Ravel, Maurice – Bolero

Contesto di composizione e creazione

Il Bolero di Maurice Ravel è una delle opere orchestrali più popolari ed eseguite al mondo.
Esso è rimasto in testa alla classifica mondiale per i diritti d’autore per lungo tempo, fino al 1993. Ancora oggi, rimane una delle opere musicali francesi più esportate.
Ida Rubinstein, amica e mecenate del musicista, commissionò al compositore, già famoso, un balletto a carattere spagnolo. Ravel scelse di comporre un'opera composta da un tema e un controtema, basati su un crescendo orchestrale ininterrotto. Grande amante della danza e della Spagna, come pilastro del suo lavoro, Ravel scelse il ritmo del bolero, una danza tradizionale andalusa. La melodia fu composta a Saint-Jean-de-Luz, una mattina, al pianoforte, prima che il compositore andasse a nuotare.

All’inizio, in una locanda spagnola, una zingara, in piedi su un tavolo, balla da solo. Quindi, l'ebbrezza del ritmo che scatena viene trasmessa ai suoi clienti. Un uomo salta al centro del tavolo e balla a sua volta, seguito da tutti gli altri. Il ritmo della musica è scandito dalle loro urla, lotte, richiami e provocazioni. Alla fine, gli uomini afferrano la ballerina e la sollevano sopra di loro come se fosse una preda. L'opera fu rappresentata per la prima volta il 22 novembre 1928 all'Opéra di Parigi nella sua versione di balletto, con Walther Straram come direttore.

Fu l'11 gennaio 1930 che ebbe luogo la prima della versione da concerto, sotto la direzione dello stesso Ravel. Il Bolero ebbe un grande successo, con stupore di Ravel, e divenne rapidamente famoso. Oltre al balletto, questa versione da concerto trova una sua autonomia ed è una delle opere più famose della musica classica. Spesso considerato un modello di orchestrazione, il compositore dirà tuttavia del suo capolavoro: Vorrei soprattutto che non ci fossero malintesi su quest'opera. Questo è un tipo molto speciale di esperienza. Prima della sua prima esecuzione, avevo avvertito che questo pezzo di diciassette minuti consisteva in un unico, lungo crescendo ininterrotto. Non ci sono contrasti, e praticamente nessuna innovazione se non per la struttura e le modalità di esecuzione... La scrittura orchestrale è semplice e diretta dall'inizio alla fine, senza la minima ricerca di virtuosismo.

Un aneddoto con protagonista il famoso Toscanini rimane ben noto: nel maggio del 1930, il direttore d'orchestra italiano suonò l'opera due volte più velocemente di quanto desiderasse il compositore presente in sala. Quest'ultimo si rifiutò di andare a stringergli la mano. Toscanini allora disse a Ravel: ”Non capisci nulla della tua musica. Non avrà alcun effetto, se non lo gioco a modo mio”. Al che Ravel avrebbe risposto: “Quindi, non lo suonare!”

Svolgimento dell'opera

Il lavoro è interamente basato sul ritmo del bolero suonato dal rullante in tutto il pezzo. Questo ostinato - ripetuto 169 volte - conferisce al Bolero il suo ritmo uniforme e invariabile.

Ravel usa due melodie, due temi della stessa lunghezza, che ripete e alterna. Ogni transizione tra le due melodie (o la loro ripetizione) fa sentire il ritornello ritmico utilizzato per introdurre e concludere il lavoro. Per evitare la monotonia, Ravel procede con un lungo crescendo ininterrotto: crescendo di sfumature [iniziamo pp (pianissimo) e finiamo ff (fortissimo)] e crescendo per accumulo di strumenti (o crescendo orchestrale: gli strumenti entrano uno dopo l'altro, espandendo gradualmente il numero strumentale). L'uso originale di alcuni strumenti solisti e combinazioni strumentali creano un insieme di timbri che conferiscono all'opera tutto il suo sapore e l'impressione di un continuo rinnovamento.

Dopo il ritornello introduttivo, il primo tema, in do maggiore, si sente prima col flauto e poi col clarinetto.
Questa prima melodia è caratterizzata da una grande flessibilità e da lunghe linee a intervalli congiunti.

Il secondo tema, presentato prima col fagotto e poi col piccolo clarinetto, è caratterizzato da un lato jazzistico più ballabile e da un certo esotismo.
La seconda ripresa del primo tema è suonata dall'oboe d'amore, poi la tromba smorzata raddoppiata dal flauto nell'ottava superiore. Questo è il primo ricorso del tema, che in precedenza era suonato da un singolo strumento. La seconda ripresa del secondo tema è suonata dai sassofoni: sassofono tenore, poi sassofono sopranino. Non è la prima volta che Ravel usa il sassofono (allora poco presente nelle orchestre classiche) a cui aveva già affidato una parte solista nella sua orchestrazione ei Quadri di una mostra, di Musorgskij.
Alla terza ripresa dei temi, l'orchestra continua ad espandersi, sia nella melodia che nell'accompagnamento, mentre le sfumature progrediscono (l'accompagnamento ora suona mf). Il primo tema viene suonato per la prima volta su celesta e corno. I flauti piccoli raddoppiano il tema nel tono del terzo (Mi maggiore) e del quinto (Sol maggiore). Questa sovrapposizione di toni crea uno strano, quasi stridente effetto. Nella ripresa, aumenta nuovamente il numero degli strumenti: oboe, corno inglese, clarinetti, così come l'oboe d'amore (nel tono della quinta).

Il secondo tema riacquista temporaneamente la semplicità di uno strumento solista, il trombone, che utilizza il glissando (= esecuzione molto rapida di suoni consecutivi), accentuando il lato jazz. Ma le riprese riprendono il crescendo orchestrale con l'intervento di quasi tutti gli strumenti.
Fino a questo momento, notiamo la predominanza e la varietà di strumenti a fiato che (a parte la celesta) sono gli unici a suonare il tema.
Infine, i violini entrano in gioco nella quarta ripresa: portano un nuovo timbro e una nuova forza orchestrale, a differenza degli strumenti a fiato che, fino ad ora, erano quasi sempre solisti). La tromba e i tromboni si uniscono a loro durante il secondo tema, così come viole e violoncelli.

La quinta ripresa è più breve: i temi non si ripetono. Questa volta, l'orchestra è completa. Il secondo tema è interrotto da una sorprendente e luminosa modulazione in mi maggiore che arriva, ancora una volta, a rompere la monotonia. Poi il tono iniziale di Do ritorna a concludere il pezzo con una rima finale, un grande accordo dissonante e una caduta finale, che ricorda la tragica fine di La Valse.