Art Nouveau e le sue declinazioni

Art nouveau e le sue declinazioni

L'Art Nouveau definisce la modernità, il concetto del nuovo, come elemento fondamentale del 1800 fino ai primi del 1900. Nuovo stile che intende cancellare le distinzioni tra architettura, arte e ornamento, fondendo il tutto in un’opera d’arte totale. È lo stile dei nuovi modelli di vita, emersi con l’affermazione della tecnica e con lo sviluppo della classe borghese, imprenditoriale, commerciale, professionale. La nuova borghesia vuole autorappresentarsi, dalla casa agli abiti, rompendo così con gli storicismi cari della nobiltà ottocentesca.

Il Liberty si diffonde grazie alla nuova importanza della stampa e del commercio nella società borghese e all’ampliarsi del lusso internazionale.

Declinazioni dell'Art Nouveau

• Modern Style in Inghilterra
• Jugendstil in Germania
• Art Nouveau in Francia
• Arte Floreale in Italia
• Liberty a Londra

La linea è uno degli elementi che ha generato questa corrente: la linea non è più statica come quella del Rinascimento; la linea è dinamica, è il movimento di un punto e una traiettoria. L’arte grafica, infatti, diventa più astratta, meno figurativa.

Paolo Portoghesi e l'Art Nouveau

Paolo Portoghesi, storico dell’architettura e architetto, ha dedicato la sua vita di ricercatore su due temi principali:

• L’architettura Barocca
• Il Liberty (in italiano chiamato Art Nouveau)

Nota che c’è una convergenza perché la linea curva del Barocco si sviluppa e diventa la linea naturalistica e astratta del Liberty.

Litografia tratta dall’Urlo di Munch del 1895, sottolinea proprio il movimento delle linee, che diventano la forma ma anche il messaggio (rappresentano lo scuotimento e il mosso).

Elementi grafici e illustrazioni

• Katsushika Hokusai, The Great Wave
• Jan Toorop, copertina per Metamorfosi 1897
• Jan Toorop, copertina per Psiche

La grafica di queste copertine è basata principalmente sull’avvolgimento delle linee: in una maniera più decorativa (Metamorfosi) e in una più astratta e avvolgente (Psiche).

Aubrey Beardsley, illustrazione per la Salomè di Oscar Wilde 1894. In questa illustrazione vi sono elementi raffigurativi, perché è l’illustrazione di un romanzo, ma si avvicina anche all’astrazione della linea. La coda di pavone è un motivo ricorrente nel Liberty.

Stili e materiali

Disegno per l’Insel Almanach, Marthe Jouanny: stilizzazione di un fiore adatto ad ogni genere. La forma del fiore rappresenta il ciclo della vita, il fluire della linfa vitale all’interno della pianta. In un mondo sempre più artificiale e popolato da macchine, diventa necessario riscoprire il contrario della tecnologia: la natura.

Richard Redgrave, Importance of the Study of Botany to the Ornamentalist: saggio pubblicato all’interno di “The Journal of Design and Manufactures”. Il mondo vegetale offre un mondo infinito di spunti per la creatività, che rende inutile guardare all’arte del passato per produrre qualcosa. Imitare, però, non è arte, è un mezzo e non il fine. La natura diventa una fonte d’ispirazione se si è in grado di coglierla. Una decorazione che si ispira a un fiore o una pianta, deve essere motivata con la corrispondenza tra la forma della natura e quella dell’oggetto a cui si vuole applicare.

• Hermann Obrist, La frustata o i ciclamini 1892 – 1904
• August Endell, Atelier Elvira 1897 – 1907

Obrist ha commissionato al suo amico la facciata di questo atelier a Monaco. Il disegno ricorda l’illustrazione di Obrist, linee a colpo di frusta. Le linee curve divennero una caratteristica ricorrenti alle arti e nel design, quasi affermazione del valore del “fatto a mano” e della lavorazione artigianale in contrapposizione alle geometrie elementari privilegiate dal “fatto a macchina”.

Henry van de Velde

Henry van de Velde (1863 – 1957), architetto, designer, artista, teorico, permeato della concezione romantica dell’opera totale, diventa noto progettando la propria casa a Uccle in Belgio (1895), dove disegna anche tutti gli interni, i dettagli, i mobili, le suppellettili e i bellissimi fluenti kimono della moglie.

Egli aderisce alle teorie della scuola estetica viennese “la linea è una forza che come tutte le forze elementari è operante, più linee messe a contatto, ma contrastanti tra di loro provocano lo stesso effetto di più forze elementari operanti l’una con l’altra.”

Percepisce la linea come un elemento dinamico, una forza che trae la sua potenza da colui che l’ha tracciata. “Questa forza e questa energia operano sul meccanismo dell’occhio nel senso gli impongono determinate direzioni, le quali si integrano a vicenda, si fondono e infine costituiscono determinate forme.” Citazioni da La Linea 1902.

Bisogna considerare la forma come risultato di un dramma, di uno scontro tra elementi che sono opposti tra di loro. La forma è dinamica e deve rivelare sempre ciò che l’ha prodotta. Questo concetto è fondamentale per l’Art Nouveau, che vuole prima di tutto esprimere il vitalismo della forma. Quest’ultimo nel caso dell’ornamento è un elemento di sintonia ed empatia con il corpo umano, perché si adatta ad esso e lo accoglie.

Scrivania per Jiulius Meier – Greafe 1899: Anche tra i colori, come le linee, si celano delle tensioni empatiche, un colore ne richiama un altro (colori complementari). Van De Velde realizza mobili, prodotti in piccola serie, principalmente basati su linee curve e sul principio vitalistico della natura. Dà però attenzione anche al concetto di comodità tattile: si accorge dopo uno studio che il legno è il materiale più piacevole dal punto di vista del tatto.

Herman Obrist realizzò mobili in ferro battuto, materiale molto utilizzato nella Liberty, con sempre l’elemento ricurvo di base. L’Art Nouveau fu il primo tentativo di costruire un’arte per tutti e per tutto, che coinvolgesse ogni aspetto della vita sociale.