Verdi, Giuseppe – Nabucco

Introduzione

Nabucco (originariamente chiamato Nabucodonosor) è un'opera in 4 atti del compositore romantico Giuseppe Verdi, rappresentata per la prima volta nel 1841, su commissione del Teatro alla Scala di Milano. Il libretto, scritto da Temistocle Solera, evoca l'episodio biblico della schiavitù degli ebrei a Babilonia riportato nei libri di Geremia e Daniele (Antico Testamento).
L'opera, rappresentata il 9 marzo 1842 alla Scala di Milano, ebbe un colossale successo, tanto da eclissare completamente le opere dei contemporanei come Donizetti, soprattutto per le aspirazioni rivoluzionarie che l’opera trasmetteva e che trovavano risonanza nel pubblico lombardo, allora sotto controllo austriaco. L'accoglienza della critica fu però più contenuta, perché in Nabucco, Verdi rompe completamente con i principi del genere e propone un nuovo tipo di opera italiana. Ciò non impedì all’opera di essere rappresentata in molti teatri italiani ed europei (in particolare alla Fenice di Venezia) dalla fine del 1842 in poi.

I fatti rappresentati

L'inizio di Nabucco ha luogo a Gerusalemme, all'interno del Tempio di Salomone dove gli Ebrei sono preoccupati per l'arrivo degli Assiri, alias Babilonesi, che invaderanno la città sotto la guida del loro re Nabucco. Arriva il sommo sacerdote Zaccaria a rassicurarli, rivelando loro di tenere in ostaggio la figlia di Nabucco, Fenena, che affida a Ismaele, nipote del re di Gerusalemme. Arrivano gli Assiri, guidati da Abigail, la primogenita di Nabucco, che offre la vita a Ismaele, essendone innamorata. Nabucco giunge davanti al Tempio, ma esita a usare la forza, vedendo Zaccaria che si prepara ad uccidere la figlia tenuta prigioniera.
Come sempre in Verdi, l'intreccio dei sentimenti romantici con le esigenze della politica crea conflitti che generano le contraddizioni del dramma. Innamorato di Fenena, Ismaele la salva dalla mano vendicatrice del sommo sacerdote Zaccaria. Nabucco può allora distruggere il Tempio e ridurre in schiavitù gli Ebrei. Abigail, innamorata respinta da Ismaele, decide di vendicarsi del popolo ebraico.
Scopre di non essere la figlia di Nabucco ma una discendente di schiavi. Mentre Zaccaria prega il suo Dio di salvare Israele, apprende che Fenena, custode degli ebrei prigionieri, si è convertita per amore di Ismaele e si prepara a liberarli. Abigail arriva e prende la corona reale che Fenena custodiva e sta per dichiararsi regina degli Assiri quando Nabucco, che si diceva fosse morto, arriva e recupera la corona; dichiara di essere una divinità e chiede a tutti di prostrarsi davanti a lui.
In seguito a questa delirante invocazione, un fulmine lo abbatte e lo rende pazzo e impotente. Abigail prende così il sopravvento su Nabucco, divenuto ormai impotente e decaduto, in balia della sua falsa figlia salita al potere e che si appresta a far uccidere Fenena.
Nell'azione finale, Nabucco rinsavisce e rinuncia ai riti pagani, pronto a tutto pur di salvare la figlia. Riesce a interrompere la cerimonia di esecuzione di Fenena, si prepara a frantumare l'idolo babilonese e tutti i protagonisti glorificano Jehovah, dio degli Ebrei: anche Abigail gli rende omaggio prima di suicidarsi.

Il contesto storico e politico

Comprendere la dimensione politica di quest'opera richiede la sua contestualizzazione. Negli anni 1840, la Lombardia sotto l'occupazione austriaca, e più in generale l'Italia, conobbero un vero e proprio salto in senso nazionale che si manifestò nelle arti con una sorta di sciovinismo nei circoli aristocratici italiani. Nella musica questo si manifesta con la promozione dell'opera in contrapposizione alla musica strumentale, associata all'occupante di origine germanica. Attraverso queste scelte artistiche ed estetiche, gli italiani manifestarono il loro desiderio di unità: queste furono le premesse del Risorgimento, che iniziò con una rivolta del popolo italiano nel 1848 e terminò con l'annessione di Roma il 20 settembre 1870.
Nel 1840 l'Austria, consapevole della posta in gioco rappresentata dallo sviluppo della musica italiana e dalla sua possibile strumentalizzazione politica, reagì con una serie di censure. Ad esempio, fu proibita la creazione di opere che potessero suscitare aspirazioni rivoluzionarie. Così, quando Verdi ritrae un popolo oppresso nel suo melodramma, va contro la censura del tempo. Che le autorità abbiano o meno compreso la sua dimensione politica, che abbiano scelto consapevolmente o inconsciamente di non impedirne la produzione è del tutto secondario. D'altra parte, le conseguenze di quest'opera sulla carriera di Verdi sono molto importanti, a partire dall'etichetta che ora gli viene associata: quella di compositore "impegnato", in rivolta contro l'ordine sociale e politico del suo tempo e che mette in scena prototipi di eroi rivoluzionari che combattono le ingiustizie sociali. Dalla sua creazione, il Nabucco divenne il simbolo dell'arte italiana, e quindi il segno musicale di un'Italia riunificata. Il suo coro del terzo atto, "Va pensiero", è diventato un inno alla libertà.

Il ruolo del coro

Soprattutto uomo di teatro, Verdi scelse per Nabucco un soggetto ricco di linguaggio poetico e di situazioni drammatiche. La sua logica drammaturgica si basa sulla rapida successione di situazioni forti con personaggi contrastanti. Da questa drammaturgia del conflitto scaturisce una struttura in grandi quadri, all'interno della quale sono inserite forme tradizionali di aria o recitativo, quando servono per raggiungere un obiettivo drammatico. Per Verdi, nulla dovrebbe interrompere il ritmo drammatico che porta alla catarsi finale. Il compositore inserisce il dramma in pochi interventi ed entra subito nel bel mezzo della storia con il coro degli Ebrei che introduce gli ascoltatori alla problematica dell'opera: l'oppressione e il martirio del popolo ebraico.
Iniziando il suo lavoro con un coro, Verdi ci fa intuire l'importanza che quest'ultimo avrà nel dramma e di ciò che esso rappresenta. I cori del Nabucco, e in particolare quello degli ebrei e quello degli schiavi nel terzo atto, rappresentano l'individualità collettiva: il coro è un personaggio a sé stante, un protagonista del dramma. I cori che trasmettono anche i riferimenti patriottici che hanno acceso le aspirazioni rivoluzionarie del pubblico. E per rafforzare questa idea di "unità del popolo", Verdi a volte fa cantare all'unisono i suoi cori, come all'inizio di "Va pensiero".
Questa predominanza di cori va a discapito dei personaggi solisti che, coinvolti un meccanismo drammatico implacabile, poco sviluppato a livello psicologico, rimangono quindi poco sfumati, a volte al punto tale da apparire quasi grossolani. Ma per Verdi, fortemente influenzato dal teatro popolare italiano che non esita a mettere in scena l'inverosimile, tutto questo non importa se la verità è assicurata nei grandi momenti drammatici: con lui, entriamo davvero nella drammaturgia dell'evento.

Un nuovo genere di opera

Il trattamento musicale di Nabucco rompe con i principi del genere italiano stabiliti da Rossini, Bellini e Donizetti e crea i futuri canoni delle opere verdiane. Ma singolarità non significa rottura, poiché l'opera di Verdi si colloca più nel rinnovamento di un certo numero di dispositivi musicali a fini teatrali, che nella fondazione di un nuovo genere che nega ogni legame con il passato. La sua attitudine di sintesi si manifesta in particolare attraverso la scrittura del finale, dove tutti i protagonisti sono sul palco ed esprimono i loro stati d'animo, su uno sfondo orchestrale dello stesso motivo.
La novità sta nel fatto di integrare il coro nelle cadenze finali che sostiene, così sia l'ensemble vocale che aggiunge tensione drammatica alla scena. Verdi, non vedendo alcun interesse per i momenti di introspezione e volendo privilegiare l'avanzamento dell'azione, riduce la parte riservata ai momenti recitativi. Così, con Nabucco, Verdi propone un nuovo tipo di forma che potrebbe essere descritta come "lineare" caratterizzata da una melodia ininterrotta. Questa nuova struttura musicale non gli impedisce di mantenere l'aria (cavatina o ballata) di presentazione di un personaggio come quello di Abigaille all'inizio del secondo atto, e di prevedere duetti tra i protagonisti principali.
Infine, la sinfonia che apre l'opera è anche un esempio significativo di innovazione, perché è simile a un montaggio musicale, costruito secondo i temi dei momenti drammatici dell'opera: gli accordi di tutti annunciano quelli delle cavatine di Zaccaria, il tema dell'Allegro è costruito sul coro "Il maledetto" (scena 2, atto II), poi la presentazione di "Va pensiero" su clarinetto e oboe, seguita dai temi dei Sacerdoti di Baal e infine il motivo estratto dal faccia a faccia tra Abigaille e Nabucco, nel terzo atto.

Elaborazione vocale e l'avvento del canto verdiano

Nel Nabucco il coro è il centro di gravità musicale. Occupando i due terzi dell'opera, il coro verdiano ritorna alla sua antica funzione di commentatore del dramma ed è attraverso di essa che Verdi sceglie di portarci nel dramma fin all'inizio dell'opera. Ma il compositore gli dà una nuova dimensione, trattandolo vocalmente come un personaggio solista: ad esempio, nel finale del secondo atto, canta lo stesso motivo degli altri personaggi. Questo trattamento "paritario" è rafforzato dagli unisoni che partecipano a questa personificazione del coro come in "Va pensiero". A livello melodico, il trattamento del coro è caratterizzato dal doppiaggio in terza o sesta (= il coro canta la stessa melodia dei solisti, ma in un tono diverso), sotto voce (= non canta a voce piena), progressioni in quarte (= le melodie iniziano con una quarta ascendente), o omoritmie (= tutti i protagonisti cantano sullo stesso ritmo).

Per rafforzare la tensione drammatica di certe scene, Verdi propone anche nuovi effetti acustici come quello della spazializzazione: ad esempio all'inizio del quarto atto dove il coro inizia a cantare dietro le quinte una marcia funebre per accompagnare il sacrificio di Fenena e si avvicina cantando.
l trattamento vocale dei solisti testimonia la volontà di Verdi di stabilire nuovi canoni vocali diversi da quelli del bel canto. In generale, il canto verdiano è caratterizzato da un abbandono degli ornamenti a favore di melismi in curve melodiche (formula melodica che consiste nel caricare su di una sola sillaba una serie di note successive con altezze diverse.) dove sillabismo (solo una nota è cantata per sillaba, senza vocalizzazioni) e partenze in ascesa (inizio della canzone in “contretemps” prima della misura, per dare un'impressione di vivacità) sono predominanti.

Con Nabucco, il compositore ricorre a nuovi ambiti entro i limiti del quale si sviluppa la melodia come quella del baritono "verdiano", Nabucco, a cui viene attribuito un ruolo drammatico più importante, e quindi arie più virtuose, e il soprano drammatico, Abigaille che deve avere le capacità vocali di un soprano di coloratura, pur sapendo interpretare le parti più basse e calde.
Il suo allontanamento dalle convenzioni si manifesta anche con il rifiuto di fare uso di un eccessivo virtuosismo vocale preferendo linee più semplici in cui i voli lirici al momento delle cadenze sono scritti e non improvvisati, come poteva essere il caso fino ad allora. Infine, è attraverso il trattamento vocale che Verdi simboleggia l'opposizione dei due personaggi principali del dramma, Nabucco e Abigaille. Ad esempio, nel loro faccia a faccia nell'ultimo atto, quando Nabucco chiede ad Abigaille di salvare la vita della sua legittima figlia Fenena, egli canta un pezzo molto lirico ed espressivo, che contrasta totalmente con quella di Abigaille che lega linee vocali molto virtuose. Questa opposizione tra la supplica di Nabucco e la violenza della risposta di Abigaille è ulteriormente rafforzata dall'accompagnamento orchestrale per il quale Verdi scrisse ritmi serrati, suonati su ottoni, rafforzando così la tensione drammatica della scena.