drappeggi disordinati, una donna, vestita di bianco, giace con nonchalance, come una ninfa sognante in riva ad un mare senza orizzonte; ma il suo bel viso esprime una stanchezza infinita e lo stordimento dei sensi esausti. Le sue membra, abbandonate mollemente sui cuscini viola, sono disegnate con voluttuosi rilievi.

Un uomo, seduto vicino a lei, la sostiene e porge la sua coppa cesellata a un'altra che versa le spezie acre orientali. Questa, sollevata e vista di profilo in piena luce, risplende di freschezza e bellezza; la sua mano sinistra poggia sulle spalle ambrate di un giovane ragazzo, disteso. Per contrastare questo gruppo, Vitellio, appoggiandosi trionfante, contempla il, senza accorgersi che una ragazza, coronata di foglie di vite, lo sta abbracciando.

La rappresentazione della decadenza romana

Il busto di questa donna, visto quasi da dietro, è splendidamente modellato in una mezza tinta trasparente e leggera che copre a malapena la grana della tela. Dietro questi tre gruppi principali, una folla di persone voluttuose è raffigurata in movimento. È una promiscuità illimitata, con tutti i gradi di dissolutezza antica, abilmente nascosta nel suo insieme. A destra, un giovane ragazzo, salendo su un piedistallo e aggrappandosi al braccio inflessibile della statua di Bruto, offre al vecchio romano la coppa traballante, e alcune donne lo osservano, sorridenti.

A sinistra una giovane ragazza, con le braccia sopra la testa, un ricordo della magnifica figura dell'Invidia ne Il governo della Regina di Rubens. Ovunque notiamo i personaggi vittime dell’orgia, portati via dagli schiavi, e i deboli che si addormentano sui vasi rovesciati, le ghirlande di foglie e rose che si intrecciano con i capelli annodati o che serpeggiano sui seni in piana luce e la brillantezza dei tessuti e dei gioielli.

Osserviamo il gioco di sguardi che intensifica il carattere orgiastico della scena. Ad ogni coppia o piccolo gruppo viene affidata un'attività privata; lo sguardo è focalizzato sull'altro, e non sul tutto.

La donna, in alto a sinistra, con una gestualità ben evidente, si nasconde gli occhi con il braccio. L'assenza di contatto visivo offre l'impressione di una donna interamente presa dalla danza. Troviamo due amanti esili che non si guardano, la donna chiude gli occhi concentrata sulla sua esperienza sensuale. Nella seconda coppia innamorata, la donna ha lo sguardo abbassato, osserva il suo amante, senza prestare attenzione a ciò che li circonda.

Di questi diversi gruppi, l'odalisca al centro è annoiata e assume lo spettatore come testimone della sua stanchezza fisica.

Nel dipinto, la sessualità è violenta, consumata con furia come fa il personaggio di sinistra che si strappa la tunica. L'alcol eccessivo e l'ubriachezza intensificano sia l'esaurimento che lo scambio.

In questo dipinto, Couture gioca sullo svestito: le lenzuola accartocciate suggeriscono l'atto sessuale. Ci sono nove personaggi femminili nel dipinto, tutti nudi tranne l'odalisca e tale nudità non è la nudità eroica delle figure antiche.

Le donne sono più libere, una donna balla in topless, tre baciano i loro partner, le donne ubriache strappano i vestiti di un seduttore in un trio d'amore, e due odalische sono impassibili, assenti.

Il tema dell'orgia e della dissolutezza

Si può pensare che il tema del dipinto sulla decadenza cerchi di giustificare tanta sessualità e nudità. Il tema dell’orgia è senza tempo: un tema licenzioso sviluppato nel Rinascimento, sempre nella direzione della decadenza di una classe sociale o di una civiltà.

Nel diciannovesimo secolo, il tema dell’orgia e della dissolutezza sessuale assume la forma dell’harem (l’orientalismo alla moda costringe adoperare una simile scelta), ma manterrà solo l'aspetto ambiguo della sessualità eccessiva: un esaurimento dei sensi, un eccesso che porta al degrado e alla rovina di una società.

Alcuni storici dell'arte classificano Thomas Couture come romantico (la corrente di Delacroix, Goya e Géricault), altri classificano Couture come eclettico, alcuni come realistico (come Courbet). Ci sono persino storici dell'arte che classificano questo pittore come neoclassico (come Ingres). Il tema rappresentato è antico, lo stile è un passaggio tra neoclassicismo e romanticismo, alcuni amano classificare la Couture come la terra di mezzo di questi due movimenti.

Se Couture è inclassificabile, la sua pittura riassume un'epoca, una pittura fedele all'Ottocento. L'inizio del realismo in un tema classico; alcuni, all’epoca, consideravano questo dipinto volgare.

L'influenza di Couture su Courbet è ben nota, entrambi hanno cercato di tradurre i costumi del loro tempo e il movimento della loro società, Couture usando l'allegorizzazione, Courbet in seguito usando uno stile realistico.

L'influenza di Couture e la caduta di Roma

Nel corso della storia, diversi imperi che erano molto prosperi alla fine crollarono. L'Impero Romano, una delle più grandi civiltà conosciute, alla fine crollò. Con il suo dipinto, l’artista individua alcune motivazioni della caduta di Roma.

Gli studiosi attribuiscono la caduta di Roma a molte cause: invasione, inflazione, corruzione politica, spese eccessive, ecc. Tuttavia, nella sua pittura, Couture è interessato solo a una cosa: la moralità.

Verso la fine del loro regno, i Romani si dedicarono sempre più in atti osceni. La promiscuità divenne la norma e imperatori, come Tiberio, Nerone, Caligola, Eliogabalo e Commodo, assunsero comportamenti sessuali sfrenati e anche la gente comune non esitava ad agire senza ritegno. L'aumento del lavoro degli schiavi portò ad una diminuzione del numero di posti di lavoro per i cittadini romani, che allora avevano bisogno dell'aiuto statale per vivere. Senza lavoro per occuparli, i cittadini erano spesso annoiati, portando a disordini civili e rivolte.

L'impero iniziò a tenere giochi gladiatori al Colosseo e al Circo Massimo per intrattenere e intrattenere la folla indisciplinata. Questi giochi includevano combattimenti all'ultimo sangue e bestialità. Più estremo era l'intrattenimento, più era probabile che la folla fosse intrattenuta. Questo intrattenimento costava fino a un terzo della ricchezza dell'Impero.

Comportamenti degenerati di ogni tipo apparivano anche nelle feste religiose come i baccanali, che erano feste legate a Bacco, il dio dell'ubriachezza e del vino. Queste feste includevano sacrifici sanguinosi, promiscuità sessuale e atti osceni.

La critica di Couture alla decadenza

Couture ha dipinto quello che sembra essere un baccanale. Ci sono più di 30 personaggi che partecipano alla festa. La scena è frenetica e i personaggi sono sparsi sulla tela. Alcuni personaggi sono presi nella loro intimità, mentre altri continuano nella festa; Alcuni condividono le loro coppe di vino, altri svengono, ubriachi.

Tuttavia, il dipinto di Couture non celebra questi personaggi presi dal vortice della festa. Ispirato ai versi del poeta romano Giovenale "Il vizio è caduto e vendica l'universo vinto", Couture critica la decadenza di Roma e l'inevitabile disgrazia di Roma.

Secondo l'artista, Roma è diventata decadente perché ha allentato i suoi standard morali. La donna in bianco al centro della composizione ci guarda e cattura la nostra attenzione. Le donne vestite di bianco spesso simboleggiano la purezza e la virtù. Qui, tuttavia, essa è rilassata, come se fosse ubriaca. L'uomo dietro di lei ha la mano sulla spalla scoperta. Dietro di lei, una donna infila qualcosa nel bicchiere che l'uomo ha in mano. Possiamo supporre che l'uomo stia per drogare la donna in bianco e violentarla. Come rappresentazione della virtù e della purezza, il suo stato di rilassamento consente a tutte le azioni lascive intorno ad esso di verificarsi incontrollate.

La drammaticità della scena ci lascia poca tregua. Tuttavia, l'aspetto stoico e calmo delle statue – molto probabilmente di grandi capi militari e generali romani – contrasta con il dramma che si svolge sotto. Ovunque si guardi nella composizione, si notano le statue dell'antichità che guardano dall'alto in basso i partecipanti al festival, come per giudicare il loro comportamento degenerato.

Alcuni dei festaioli sembrano ridere delle statue: uno di loro è in piedi, con le spalle rivolte allo spettatore, e brinda alla statua dietro di lui; un altro, all'estrema destra della composizione, è salito su una statua e gli offre di bere dalla sua coppa. Questi atti non sono espressioni di ammirazione, ma di vanità.

In fondo alla composizione, nel bel mezzo del gioco frenetico dei personaggi, un vaso rovesciato con frutti e fiori tutt'intorno ci ricorda che si tratta di un dipinto "vanitas". Questo stile di pittura include spesso oggetti banali come candele usate, vino versato e alcuni teschi. Couture cerca così di ricordarci i pericoli della vanità, che questi piaceri sono fugaci e che le nostre vite sono meglio spese se cerchiamo di capire la moralità e viverla.

Oltre alle statue, anche due filosofi a destra della composizione sembrano giudicare i personaggi. Il fatto che siano completamente vestiti li distingue dalla maggior parte degli altri personaggi. Rappresentando il pensiero razionale e critico in mezzo all'irrazionale incoscienza, guardano all'evento con disprezzo.

Il messaggio morale del dipinto

Spesso sentiamo dire che chi non conosce la storia è condannato a ripeterla. Il dipinto di Couture fornisce un'interpretazione visiva dell'immoralità storica che dipinse per mettere in guardia la società francese del diciannovesimo secolo contro i pericoli dei suoi eccessi.

Qual è l’insegnamento morale che vuole trasmetterci il pittore? I baccanali erano dominati dall’ irrazionalità, da un fervore emotivo e da comportamento decadente. Couture vorrebbe che facessimo il contrario.

I filosofi sul lato destro della composizione rappresentano la pratica del pensiero razionale e del pensiero critico utilizzati per contemplare verità profonde mentre le statue stoiche che circondano le figure rappresentano la forza e l'autocontrollo. Quindi, dovremmo praticare il pensiero critico, l'autocontrollo e la ricerca di verità più profonde?

Gli elementi di vanità nella parte inferiore della composizione suggeriscono che perdiamo troppo tempo a cercare guadagni materiali o piaceri fugaci. Dovremmo invece riconoscere che il nostro tempo sulla terra è limitato e praticare la moralità, poiché i nostri comportamenti collettivi degenerati potrebbero portare alla fine della nostra grande prosperità.