L'evoluzione artistica di Kandinsky: dall'impressionismo all'astrattismo

La scoperta della vocazione artistica

Praticando la pittura amatoriale fin dall'adolescenza, Kandinsky, ebbe la rivelazione della sua vocazione alla grande mostra degli impressionisti francesi a Mosca, nel 1895. Completò poi gli studi in diritto ed economia che gli valsero una cattedra nella provincia, ma l'anno successivo rinunciò a questo incarico per stabilirsi a Monaco di Baviera, allora crocevia dei movimenti pittorici più arditi. Da questo momento in poi, la sua attività è abbondante e (tratto specifico della sua personalità) è riflessiva: in nessun momento Kandinsky separerà la sua pittura da un'autoanalisi dei fini e dei mezzi che propone, senza che ciò danneggi mai il potere creativo di quest'ultimo. Quando aprì la sua scuola nel 1902, il suo lavoro era dominato da un'influenza fauvista; semplificava all'estremo paesaggi e temi del folklore slavo, ridotti a equilibri tra masse di colore, che prendevano in prestito dal divisionismo un piccolo numero di caratteri superficiali: questo periodo trova il suo completamento con l’opera Paesaggio alla Torre.

L'evoluzione verso l'astrattismo

Nel 1909, Kandinsky fece un passo decisivo: l'evocazione dello scenario naturale fu ridotta a un semplice assemblaggio di segni tracciati rapidamente e tumultuosamente. Questo è il punto di partenza delle prime Improvvisazioni, che precedono schizzi figurativi più o meno avanzati. Ma, quando il confronto con il risultato finale è materialmente possibile, si scopre che quasi nulla rimane dello schizzo nella composizione finale. È così che il primo acquerello astratto nella storia dell'arte viene assegnato per la data 1910.

Nello stesso anno, Kandinsky scrive la sua opera Über das Geistige in der Kunst (Sullo spirituale nell'arte), il cui testo, ampliato e pubblicato in seguito, rimarrà la base di tutto il suo pensiero. Proclama la necessità estetica dell'emozione, ma anche la capacità dell'artista di provocarla direttamente attraverso il colore e la forma. Quando parla di "composizione", non sentirà evocare nemmeno imperativi astratti dall'esterno, ma semplicemente la propria risposta a una fase più calma dell'ispirazione, dove la costruzione, anche il calcolo, succede alla passione.

L'influenza del Bauhaus e del suprematismo

Dopo la Rivoluzione d'Ottobre, Kandinsky, tornato a Mosca, fu per qualche tempo assegnato al Commissariato popolare della pubblica istruzione e professore all'università di quella città.

Nel 1921, lasciò improvvisamente la Russia; divenne professore al Bauhaus di Weimar nel 1922, poi a Dessau e prese la nazionalità tedesca nel 1928. La sua prima mostra a Parigi (1929) passò inosservata, così come la sua presenza come ospite d'onore nella sala surrealista della mostra degli indipendenti nel 1933, anno in cui, dopo la chiusura del Bauhaus da parte dei nazisti, si stabilisce definitivamente in Francia di cui ottiene la naturalizzazione nel 1939.

Il periodo 1920-1930 era stato segnato nel suo lavoro dall'influenza diretta del "suprematismo" di Kazimir Malevich e anche dalla geometria costruttiva che permeava l'ambiente Bauhaus. Ne definì la "grammatica applicata" per quanto riguarda la pittura in un saggio del 1926, Punkt und Linie zu Fläche (Point. Linea. Superficie). Si tratta di uno sforzo (ovviamente soggetto a tutte le critiche a questo tipo di interpretazione soggettiva) di definire a priori le qualità delle forme elementari e le loro relazioni: così, la verticale simboleggierebbe sempre il calore, il blu sarebbe in relazione diretta con l'angolo ottuso e il cerchio. Secondo Kandinsky, queste interpretazioni non sono capricciose: al Bauhaus, ha dedicato lunghe ore di insegnamento a parlare di filosofia e ha fatto affidamento su una serie di tradizioni psicologiche e religiose che si estendono fino all'Estremo Oriente. Ed è, in ogni caso, un'intuizione personale senza pari che assicura la validità di dipinti come la Pacifica rosa acuta o l'Accompagnamento giallo.

A poco a poco, inoltre, la tendenza al formalismo architettonico che prevaleva al Bauhaus assunse elementi di un altro ordine in Kandinsky: motivi ondulati che evocano le arti ornamentali dell'Islam e in particolare della Mongolia, ma che rispondono ancora di più alle preoccupazioni cosmogoniche. Appartiene a questo periodo l’opera Diluvio. Qui, gli elementi tradizionali (aria, acqua, fuoco), i misteri della germinazione e l'uovo pronto a schiudersi sono evocati da emblemi sintetici. A volte, il loro brulicare invade l'intera tela sotto forma di virgole che evocano tralci di quercia o coriandoli che sono tante stelle: Mouvement I (raccolta Nina Kandinsky, Parigi, 1935).

La fase finale e la trasparenza

La fase finale del lavoro di Kandinsky inizia con il suo trasferimento a Parigi. La ricerca, a volte problematica, di epoche precedenti viene gradualmente sostituita dalla conquista della trasparenza totale: la superficie complessiva del dipinto è trattata come uno spazio arbitrariamente costruito, dove un numero ridotto di segni elementari, a volte geometrici, a volte biologici, emettono radiazioni e mantengono relazioni enigmatiche dalla parziale sovrapposizione delle loro linee e dalle loro sottili variazioni di colore. Questi ultimi, inoltre, non cessano di obbedire a un sistema segreto di "corrispondenze" di cui Kandinsky ha dato solo le basi nei suoi scritti e la cui complessità ricorda quella delle "scale" della musica dodecafonica