Artista Maledetto, tesina

essere creato fosse già stato realizzato). I poeti simbolisti furono però in grado di

trovare una via d’uscita da questa opprimente e statica situazione storica e sociale,

attraverso l’arte e, soprattutto, l’esplorazione dell’ignoto: il tema dell’irrazionale è

infatti un punto fisso nella poesia simbolista, poiché rappresenta il rifiuto della

visione scientifica e razionale, che aveva caratterizzato gran parte della letteratura,

in particolare la prosa, francese del periodo immediatamente precedente (basti

pensare al grande romanzo naturalista francese). Questa ricerca, del tutto

soggettiva, si concretizza attraverso simboli, analogie e immagini evocative, che

mirano al disvelamento della realtà nascosta dietro alle apparenze sensibili della

quotidianità, all’essenza più profonda delle cose e dell’universo. Per quanto

riguarda la forma, più di ogni altra cosa viene privilegiata la parola con i suoi suoni

e la sua musicalità. Tutto ciò si manifesta nelle poesie sia con figure semantiche

quali metafore, analogie e sinestesie, sia con figure foniche (allitterazioni,

assonanze e consonanze).

1.4: La visione simbolista di Charles Baudelaire

Nonostante Charles Baudelaire, poeta, critico e giornalista francese, non possa

essere ritenuto un “artista maledetto”, poiché morto qualche decennio prima della

nascita del termine, analizzare alcune delle sue poesie può essere fondamentale

per meglio comprendere lo stato d’animo e la situazione sociale dei poètes maudits,

data la presenza di varie caratteristiche in comune tra Baudelaire e i poeti

successivi.

Charles Baudelaire nacque a Parigi nel 1821, da una famiglia borghese benestante e

rispettabile; i suoi genitori, per strapparlo alla vita dissoluta da bohémien della sua

gioventù, decisero di imbarcarlo su una nave diretta in India. Questo viaggio, mai

concluso dal poeta che sceglierà di ritornare in Francia prima di giungere alla meta,

sarà molto importante nella produzione letteraria di Baudelaire, spesso legata al

tema dell’esplorazione e dell’esotismo. Tornato a Parigi, lo scrittore sperperò in

poco tempo l’eredità ricevuta dal padre (morto quando lui era piccolo) e fu poi

costretto a dedicarsi alla critica (sia letteraria che d’arte) per vivere. Fu proprio

grazie al suo lavoro come critico che ebbe modo di conoscere Edgar Allan Poe,

poeta e scrittore statunitense: in lui Baudelaire riconosce uno spirito fraterno,

attratto come lui dalle atmosfere nere e allucinate e come lui incompreso e

sregolato. Il capolavoro di Baudelaire è senza dubbio la raccolta de I fiori del male

(Les fleurs du mal in francese), pubblicata nel 1857 e sottoposta a processo per il

grande scandalo suscitato; la sentenza fu negativa e il poeta fu costretto a

modificare la sua opera, la cui seconda edizione uscì nel 1861. Nello stesso tempo

però il suo fisico era ormai provato dall’uso di sostanze stupefacenti (tra cui oppio

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e hashish) e dalla malattia, la sifilide, contratta durante la sua giovinezza; l’insieme

di tali aspetti portò alla morte di Baudelaire nel 1867.

I fiori del male è un romanzo in versi, una raccolta di poesie che racconta il

simbolico “viaggio” del poeta e la sua combattuta condizione, in bilico tra “ideale”,

ovvero la bellezza ideale, i valori, l’anima dell’universo che segretamente collega

ogni aspetto della vita, e lo “spleen”, paragonabile all’umor nero degli antichi, una

sensazione di profonda malinconia e disagio interiore. Proprio da questo stato

d’animo l’artista cerca continuamente di fuggire, con vari tentativi: l’alcool, le

droghe, l’amore, la negazione di Dio e la morte, non come fonte di salvezza nel

trascendente ma come disperato tentativo di trovare nell’ignoto qualcosa di nuovo.

L’opera, seppur caratterizzata da un disegno organico, è divisa in sei sezioni:

“Spleen e ideale”, “Quadri parigini”, “I fiori del male”, “La rivolta”, “Il vino”, “La

morte”. Uno dei temi principali, come già ho anticipato, è quello dello spleen, stato

di angoscia provato dall’artista, consapevole del fatto che la società moderna ha

svuotato l’arte di ogni significato, così come ha ridotto la vita a misera e continua

ricerca del profitto. Tale concetto era così importante per Baudelaire al punto di

dedicargli un’intera poesia: “Spleen”.

La poesia “Spleen” è contenuta nella prima sezione, intitolata “Spleen e ideale”. Dal

punto di vista formale, l’autore si è dimostrato fedele alle forme della tradizione;

ciò che veramente colpisce è il modo in cui Baudelaire utilizzò un lessico

quotidiano e immagini sgradevoli per calarci implacabilmente nella sua interiorità,

senza garantirci alcuna possibilità di fuga. Il poeta fece ricorso ad alcune immagini

particolarmente crude e spiacevoli per fare entrare, prima lentamente, poi in modo

vertiginoso, il lettore in una dimensione lugubre e opprimente, attraverso

espressioni del linguaggio comune:

«

Quando come un coperchio il cielo pesa

grave e basso sull’anima gemente

in preda a lunghi affanni, e quando versa

su di noi, dell’orizzonte tutto il giro

abbracciando, una luce nera e triste

»

più delle notti PAGINA 8

In questi primi versi possiamo già percepire l’atmosfera cupa e tenebrosa della

mente dell’autore, che trapela dalla descrizione dal cielo, paragonato ad un

coperchio che ci schiaccia verso il basso:

«

e quando si è mutata

la terra in una cella umida, dove

se ne va su per i muri la Speranza

sbattendo la sua timida ala, come

un pipistrello che la testa picchia

su fradici soffitti; e quando imìta

la pioggia, nel mostrare le sue striscie

infinite, le sbarre di una vasta

prigione, e quando un popolo silente

di infami ragni tende le sue reti

in fondo ad i cervelli nostri, a un tratto

furiosamente scattano campane

come spiriti erranti, senza patria,

che si mettono a gemere ostinati.»

L’atmosfera è qui ulteriormente amplificata, attraverso una serie di similitudini e

metafore. La Speranza viene personificata e paragonata ad un agonizzante

pipistrello; la mente è comparata ad una cella fredda e inospitale, popolata da

ragni. La scelta lessicale assume un forte rilievo: per accentuare ancora di più il

tono di sofferenza che pervade la strofa, vengono impiegate espressioni sgradevoli

quali “cervelli nostri” e “urlo atroce”. Questa prima, lunga, strofa è seguita

solamente da un’altra stanza, di soli cinque versi:

«…E lunghi funerali lentamente

senza tamburi sfilano né musica

dentro l’anima: vinta, la Speranza

piange, e l’atroce Angoscia sul mio cranio

pianta, dèspota, il suo vessillo nero.» PAGINA 9

Le ultime cinque righe forniscono, per mezzo di un linguaggio analogico, la

definizione di spleen: un corteo funebre, la disperata rassegnazione di fronte alla

sconfitta della Speranza da parte dell’Angoscia, che ha ormai ottenuto il totale

controllo sulla mente dello scrittore. Il lettore si sente sprofondare, con il passare

dei versi viene spinto verso il basso fino a ritrovarsi in un ambiente freddo,

inospitale, una sorta di incubo senza via d’uscita.

Particolarmente importante risulta essere anche la riflessione compiuta da

Baudelaire sulla condizione dell’artista all’interno della società, condizione di cui

il poeta parigino sembra essere ben consapevole: l’artista dell’‘800 non era più

apprezzato come in passato, per lo meno non l’artista che si esprimeva

liberamente, seguendo il suo talento e il suo istinto. Nel corso del XIX secolo il

concetto di bello assoluto entrò in crisi e inoltre i grandi cambiamenti sul piano

politico condizionarono il rapporto tra artisti e opinione comune. Sempre nella

sezione “Spleen e ideale” de I fiori del male, Charles Baudelaire creò un parallelo tra

un albatro e se stesso: come l’albatro, il poeta non si sente a suo agio nella società,

non viene compreso dagli altri, anzi viene isolato e schernito:

« Com’è fiacco e sinistro il viaggiatore alato!

10 E comico e brutto, lui prima così bello!

Chi gli mette una pipa sotto il becco,

chi, zoppicando, fa il verso allo storpio che volava!»

Ma nonostante questo, proprio grazie alla sua diversità, il poeta può avvicinarsi a

ciò che altri non riescono neppure a intuire: la sottile rete di “corrispondenze” che

collega ogni cosa, animata e inanimata. L’artista dell’’800, come lo stesso

Baudelaire, spesso conduceva una vita sregolata, dedita ad ogni tipo di vizio, fuori

dagli schemi della società, ma grazie a questa caratteristica aveva la possibilità di

osservare il mondo da una prospettiva diversa e di coglierne gli aspetti più nascosti,

al di fuori della dimensione del contingente e del razionale, divenendo padrone del

fantastico e dell’irrazionale:

« Il Poeta è come lui, principe dei nembi

che sta con l’uragano e ride degli arcieri;

15 fra le grida di scherno esule in terra,

con le sua ali da gigante non riesce a camminare.» PAGINA 10

Un’ulteriore riflessione di Baudelaire sul processo di declassazione dell’artista nella

società si ha nel poemetto “Perdita d’aureola”, contenuto nell’opera in prosa Spleen

di Parigi, pubblicata postuma nel 1869. Il brano racconta di un santo che si trova in

un luogo malfamato chee, per un movimento brusco, perde la sua aureola e, per

non finire travolto da una carrozza, preferisce non raccoglierla. Tale incidente

diventa ben presto una fortuna per il santo, che si rende conto di avere così

l’opportunità di girare indisturbato tra la gente comune. L’autore colse con molta

acutezza ed ironia il mutamento del ruolo dell’artista nella modernità: il santo,

l’aureola, il fango, non sono altro che delle metafore per indicare la “caduta”

dell’artista, da apprezzato intellettuale al servizio dell’aristocrazia a emarginato:

«

Poc’anzi, mentre […] saltellavo nella mota, […], la mia aureola, ad un movimento brusco che ho fatto, m’è

scivolata giù dalla testa nel fango del selciato. […] Ho giudicato meno sgradevole il perdere la mia insegna che

non farmi fracassare le ossa. E poi, ho pensato, non tutto il male vien per nuocere. Ora posso andare a zonzo

in incognito, commettere delle bassezze e abbandonarmi alla crapula come i semplici mortali. […] D’altronde,

la grandezza m’annoia.»

Baudelaire si trovava perfettamente a suo agio ai margini della società: il ruolo che

sentiva a volte come una specie di condanna, dovuta alle sue scelte di vita, si

rivelava al tempo stesso una fonte inesauribile di ispirazione per le sue poesie ed

altre sue opere. Come emerge chiaramente da Les fleurs du mal, sono proprio gli

ambienti dimenticati da tutti e gli argomenti tabù i temi centrali nella poetica di

Baudelaire: il disagio interiore, l’alcool e le sostanze stupefacenti, la corruzione, la

prostituzione, la negazione di qualsiasi possibilità di salvezza legata alla fede.

Infatti, già nella prefazione all’opera, in modo del tutto provocatorio, afferma di

voler «estrarre la bellezza dal male»; ciò spiega anche l’ossimoro contenuto nel

titolo: i fiori rappresentano da sempre qualcosa di puro, sono simbolo di bellezza

e fragilità; in questo caso invece il concetto di fiore viene ribaltato con violenza,

divenendo parte di una vegetazione velenosa e malata, tema ricorrente nella

letteratura di questo periodo e di quello successivo. PAGINA 11

Capitolo 2

Il passaggio tra ‘800 e ‘900

(1890-1914) PAGINA 12

2.1: Il desiderio di cambiamento nell’Europa orientale

Il sentimento di crisi percepito nell’Europa occidentale si diffuse ben presto anche

a est, in particolare all’interno dell’Impero austro-ungarico dove, a partire dagli

ultimi anni del secolo, gli intellettuali iniziarono a sentire il bisogno di una netta

rottura con l’arte del passato e l’accademismo, ormai percepiti come vincoli troppo

forti dagli artisti. Proprio da tale situazione nascerà poi il fenomeno delle

secessioni: a partire dal 1890 ca alcuni giovani artisti decisero di prendere le

distanze dall’arte ufficiale, affermando una nuova libertà d’espressione, mai vista