Giotto all'inizio - Opere

Giotto

Problema di Giotto:

Si ha la certezza che tra il 1303-1304 Giotto abbia lavorato nella Cappella dell’Arena, che gli era stata commissionata da

Enrico Scrovegni.

Egli era un grande banchiere, anche se Dante l’ha considerato un usuraio e negli affreschi viene raffigurato mentre offre la

cappella a Dio, durante il Giudizio Universale. Lo fa perché quando sarà giudicato, Dio saprà che gli ha regalato la cappella.

Negli affreschi della vita di Maria e di Gesù, in quello di Gioacchino cacciato dal tempio, il quale si trova con i pastori e

incontra un angelo e l’affresco che raffigura l’incontro alla Porta Aurea di Gerusalemme, dove egli incontra sua moglie, che è

incinta nonostante l’età.

In questi affreschi, Giotto appare luminoso, maturo, classico e tranquillo, molto di più rispetto agli affreschi di Assisi e la

risposta alle critiche della paternità degli affreschi sono che Giotto, essendo un genio, egli poteva essere molto abile, veloce

e capace di “evolversi”.

C’è una grande intensità drammatica nel Tradimento di Giuda, dove appare semplice e luminoso, c’è una ricerca del vero,

una rappresentazione realistica di cose e emozioni (sentimenti dei pastori) e Cristo viene catturato e crocifisso, si ha un

controllo dello spazio e della prospettiva.

In seguito Giotto lavora alla chiesa di Santa Croce, una chiesa francescana e la dipinge con storie della vita di Francesco e,

anche se gli affreschi sono rovinati, si vede uno sviluppo della prospettiva.

Gli affreschi della basilica superiore di Assisi sono stati fatti tra il 1288 e il 1292 e, data l’enorme differenza con Padova, si

pensa che potrebbero non essere suoi e non c’è documento che attesti il suo lavoro.

Si pensa infatti che possa essere stata fatta da qualche esponente della scola romana.

Giotto è stato collaboratore e allievo di Cimabue. Cimabue porta dei cambiamenti nella sua pittura ad Arezzo e a Firenze,

dove assume un carattere più umano. Nella basilica egli lavora ad una crocifissione nel transetto e riconosce il talento

dell’allievo e assorbe il rinnovamento, l’opera ed il lavoro, influenzandolo con la vicinanza, perché l’opera di Giotto è più

adatta ai francescani. Inoltre lavora nello stesso periodo a maestranze nordiche e per le vetrate si nota un incrocio culturale.

Vita:

Giotto nasce nel Mugello

Va a bottega da Cimabue

1280 viaggio a Roma

Crocifisso

1290-1300 per S. Maria Novella Basilica superiore

1295-1300 è ad Assisi dove partecipa alla decorazione della

di San Francesco cappella degli Scrovegni

1302-1303 è a Padova dove affresca la

cappelle Peruzzi e Bardi

1320-1325 a Firenze affresca le a Santa Croce

1334 ormai famoso è nominato sovrintendente del cantiere di Santa Maria del

campanile

Fiore a Firenze (si occuperà del disegnando la base)

1337 muore a Firenze

La prospettiva utilizzata da Giotto nel ‘400 non è matematica, ma rappresenta ciò che l’occhio vede, i personaggi vengono

dipinti molto espressivi, con un volume grazie al chiaroscuro, l’architettura forma lo spazio, non proporzionale, indica il

volume e limita lo spazio, definendolo e quindi posso agire.

C’è un legame diretto tra spazio e azione e le figure si differenziano e si vede che dominano per l’azione che compiono.

Giotto dipingerà San Francesco in maniera naturalistica e si abbandona lo stile bizantino e può farlo perché dipinge San

Francesco, colui che vuole riportare la Chiesa alla semplicità.

Le figure saranno volumi solidi, non importanti per l’espressività, perché sono metafore (i vizi nella cappella dell’Arena).

Utilizza l’espressività per esprimere ciò che è umano, per rendere capibile il dipinto allo spettatore.

Omaggio dell’uomo semplice Questo dipinto ha una mimica credibile. La narrazione è semplice e

concisa: San Francesco passa per una piazza e un uomo stende

un mantello ai suoi piedi in segno di rispetto e omaggio e la posa

che assume Francesco ci fa capire che non c’è bisogno di quel

gesto e questo è un gesto di umiltà. Il santo non è raffigurato con

deformazioni gerarchiche o con una sacrale posa frontale, ma è

ritratto come le altre persone, con il solo riconoscimento

dell’aureola. Gli spettatori della scena sono vestite secondo la

moda dell’epoca. Gli spettatori vi potevano riconoscere la piazza di

Assisi tra il Palazzo comunale (torre) e il tempio di Minerva, con gli

edifici che creano un fondale realistico, costruito secondo precise

misure secondo una coerente visione laterale e dal basso.

L’affresco è ambientato ad Assisi perché lo spettatore si trova ad

Assisi.

San Francesco d’Assisi 1

Giotto

Occupano la parte finale della navata e ogni storia è contenuta in un rettangolo. Ogni scena è incorniciata da colonne che

reggono un cornicione, dipinti in prospettiva e l’impressione è quella di osservare la scena dall’esterno.

Egli ha diviso gli affreschi non per pontata (un rettangolo al giorno) ma per giornata (tiro su un’impalcatura, intonaco e

dipingo la zona intonacata prestando attenzione ai dettagli). Un paio di affreschi, non di Giotto, continuano ad essere a

pontata.

Per correggere gli errori, o si buttava giù tutto o si correggevano i minimi errori con tempera e olio. Per esempio nel Giudizio

Universale di Michelangelo, Daniele da Volterra compre le nudità, perché dopo il Concilio di Trento la nudità non è concepita

per le figure dei santi.

Elemosina del mantello Lo sfondo è paesaggistico, con una rappresentazione del

paesaggio ancora arcaica, con le convenzioni tipicamente

bizantine delle rocce scheggiate a distanza indefinita. Invece, le

linee oblique si incrociano nella testa del santo, convergendo

l’attenzione dello spettatore. Il vestito del santo è dello stesso

colore del cielo, che significa che la santità dell’uomo è specchio

del cielo. C’è una gerarchia compositiva, perché il cavallo, il santo

e il cavaliere sono sullo stesso piano: le linee delle colline

conducono al santo, aiutano lo spettatore a capire la storia.

Questo produce un effetto di assialità della scena, con il santo

(santo in un contesto umano) posto a colonna, come

illuminazione diretta. La scena mondana produce un effetto di

direzione verso il santo (collo del cavallo). Senza questo effetto il

verticalismo di Francesco sembrerebbe rigido. Ci sono effetti di

luce prodotti dalla luce dell’aureola.

Rinuncia dei beni Separazione dei momenti uniti dalla spazialità prodotta dall’architettura e dallo

sfondo. Da un lato San Francesco si spoglia dei beni e il corpo e le mani del

santo sono rivolte verso la mano che si vede nel cielo e le linee del corpo e di

pensiero sono morbide. Egli sta pregando verso la mano di Dio benedicente e il

vescovo copre la sua nudità e da questo lato ci sono altri religiosi. Questo lato

destro è il lato del mondo spirituale e il lato sinistro è quello dei beni terreni. Sul

lato sinistro c’è il padre di Francesco, contrario al volere del figlio, si protende

infuriato verso il figlio e una persona lo tiene fermo. La furia del padre la si vede

nella rigidità dell’asse che lo trattiene. Il padre risulta proiettato nell’altra

dimensione dall’ira e lo si vede nella luce.

E’ possibile che Giotto abbia citato dei personaggi a lui contemporanei e lo si

vede nell’uso del tratteggio per il panneggio assolutamente naturale che

sottolinea l’anatomia. In tutti gli affreschi di Giotto è l’architettura che costituisce lo spazio.

Presepe di Greccio 2

Giotto

Giotto costruisce una scena nera e una spazialità straordinaria. Il ciborio è identico a quello di Arnolfo ed il presbiterio è

diviso dall’iconostasi (struttura che separa la navata centrale in due formando il presbiterio e sulla quale si imposta

Crocifisso di Santa Maria Novella

curvatura verso avanti. I piedi sono fissati da un unico chiodo. Il perizoma sembra quasi una scultura (Arnolfo di Cambio), la

scultura diventa un modo per rapportare la figura allo spazio, le figure costruiscono un volume solido che riesce a dare la

misura con la quale si valuta lo spazio narrativo degli affreschi. In queste novità è contenuto tutto il senso della sua arte e

della nuova sensibilità religiosa che restituisce al Cristo la sua dimensione terrena e da questa trae il senso spirituale più

profondo. Solo l'aureola ricorda la sua natura divina, ma mostra le sembianze di un uomo umile realmente sofferente, con il

quale l'osservatore potesse confrontare le sue pene. 3