L'arte rivoluzionaria di Matisse: dal fauvismo alla cappella del Rosario

1905 - Matisse e alcuni artisti a lui sensitivamente vicini espongono al Salone d’Autunno, dove viene loro affibbiata l’espressione fauves

Salone d’Autunno: dal 1903, una delle esposizioni ufficiali di Parigi, allestito in autunno per dare la possibilità di esporre le opere realizzate durante l’estate

L’organizzatore si trovò con una serie di dipinti dai colori molto squillanti, contrasti cromatici forti e pennellate materiche e le riunisce tutte nel salone centrale; qui, per puro caso, fu esposta anche una scultura neo-rinascimentale, tanto che il critico del tempo Louis Vauxcelles scrisse sulla rivista Le Gil Blas “Donatello in mezzo alle belve” contrapponendo questa scultura alle tele che la circondavano.

→ connotazione dispregiativa ma che gli artisti decidono di assumere per connotarsi

Caratteristiche del fauvismo

Fauves o Fauvism o fauvismo (letteralmente belva, bestia selvatica)

vengono denominati in senso dispregiativo per il loro modo violento di stendere

il colore sulla tela, a volte con vere e proprie spatolate che assumono grande consistenza materica

Massimo esponente: Henri Matisse (che fu in realtà un uomo raffinatissimo, amante del lusso)

+ André Derain e Maurice de Vlaminck

Caratteristiche della corrente:

- Gioioso, esprime gioia di vivere e mai angoscia

- Colori che si armonizzano tra loro

Trae ispirazione da:

– Gauguin → colori accesi e campiture omogenee

– Signac e Seurat

(1869 - 1954, invalido dopo un cancro all’intestino)

La vita di Henri Matisse

Nasce a Cateau Cambrésis.

Negli ultimi anni vive con Suor Monique, che si occupa di lui e alla quale dedicherà la sua opera estrema: la Cappella del Rosario, sulla Costa Azzurra.

Il padre lo avrebbe voluto avvocato e per questo lo iscrive alla Facoltà di giurisprudenza, che non sarà però un successo, anche perché è spesso assente alle lezione in quanto particolarmente cagionevole.

Tra i 20 e i 21 anni, infatti, dovrà affrontare un lungo periodo di convalescenza dopo essere stato operato per la peritonite.

E’ proprio in questo periodo che nutre la sua passione per disegno e pittura, per cui lascia giurisprudenza e tenta più volte l’ingresso a l'Ecole. Dopo vari tentativi ci riesce ed inizia a frequentare lo studio di Gustave Marot, anche se con già uno stile e una sua idea di arte ben precisi.

L'influenza di altri artisti

frequentava Pissarro, i neo-impressionisti ed era ammiratore e amico di Seurat e Signac dei quali apprezzava il colore pure e diviso

si appassiona anche all’arte di Gauguin per le sue campiture piatte ed omogenee

apprezza Cezanne

Diventa uno degli artisti più influenti a livello internazionale

Ai tempi si contendeva lo scettro della pittura e dell’arte d’avanguardia con Picasso

→ si odiavano cordialmente, con loro nasce il grande dialogo intorno alla pittura di inizio ‘900

Il titolo deriva da una meditazione sulla poesia L’invito al viaggio di Baudelaire.

→ invita a raggiungere i luoghi

Lo realizza durante un soggiorno in Provenza o subito dopo

Fonde due temi:

delle bagnanti: classico, ripreso dalla grande pittura tradizionale fino a Tiziano e Giorgione, ma anche per Cézanne e Renoir

del moderno pic-nic: nuovo e contemporaneo, riprende La colazione sull’erba di Manet

Tecnica: ripresa da Signac in La baia di Saint Tropez e Il Palazzo dei Papi ad Avignone → puntini colorati sulla tela

Ma qui essenzialmente Matisse si concentra su forme e colori

→ Opera antinaturalistica: forme e colori alterati

Come la musica è fatta di sole sette note, anche la pittura poteva essere fatta di pochi colori

Arte = armonia parallela alla natura

Spiaggia → La baia di Saint Tropez perché:

triangolo in basso a sinistra → figure, in parte nude, tavolo per pic-nic, donna che si lega i capelli e una vestita nell’angolo (=sua moglie)

coi punti di colore quasi costituisce dei contorni alle figure ma senza contornarle completamente ( → Cezanne)

esposto nel 1905 ritrae la consorte con un volto deformato

colori alterati: ombre verdi, volto giallastro e capelli troppo rossi

vistosissimo cappello che sembra una natura morta con frutti non distinguibili, sembra una decorazione floreale

Vuole rappresentare ciò che sente e non quello che vede, delle immagini interiori, non esteriori.

E’ parallelo all’impressionismo, da imprimere ; la parola espressionismo deriva da ex primere, portare fuori: deve esprimere l’interiorità e lo stato d’animo dell’artista (cosa che facevano già Van Gogh e Munch, ma i fauves riescono a farlo creando una pittura gioiosa tramite ampie campiture piatte ed omogenee).

→ nulla è connotato in modo negativo

Temi:

bagnanti

danza

pic-nic

Un po’ uno Zibaldone dal quale attingerà forme e colori → La danza, 1909-10

Soggetto idilliaco, quasi bucolico e pastorale: uomini e donne che danzano uniti gli uni agli altri, immagine idilliaca → il flauto di Pan

colore, forme e proporzioni arbitrarie → mondo interiore, gioia di vivere

La tavola imbandita o La stanza rossa, 1908, Hermitage di San Pietroburgo perché acquistata da un magnate russo: Sergei Shchukin

Dapres su un’opera di Matisse stesso che aveva dipinto nel 1897→ neoimpressionista con chiaroscuro

Dal punto di vista compositivo sono uguali: c’è una donna intenta ad imbandire una tavola

elementi: fruttiera, vaso di fiori, bottiglie, due sedie e finestra

MA giunge a una semplificazione assoluta di forme e colori

(parete e tovaglia che si confondono, hanno la stessa decorazione con motivo blu a racemi → art nouveau che si accosta a ceste floreali)

Sembra tutto un unico arabesco decorativo sul quale si staglia il profilo della donna, piatto e bidimensionale, pure della stessa dimensione delle sedie

c’è un accenno di prospettiva nel tavolo e nella finestra, ma non è corretta e a Matisse non interessa

Nel paesaggio verde fuori ci sono degli alberi dalla chioma bianca che ci fanno capire che è primavera.

verde: complementare del rosso

Shchukin commissionò anche La Danza e La Musica - opere ad olio

La Danza - dipinta tra il 1909 e il 1910

La Musica - dipinta nel 1910

Opere complementari tra loro, in pendant → perché la danza si produce a ritmo di musica, e dal ritmo della danza la musica prende nuova vitalità e slancio. Sono quindi due concetti imprescindibili e che si alimentano vicendevolmente, è impossibile concepire la danza senza la musica e la musica senza la danza.

Cosa le accomuna?

formato (h2.5 x 4 metri)

la semplificazione del colore e della forma: antinaturalistici, non c’è un riscontro col vero.

Le forme vengono deformate e i colori vengono alterati → chiave espressionista

Non c’è la volontà di rappresentare il dato oggettivo ma un’idea: è gioiosa, esprime l’armonia tra l’uomo e la natura (l’espressionismo francese si caratterizza per la gioia di vivere).

L'opera "La danza"

Ne La Danza:

-utilizza il blu cobalto per il cielo, il verde smeraldo per il prato, l’arancione per gli incarnati e il rosso ottone per i contorni delle figure e le loro capigliature.

sono pochi i colori perché, così come la musica ha solo 7 note musicali da cui si ottiene un’armonia, anche la pittura deve avere l'obiettivo di riprodurre i colori per ottenere un’armonia.

non ci sono ombre, né proprie né riportate

il colore è steso per campiture piatte ed omogenee


→ ispirazione post impressionista (Gauguin)

composizione armonica

danzatori non distinguibili sessualmente, in alcuni casi sono visibili dei seni quindi possiamo dedurre che siano delle figure femminili ma, soprattutto in quella vista da dietro, è difficile capirlo. A lui non importa distinguere i generi delle figure, lui vuole esprimere un’idea universale di SLANCIO VITALE.


danza = una delle forme di espressione più antiche che l’uomo conosca (arte medievale: Ambrogio Lorenzetti - allegorie del buono e del cattivo governo: troviamo la carola, danza medievale in circolo)

le 5 figure sembrano danzare sulla cima del mondo: il prato sotto i loro piedi viene rappresentato in maniera curvilinea, sembrano calpestare una superficie convessa → questo conferisce ulteriore universalità.


questo dipinto lo aveva già preannunciato nella gioia di vivere dove c’erano 6 figure danzanti al centro

il cerchio in prospettiva sembra un ellisse, ad un certo punto però il cerchio si interrompe: è una danza interrotta, 2 danzatori che si tenevano per mano si sono staccati → danza = vita dell’uomo → non è mai perfetta, possono accadere degli incidenti, dei momenti di rottura che vengono però poi risanati. Per questo, la figura al centro tende il braccio sinistro in avanti per recuperare il danzatore che lo precede, mentre la figura a estrema sinistra protende il proprio corpo all’indietro per recuperare l’altro danzatore.

La musica e la danza

Ne La Musica:

È caratterizzata dalla stasi. Le figure sono rappresentate come se fossero delle note su un pentagramma.

Ci sono 2 musicisti, suonatore di violino e un suonatore di flauto a doppia canna, e 3 cantori.

Colori ridotti (come ne La Danza) MA qui utilizza il nero per contornare le figure e dare colore ai capelli.

Queste sue opere oggi si trovano all’Ermitage, a San Pietroburgo.

Queste sue tele commissionate da Schukin dovevano essere posizionate nel suo palazzo di San Pietroburgo, nell’androne di ingresso di palazzo, all’imboccatura dello scalone d’onore che portava al piano nobile.

Le tele vengono inviate a San Pietroburgo e Schukin scrive a Matisse dicendogli di non essere completamente soddisfatto perché il blu cobalto nella penombra dello scalone della sua casa appariva di colore nero. Dice però di essere comunque contento di aver fatto quell’investimento perché confidava nell’arte di Matisse (pensava avrebbe avuto grande successo).

Il tema della Danza è carissimo a Matisse e la riprende più volte nelle sue opere:

1912 - Danza di Nasturzi ( → ): 3 figure danzano in cerchio in una stanza blu. Al centro c’è un vaso di nasturzi con dei fiori gialli, appoggiato su un cavalletto.

1932- Fregio Barnes (↓) (presso la Barnes Foundation; i coniugi Barnes erano grandi collezionisti di arte contemporanea).

L’andamento delle tele ripropone la forma delle lunette che si trovano sotto la volta del soffitto.

Le figure danzanti sono bianche, contornate di grigio e si stagliano su un fondo geometrico rosa, blu e nero → si avvicina all’astrazione (non lo sarà mai però perché lui guarderà sempre la natura semplificandone le forme).

Qui non possiamo più parlare di Matisse espressionista: la sua forza espressionista finisce nel 1916 - con lo scoppio della 1WW si deprime molto, anche a causa dell’affermazione sempre più forte di Picasso.

Trascorrerà un periodo a dipingere interni e nature morte. Questo fregio è quindi significativo perché torna sul tema della danza.

La semplificazione deriva anche dalle sue gravi condizioni di salute - era sempre stato cagionevole e piano piano ha perso l’uso delle mani → inizia a trovare forme alternative per dipingere (collage, decoupage).

L’idea di ottenere modelli partendo dalla carta è evidente in questo fregio perché le figure sono delle siluette ricavate da carta.

La cappella del Rosario

La cappella del Rosario a Barnes:

Lui era anche un architetto (architetture essenziali).

Questa è una sua opera totale.

A convincerlo della progettazione di questa cappella è Suor Monique (suora domenicana che lo accudì dopo l’intervento per il cancro e gli fece anche da modella).

Lui disegna tutto, dipinge anche le maioliche che stanno internamente e le progetta attraverso le figure fatte in carta.

Il colore è ridotto: ci sono il verde, il giallo (= simbolo di resurrezione) e il blu. Sono fiori stilizzati.

Giallo e verde sono presenti anche nelle vetrate dove Matisse sembra quasi essere diventato completamente astratto anche se non lo è.

In queste vetrate ci sono delle spighe = allude al pane e quindi al sacrificio di Cristo.