Il male, le sue espressioni e le sue forme

Il male, le sue espressioni e le sue forme

Di

Matteo Colombo

Liceo scientifico F. Enriques

Via Martiri della Libertà, 124

Lissone (MI)

Anno scolastico 2006-2007 Füssli

“L’incubo” 1

Introduzione

Si può analizzare il male sotto diversi aspetti e basandosi su differenti criteri.

Il problema viene decomposto in termini metafisici, morali e fisici al fine di rispondere ai seguenti interrogativi di fondo:

Appurato che il male esiste, che cos’è e in che cosa consiste?

• Come si configura in relazione all’uomo?
• Quali sono le sue rappresentazioni e le sue possibili manifestazioni nel reale?
• Red dragon”

“Great Blake

2

Il male fantastico

È il male visibile, tangibile, rappresentato. Spesso identificato nella figura del diavolo, assume fattezze di personaggi malefici, ripugnanti, nemici del bene.

Il male è qualcosa di distaccato dall’individuo, di contrapposto e, anche se a volte risulta essere una parte costitutiva dell’uomo, nella rappresentazione del male fantastico si scinde in un “personaggio” a sé stante.

Paradise Lost (1667)

Summary:

God appoints His Son to the seat of honour on His right hand. The archangel Lucifer (meaning “light bearer”), who desires that position for himself, rallies one tenth of the other angels and stars a war against God and His followers. God proves superior and defeats him in a terrible war in Heaven.

Lucifer, whose name is now Satan (meaning “enemy”), and his rebel army are hurled down to Hell, the place of fiery torment that God had prepared for them. Satan vows eternal vengeance and decides to tempt man, God’s latest creature. He flies to the Garden of Eden where he persuades Eve to taste the forbidden fruit of the Tree of Knowledge. Adam also eats it, then determined to share Eve’s fate.

Because of their disobedience they are driven from the Garden of Eden into the world.

Books:

• I. Description of Satan and his “horrid crew” rolling in the fiery gulf of Hell.
• II. The rebel angels meet in council to decide what is to be done.
• III. God foretells man’s disobedience, while Satan reaches the Earth.
• IV. Satan spies on Adam and Eve in the Garden of Eden.
• V.VI. Narration of earlier events (the war in Heaven).
• VII.VIII. Creation of Earth and construction of the universe.
• IX. Temptation of Eve.
• X. The Son judges Adam and Eve.
• XI.XII. The archangel Michael shows Adam and Eve the future of man, before they leave the Garden of Eden.

Description of Milton’s universe:

According to Milton’s conception, the universe was composed first of Heaven, or the Empyrean where God and His angelic subjects dwell. Below Heaven lies Chaos where there is a continuous battle of storm, wind and wave and stunning sounds. Hell is at the bottom of Chaos. The shape of Milton’s Hell owes much to Dante: the infernal landscape has a lake of fire, dry land that burns like fire and region of excessive cold and heat intersected by rivers. The World is the centre of the universe and hangs by a gold chain from the floor of Heaven.

Satan: Lost”.

The character of Satan has an important role in Milton’s “Paradise Lost”. In fact he has the traits of an epic hero – great energy and vitality, courage unquenched by defeat, determination to continue his fight and undertake what the others dare not, leadership and concern for his followers. In Books I and II the reader sympathises with the former Archangel and forgets that he is dominated by “obdurate pride”, that all his energy is misdirected and that he is working towards an evil end. Yet the view of Satan as the hero of “Paradise Lost” does not seem compatible with the whole structure of the poem which presents his physical and moral degeneration in the form of the serpent and the loss of all his initial dignity and grandeur. Nor is it compatible with the purpose Milton proclaimed in writing the poem – “to justify the way to God to man” – or with the very nature of classical epic. The hero of an epic is meant to represent the virtues of the civilization concerned.

The traits of the “obdurate pride” is carefully analysed in book: “A reader’s guide to John Milton” by Marjorie Nicholson. According to her, nowadays, pride is an admirable quality, with a positive connotation, in the past and in Milton’s period it had a negative one. The classical mythology and tragedy considered pride a terrible sin, punished by gods; also the Christianity underlined the importance of meekness and humility and it judged pride as the most terrible of the 7 Deadly Sins. Milton and his contemporaries believed that everything in the universe had a rank in the so called “great chain of beings”. When Satan was still an angel he had his stable rank in the great chain of Nature, but in the moment in which he wanted an higher place in the chain and rebelled to God, he broke the regular course of Nature and so he had been punished. Satan symbolised all the negative qualities and sins. He tempts man and he tries to conduct him on the way of evil. Man sees in his figure all his nightmares and the bigger principle of evil, enemy of God, who is the celestial light.

3

Extract from Book I

"Is this the region, this the soil, the clime,"

Said then the lost Archangel, "this the seat

That we must change for Heaven?--this mournful gloom

For that celestial light? Be it so, since he

Who now is sovereign can dispose and bid

What shall be right: farthest from him is best

Whom reason hath equalled, force hath made supreme

Above his equals. Farewell, happy fields,

Where joy for ever dwells! Hail, horrors! hail,

Infernal world! and thou, profoundest Hell,

Receive thy new possessor--one who brings

A mind not to be changed by place or time.

The mind is its own place, and in itself

Can make a Heaven of Hell, a Hell of Heaven.

What matter where, if I be still the same,

And what I should be, all but less than he

Whom thunder hath made greater? Here at least

We shall be free; th' Almighty hath not built

Here for his envy, will not drive us hence:

Here we may reign secure; and, in my choice,

To reign is worth ambition, though in Hell:

Better to reign in Hell than serve in Heaven.

But wherefore let we then our faithful friends,

Th' associates and co-partners of our loss,

Lie thus astonished on th' oblivious pool,

And call them not to share with us their part

In this unhappy mansion, or once more

With rallied arms to try what may be yet

Regained in Heaven, or what more lost in Hell?"

So Satan spake; and him Beelzebub

Thus answered:--"Leader of those armies bright

Which, but th' Omnipotent, none could have foiled!

If once they hear that voice, their liveliest pledge

Of hope in fears and dangers--heard so oft

In worst extremes, and on the perilous edge

Of battle, when it raged, in all assaults

Their surest signal--they will soon resume

New courage and revive, though now they lie

Grovelling and prostrate on yon lake of fire,

As we erewhile, astounded and amazed;

No wonder, fallen such a pernicious height!" 4

Pittura visionaria

La solitudine esistenziale che emerge con il romanticismo segna la fine dell’utopia sociale di stampo illuministico: l’uomo in un certo modo si distacca dalla concretezza della realtà, e nello stesso tempo la gamma dei colori si amplia perché sia possibile dipingere “ciò che non si vede”. Le figure diventano più leggere ed immateriali, meno concrete e definite, in corrispondenza al venir meno dell’antropocentrismo neoclassico. La bellezza non si legge più nella statica dei corpi: ora emergono le forze dell’animo umano e plasmano in modo talvolta deforme o sinistro la materia, secondo i moti anche disordinati dello spirito. Nel contempo, la figura dell’artista viene investita di una responsabilità del tutto nuova, quasi fosse il demiurgo di un paradiso perduto, di una parola divina da ritrovare che si eleva al di sopra attraverso la mediazione dello stile. L’artista trasmette il messaggio divino: “l’uomo di tutti è l’artista; profeta è colui che è dotato di immaginazione” (Blake).

Lo svizzero Johann Heinrich Fűssli (1741-1825) trasforma le farfalle e la graziosa fauna neoclassica in incubi notturni, in mostri alati che si sperdono nella notte. Il sogno, con tutte le sue implicazioni irrazionali, diventa il regno di fantasia, terrori, immagini balenanti, tentazioni erotiche. Per William Blake (1757-1827) “il mondo dell’immaginazione è il mondo dell’eternità”, dove verità e illusione, esperienza e fantasia, mondo reale e sovrannaturale non hanno barriere. Egli cerca una cosmologia comune a tutte le mitologie, classiche e nordiche, semitiche ed orientali.

Con lo scopo di dare un carattere di assoluto alla sua visione, inventa una nuova tecnica per fondere le parole con il testo e trovare una sintesi tra narrazione ed ornamento, rinnovando la miniatura del medioevo. Le sue figure conservano una classica bellezza e una purezza di linee straordinarie, ma questa grandiosità in Blake si assottiglia, perde corpo e si fa energia fluttuante. E così, per esempio, Isaac Newton (1795), l’eroe neoclassico per il quale era stato ideato un mausoleo celebrativo, con Blake abita i fondi marini prigioniero del proprio calcolo.

Saturno di Goya (1820-1823, olio su muro, 143,5 x 81,4 cm, Madrid, Museo del Prado)

L’immagine di Saturno, rappresentata da Goya, è, senz’altro, frutto del mito greco che lo vede protagonista.

Dall'unione di Urano (il Cielo) e di Gea (la Terra) nacque Crono, il quale si impossessò con la forza del regno paterno e divenne il primo re degli dei. Dal suo matrimonio con Rea ebbe cinque figli, che egli, temendone la sete di potere, inghiottiva appena nascevano. Ma Rea volle salvarne uno, Zeus, che, divenuto adulto, dopo una lunga lotta dalla quale uscì vittorioso, costrinse il padre a vomitare i figli ingoiati e lo precipitò incatenato nel fondo della Terra.

I romani identificarono Crono con il dio delle messi, Saturno, protagonista di uno dei dipinti più orrorifici di tutta l'arte occidentale.

Il realizzatore fu Goya, il quale, nel suo “periodo nero”, rappresentò Saturno proprio nell'atto di divorare uno dei suoi figli. L’immonda vecchiezza del personaggio è sottolineata dalla barba e dai capelli grigiastri, che emergono dalla penombra della notte con violenza disumana. La selvaggia magrezza del Dio che con i suoi artigli ghermisce il corpo straziato del figlio, è evidenziata dal corpo deforme, che lascia intravedere le ossa sotto la pelle, illuminato qua e là da bagliori di luce. La parte più suggestiva del dipinto è sicuramente il volto del Dio: gli occhi sbarrati ed indemoniati gettano lampi di follia e le fauci spalancate inghiottiscono brandelli di carne sanguinolenta.

5

La figura del figlio di Saturno non è quella tradizionale di un bambino, bensì rappresenta un uomo adulto. Sembra quasi che Goya volesse rappresentare lo sconforto dell’uomo moderno che viene divorato da una realtà ostile. Infatti l'orrore e la follia che traspaiono non sono fini a se stessi, il tema è più ricco di allegorie di quanto si possa pensare. È un chiaro riferimento a Ferdinando VII (re di Spagna dal 1808 al 1833), e alle sue feroci repressioni. Egli infatti sterminava i suoi sudditi così come Saturno divorava i suoi figli, entrambi in preda alla smania di potere e alla follia di onnipotenza. La drammaticità del tema è riportata sulla tela mediante colori sporchi e terrosi, prevalgono infatti le sfumature del marrone e del grigio con qualche pennellata di rosso acceso per rendere il colore del sangue. La figura si staglia su uno sfondo completamente nero ed oscuro e risulta illuminata solo in alcune parti, mentre altre rimangono nascoste. Saturno risulta così l’emblema dell’abbrutimento cannibalesco e del male, in cui l’orrore e la paura emergono dallo sguardo penetrante e dalla figura straziata, immersi in una atmosfera allucinata. Una inquietante vitalità proviene, invece, dalla composizione geometricamente diagonale delle spalle e della gamba destra, che danno le direttive del dipinto. L’animo tormentato del pittore rivive qui in tutta la sua violenza, e lo testimonia anche la tecnica da lui utilizzata: un olio su intonaco, strappato e riportato sulla tela.

Saturno di Rubens (1636, olio su tela, Madrid, Museo del Prado)

La fonte a cui Goya si fa per dipingere il suo Saturno è senz’altro il dipinto omonimo di Rubens, pittore fiammingo del 1600. Anche nel dipinto di Rubens Saturno, rappresentato come un vecchio con lunghi capelli grigi ed una barba da eremita, è intento a divorare uno dei suoi figli. A differenza di Goya il soggetto fiammingo è rappresentato con estrema perizia di particolari: infatti la figura umana è resa nella sua immagine reale, le braccia, le gambe ed il petto mostrano tutta la tensione dell’evento e anche nell’espressione del viso il dipinto appare più realistico.

Nella sua rappresentazione Goya ha preferito una pennellata più libera e “a chiazze”, infatti predominano zone della tela in cui il tono cromatico risulta più marcato, mentre nell’opera di Rubens la pennellata è accademica, il colore è steso con estrema cura e attenzione, come si evince dalle zone di luce ed ombra che sono più o meno illuminate a seconda dell’inclinazione del corpo.

È proprio nel corpo del Dio la maggiore differenza tra i due pittori. Il Saturno di Rubens è una figura statica, con fattezze reali ed antropomorfe, in posa statuaria, nel caso di Goya la divinità è scomposta e in qualche modo astratta.

Inoltre Rubens, nel raccontare la vicenda di Saturno, decise di tenersi fedele alla narrazione del mito: infatti il figlio è un bimbo appena nato e non già adulto come in Goya.