Riassunto esame Letteratura inglese, prof. Marrapodi, libro consigliato Shakespeare and Renaissance Literary Theories, Marrapodi

Machiavelli come macchinatore e intrigante, la seconda è quella di

Machiavelli come umanista e colui che inventò la scienza della

politica, intesa come creazione di un approccio laico alla storia.

Shakespeare può aver adottato questa struttura analitica per diretta

conoscenza o meno, ma non vi è dubbio che questo discorso

dell'umanista laico circolava nella classe politica elisabettiana e anche

nel mondo teatrale in molte opere di Christopher Marlowe. Grady

considerava Julius Caesar l'opera machiavellica per eccellenza, con il

suo raggruppamento di questioni relative alla morale, giusta o

sbagliata e nell'analizzare l'attuale condotta politica. Anthony Ellis

argomenta la figura del senex nella shakespeariana As you like it e

nell'ultima commedia di Ruzante L'Anconitana, producendo una

traiettoria culturale di significative situazioni parallele e analoghi che

ruotano attorno al personaggio di Sier Tomao. Il saggio si concentra

sull'uso della caratterizzazione tradizionale del vecchio comico in due

commedie che utilizzano il conflitto intergenerazionale al servizio di

critiche sociali ed economiche più ampie . Il senex comico dimostra

sempre qualche spia come fa nell'Italia del Cinquecento e

nell'Inghilterra elisabettiana . Allo stesso tempo , però , distinte

caratteristiche personali e morali variano da regione a regione .

Quando queste peculiarità (sia linguistiche che comportamentali) sono

analizzate nel contesto delle norme sociali e della convenzione

teatrale rivelano tracce di obiettivi singolari di un determinato

drammaturgo . Il problema della vecchiaia spinge entrambele opere in

esame verso il dominio dell'anticommedia . Ruzante visualizza un

animus nei confronti del suo vecchio personaggio veneziano che è di

classe -based, orientato geograficamente e infine inestirpabile

dall'apparato generico a sua disposizione . Anche se Shakespeare non

sarebbe stato direttamente familiare con l'opera di Ruzante, i due

drammaturghi probabilmente sono stati esposti a molti degli stessi

theatregrams che animano la commedia erudita degli inizi del

Cinquecento italiano. In As you like it, mentre gli accostamenti

multistrato di Shakespeare del senex e puer lo portano a sondare le

vicissitudini della vecchiaia più filosoficamente ( e caritevolmente ) di

Ruzante, gli permettono un altrettanto penetrante critica delle cause

latenti di disagio sociale di turno in Inghilterra. Il capitolo di Robert

Henke fa chiare un numero di sorprendenti affinità tematiche e

strutturali con Shakespeare. Entrambi gli autori testano i limiti generici

della commedia . Le somiglianze riguardano il teatro e una profonda

esperienza di vita rurale . Erano entrambi attori che lavorano durante

tutto il corso della loro carriera di drammaturghi , sia insider e outsider

in relazione ai centri di potere e di cultura con portamento inquieto di

sperimentazione formale. La seconda parte del saggio mette a

confronto la rappresentazione dei drammaturghi della povertà, della

fame e della carità nel contesto di alcune omologie economiche e

sociali tra Venezia e Londra. Anche in varie commedie mature , da

All's well that ends well a Measure for measure, è possibile notare

alcuni tratti tipici del nascente terzo tipo, identificati con la satira e la

tragicommedia fin dal primo dibattito umanista. Questi tratti sono

entrati nella cultura inglese per mezzo di traduzioni, riscritture,

imitazioni e prestiti diretti e indiretti dalle prime pratiche di teatro

"regolare" cinquecentesco alla poesia bucolica e gli scenari pastorali

della commedia dell'arte. La commedia all'improvviso è diventata il

modello più popolare per la diffusione in tutta Europa del vasto

repertorio di theatregrams del tardo Cinquecento, un fenomeno

favorito dalla natura transnazionale e itinerante delle più importanti

troupes di attori professionisti. La rappresentazione della cultura

italiana contemporanea diventa un'ideologica appropriazione del suo

patrimonio mitologico e letterario, in cui i "vizi italiani" sono spesso

contrapposti alle "virtù inglesi" e sostituiti coni valori post-Tridentini di

pazienza, costanza e resistenza. La presenza di questi theatregrams

nelle prime commedie di Shakespeare potrebbe essere spiegata con

l'impatto sulla scena inglese della commedia grave. L'esplicito intento

didattico, contenuto nell'azione decisiva delle figure femminili,

giustifica un'ancora maggiore influenza che si estende ai romanzi

shakespeariani e alle tragicommedie Giacobine e Caroline. Il tema

della Provvidenza può essere trovato in Pericle e nelle tarde

rappresentazioni anglo -italiane di donne sottoposte al giudizio o un

processo con l'arroganza del potere maschile. La donna meravigliosa

che emerge da queste caratterizzazioni è spesso rappresentata come

una figura "santo", sul modello dei principi cristiani di rinuncia e di

resistenza attraverso l'uso di immagini e metafore religiose. Elevato al

rango di promotore del processo di ricongiungimento familiare e di

riconciliazione, questo ruolo salvifico è coerentemente incluso nel

processo di femminilizzazione dei modi iconici, miti, riti e simboli su

cui si basa tutta la costruzione ideologica dei romanzi.

Spectacle, Aesthetics, Representation

L' idea dello spettacolo, la messa in scena vera e propria e l'estetica

della prestazione inerente a qualsiasi forma di teatro sono considerati

in un certo numero di capitoli raccolti nella Parte III. François Laroque

rivisita le opere di Venezia e Verona alla luce dell'idea di carnevale di

Shakespeare in Romeo e Giulietta, Il mercante di Venezia e Otello. In

queste opere Shakespeare propone una visione del carnevalesco

come forma di sovversione, intollerante agli estranei, in cui la

violenza, anche se per lo più verbale evoca immagini grottesche e

musica ruvida per demonizzare l'Altro. In contrasto con i riti di

mumming il carnevale italiano di Shakespeare è ancora vicino ai

disordini del primo maggio contro i mercanti stranieri nella Londra del

1517. L'interesse di Laroque è fondamentalmente di natura

antropologica e la sua discussione suscita la questione dell'ibridazione

e della tragicommedia in relazione al Guarini e l'uso di theatregrams

italiani. Susan Payne discute il tema dell'arte rifratta e della retorica

nel Riccardo II, rivendicando l'influenza del Rinascimento italiano nel

linguaggio del dramma. Payne esamina la matrice estetica di due

scene brevi ma significative e tenta di rintracciare le idee alle loro

fonti senza dubbio italiane. La prima scena è 2.2, tra Folto e la Regina;

analizza il discorso di Bushy sulle lacrime della Regina, con riferimento

alla teoria artistica e la pratica di anamorfosi, o l' uso deliberato di una

distorsione e prospettiva in uscita per generare un punto di vista

obliquo o "guardando storto". Il discorso di Bushy include un

riferimento a un altro fenomeno ottico, che è causato dall'uso di

occhiali "moltiplicatori" che vengono tagliati in un numero di

sfaccettature, ognuno dei quali produce un'immagine separata.

Webster e altri scrittori elisabettiani e giacobini si riferiscono a questi

occhiali e usano il loro effetto come base per la metafora, ma

Shakespeare sembrerebbe essere il primo e in una delle prime opere.

Shakespeare usa deliberatamente la sua conoscenza di queste due

teorie contraddittorie come il palinsesto su cui ha poi sviluppato

l'opera e in particolare il personaggio di Richard stesso. La seconda

scena è 3.4, la scena in cui i giardinieri confrontano la giusta e

corretta coltivazione di un giardino con la corrotta amministrazione di

Richard del Commonwealth. Il giardino nel Riccardo II è simbolo di

ordine e economia famiglia. Ancora una volta, l'idea di recinto, di

un'Inghilterra "murata dal mare", è un riferimento diretto alla Regina

Vergine nel suo hortus conclusus e quindi a tutta una tradizione

dell'arte italiana raffigurante la Madonna Il capitolo di Keir Elam

discute il ruolo estremamente variegato e performativo della

prostituta nei primi mesi del teatro italiano e inglese moderno. È

interessante notare che ci sono significative differenze

sociolinguistiche tra i termini puttana e cortigiana nel periodo. Non

diversamente dal Cortegiano di Castiglione, le funzioni cortigiane

veneziane come simbolo di raffinatezza rinascimentale sono associate

con i costumi esotici di un locale distante. Anche in un'opera con il

titolo Inglese come Blurt, Master Constable, oggetto di fascino per

Dekker è il lusso e la raffinatezza della cortigiana veneziana Imperia e

il suo bordello di alta fascia. Il nesso tra il commercio sessuale

veneziano e l'alta cultura fa di tali personaggi femminili le ideali figure

per esplorare la posizione sociale del teatro di Londra. L'approccio

comparativo di Duncan Salkeld sottolinea la presenza di un fondo

comune che unisce i principi estetici italiani con il linguaggio

performativo di Shakespeare, soprattutto in queste tarde commedie,

in cui la questione è dibattuta su quale sembra essere l'arte più

eccellente ( la poesia o la pittura ) . Egli sostiene che Shakespeare ha

un insolito interesse nella cultura visiva. Il silenzio, nelle commedie e

poesie di Shakespeare, ha effetti potenti, trasformativi e performativi,

soprattutto nei passaggi di ekphrasis in cui sono interpretate immagini

visive. Shakespeare si riferisce a tali effetti come "discorso muto ",

"azione muta". Questi termini disegnano su un estetico dibattito

chiave del XVI secolo conosciuto come il paragone o il "concorso delle

arti " . A Simonide si da il merito di aver coniato la frase : "La pittura è

una poesia muta e la poesia è una pittura parlante". Shakespeare era

a conoscenza di questo dibattito. Insolitamente per un poeta, si

sofferma sulle relative carenze delle parole rispetto alle qualità

performative delle immagini. Per Shakespeare, le immagini visive

hanno il potere di portare avanti il cambiamento personale, creando

effetti performativi illusori. C'erano anche ragioni pratiche, afferma

Salkeld, perché Shakespeare abbia avuto un tale interesse nella

pittura: il drammaturgo lavorò e collaborò con un pittore (Richard

Burbage) e la loro fu una partnership di vocazioni creative. Lo

spettacolo all'italiana negli scritti politici e apparizioni pubbliche di

James VI/I è l'argomento del capitolo finale di Michael Wyatt. Wyatt

esamina il ruolo dello spettacolo italiano all'interno delle corti scozzesi

e inglesi, guardando brevemente a tre esempi emblematici. Il primo, il

dramma anonimo Philotus, è stato