Novecento e Picasso tesina

Il Novecento e Picasso

lasciare l'artista, stanca delle sue infedeltà. Dopo la separazione Picasso passò un brutto

periodo, testimoniato dalle opere di questo periodo.

La morte

Pablo Picasso morì per un attacco di cuore l'8 aprile 1973 a Mougins, in Provenza, dove

aveva fatto erigere la propria residenza, all'età di 92 anni. Alcune biografie accennano al

fatto che Picasso prima di morire abbia pronunciato il nome del suo presunto rivale:

Amedeo Modigliani. Fu sepolto nel parco del castello di Vauvenargues.

Lasciti

Al momento della sua morte, molti dei suoi dipinti erano di sua proprietà, dato che

Picasso tenne fuori dal mercato le opere che non aveva bisogno di vendere. Picasso

possedeva inoltre una considerevole collezione di opere di artisti suoi contemporanei

come ad esempio Henri Matisse, con cui scambiò addirittura delle opere. Non lasciando

un testamento, le tasse di successione vennero pagate allo stato francese attingendo alle

sue opere e alla sua collezione. Questi lavori andarono a formare il fulcro dell'immensa

collezione del Musée Picasso di Parigi.

Un altro museo dedicato al pittore si trova a Barcellona e ospita molti dei primi lavori

dell’artista, creati durante la sua permanenza in Spagna, incluse alcune opere raramente

esibite in cui si rivela la sua solida preparazione classica. Il museo inoltre possiede alcuni

studi di figura fatti sotto la guida del padre nonché la collezione di un amico di Pablo.

L’arte di Picasso

L’immenso lavoro di Picasso è spesso suddiviso in "periodi". Benché i nomi dei periodi più

recenti siano oggetto di discussione, quelli più comunemente accettati sono il "periodo

blu" (1901-1904), il "periodo rosa" (1905-1907), il "periodo africano" (1907-1909), il

"cubismo analitico" (1907-1912), il "cubismo sintetico" (1912-1919).

I diversi stili saranno brevemente presentati di seguito.

Prima del 1901

L'apprendistato di Picasso col padre iniziò prima del 1890; i

suoi progressi possono essere osservati presso il Museo

Picasso di Barcellona, che raccoglie una delle più complete

raccolte dei primi lavori dell'artista.

Il Periodo Blu

Pag.

6 Il Novecento e Picasso

Dal 1901 lo stile di Picasso iniziò a mostrare dei tratti originali. Ebbe inizio il cosiddetto

“periodo blu” che si protrasse fino al 1904. Si tratta, come dice il nome stesso, di una

pittura monocromatica, giocata sui colori freddi (in particolare sull’uso del blu usato in

tutte le sfumature possibili), dove i soggetti umani rappresentati, appartenenti alla

categoria degli emarginati e degli sfruttati (prostitute e mendicanti sono soggetti

frequenti), sembrano sospesi in un'atmosfera malinconica. L’umanità rappresentata è

quella deprimente di creature vinte e sole che appaiono oppresse e senza speranza.

Picasso li ritraeva preferibilmente a figura intera, in posizioni isolate e con aria afflitta e

triste.

Tra le opere di questo periodo ricordiamo Celestina (Collezione privata, 1903).

Il Periodo Rosa

Il "periodo rosa" è caratterizzato da uno stile più allegro, ravvivato

dai colori rosa e arancione e, oltre a cambiare il colore nei quadri

di questo periodo, Picasso cambia anche i soggetti. In questa fase

il pittore frequenta Fernande Olivier e i suoi lavori risentono

positivamente della loro relazione, oltre che del contatto con la

pittura francese. La malinconia, per quanto temperata, è sempre

presente. I soggetti privilegiati sono arlecchini, saltimbanchi,

acrobati ambulanti o comunque figure legate al mondo del circo,

rappresentate dietro le quinte, ma mai sul palco (per far

comprendere quanto il loro stile di vita sia in netta

contrapposizione con lo scopo del loro mestiere, ovvero far

ridere).

Tra le opere di questo periodo ricordiamo: Famiglia

d'acrobati (1905, Goteborg, Konstmuseum).

Il Periodo Africano

Picasso ebbe un periodo in cui la sua produzione artistica risultò influenzata

dall'arte africana; se ne considera l'inizio il quadro Les demoiselles d'Avignon, in cui due

figure sulla destra del dipinto sono ispirate da oggetti d'artigianato africano, ma il quadro

stesso è considerato anche il primo quadro cubista realizzato dal pittore.

il Cubismo Analitico

Il periodo analitico inizia nel 1907 in corrispondenza alla realizzazione del quadro “Les

demoiselles d’Avignon”. Chiusi nei loro atelier, Braque e Picasso (iniziatori dell’arte

cubista) producono numerose nature morte a cui si aggiungono alcune figure e ritratti.

L'adozione di una molteplicità di punti di vista permette così di raggiungere una visione

totale del soggetto e di creare un effetto estetico estremamente strutturato. Questa

nuova concezione dello spazio pittorico e della forma favorisce la monocromia e lo studio

della luce.

Il Cubismo Sintetico Pag.

7 Il Novecento e Picasso

Dopo il cubismo analitico si presenta il periodo del cubismo sintetico. La "sintesi" inizia

con l'introduzione progressiva di lettere stampate, di listelli di legno e di altri oggetti

attraverso la tecnica del collage.

Classicismo e Surrealismo

Nel periodo successivo alla prima guerra mondiale Picasso produsse lavori di stile

neoclassico. Questo "ritorno all'ordine" è evidente nel lavoro di numerosi artisti europei

negli anni venti; i dipinti e i disegni di Picasso di questo periodo richiamano

volontariamente le opere dei grandi maestri del Rinascimento italiano, in particolare

a Raffaello.

A questo periodo possiamo ricollegare la più famosa opera del pittore, Guernica (Madrid,

Museo Reina Sofia, 1937) Gli Ultimi Lavori

Negli anni cinquanta il suo stile cambia

nuovamente; l'artista si dedica alla

ceramica e alla reinterpretazione dell'arte

dei maestri producendo una serie di lavori

ispirati ai dipinti più famosi delle epoche

precedenti. Gli ultimi lavori di Picasso

furono una miscela di stili. Dedicando

tutte le sue energie al lavoro, Picasso

divenne ancora più audace ed espressivo

producendo tantissimi lavori. All'epoca

queste opere furono pesantemente

accolte dalla critica, per poi essere

riscoperte dopo la morte dell'artista e

Versione di Picasso di “Las Meninas” di valutate come dipinti

Velasquez di neoespressionismo in anticipo sui

tempi.

Picasso è stato riconosciuto dai Guinnes World Records come l’artista più prolifico di tutti i

tempi e le sue opere sono state valutate per milioni di dollari, entrando nella lista di

quelle più costose al mondo. Pag.

8 Il Novecento e Picasso

Les Demoiselles d’Avignon

Les Demoiselles d’Avignon

Pag.

9 Il Novecento e Picasso

L’opera che inaugura la stagione cubista di Picasso è il quadro «Les Demoiselles

d’Avignon».

Il quadro è stato realizzato tra il 1906 e il 1907, è un olio su tela, di misura cm 243,9 x

233,7 ed è conservato al MoMA (Museum of Modern Art) di New York. L’opera era stata

inizialmente persa e ritrovata solo dopo la morte dell’autore, permettendo agli esperti di

anticipare la data dell’inizio della stagione cubista al 1907.

Nellìopera sono rappresentate cinque prostitute in un bordello di calle Avignon,

a Barcellona. Le numerose rielaborazioni e ridipinture ne fanno quasi un gigantesco

«foglio da schizzo» sul quale Picasso ha lavorato per provare le nuove idee che stava

elaborando. Il quadro non rappresenta un risultato definitivo: semplicemente ad un certo

punto Picasso ha smesso di lavorarci, abbandonandolo nel suo studio, segno che forse

neppure l’artista era sicuro del risultato a cui quell’opera era giunta. Quando Les

Demoiselles d’Avignon apparì per la prima volta fu come se il mondo stesse per collassare

in quanto tutte le forme e le figure conosciute fino a quel momento furono come

abbandonate per lasciare spazio al cubismo. Questa opera, che richiese nove mesi di

tempo per essere portata a termine, espose il vero genio e anche le novità apportate da

Picasso che improvvisamente aveva trovato la libertà di espressione lontano dalle

influenze francesi ed era stato in grado di ritagliarsi il proprio percorso.

Il soggetto del quadro è la visione di una casa d’appuntamento in cui figurano cinque

donne. In origine doveva contenere anche due uomini, probabilmente un giovane

studente di medicina e un marinaio, poi scomparsi nelle successive modifiche apportate

al quadro da Picasso. L’analogia con i quadri di Cézanne del ciclo “Le grandi bagnanti” è

evidente.

E’ praticamente certo che Picasso modificò continuamente questo quadro proprio per le

sollecitazioni costanti che gli provenivano dalle

opere di Cézanne. Di conseguenza il risultato a cui

giunge è disomogeneo e le due figure centrali

hanno un aspetto molto diverso dalle figure ai lati,

in particolare da quelle di destra la cui

modellazione dei volti ricorda le sculture africane

da cui alcuni critici sostengono Picasso sia stato

influenzato (come anche dall’arte tipica del Le grandi bagnanti,

continente oceanico), anche se l’artista stesso Cézanne.

rinnegò questa connessione.

La donna che tira la tenda sul fondo è cosparsa di

un pesante strato di vernice e ricorda l’arte egiziana, le due a destra sono invece un

chiaro riferimento all’arte africa. La donna con il viso più cubista di tutte e cinque è

invece quella accovacciata in basso.

Alcuni critici sostengono che la varietà di stili può essere vista come un deliberato

tentativo, finemente pianificato, di catturare lo sguardo di colui che guarda. Le cinque

donne infatti sembrano ignorarsi l'un l'altra. Piuttosto, si focalizzano solo su chi osserva, e

i loro stili divergenti collaborano a renderle più facilmente notabili. Secondo Saul

Steinberg, noto fumettista americano, lo sguardo obliquo, ovvero il fatto che le figure

guardino direttamente l'osservatore, così come l'idea della donna così padrona di sé, che

non è presente solo per il piacere maschile, possono essere fatti risalire all'Olympia di

Manet del 1863. Pag.

10 Il Novecento e Picasso

Il quadro, dai toni dinamici e drammatici, è

caratterizzato da uno schema geometrico

quadrangolare, con un impianto asimmetrico e le linee

guida sono costituite dalle figure delle donne. Olympia, Manet, 1863

L'inquadratura scelta è quella del piano intermedio e

frontale e la luce è irreale: le zone chiare,

corrispondenti ai corpi femminili, sono larghe e piatte, mentre le limitate zone scure

dipinte sulle stesse figure non sono ombre, ma segni per sottolineare la deformazione,

esaltandone i corpi nudi. Tra i colori dello sfondo che sono neutri e freddi e quelli delle

donne che sono al contrario caldi, si nota un certo contrasto cromatico. I corpi sono molto

stilizzati, il giro vita appare sproporzionatamente sottile, rispetto ai fianchi e alle spalle,

che al contrario sono larghi. Più che dagli atteggiamenti delle figure, il movimento è dato

dalle linee e dalle forme. Lo spazio è indefinito e lo sfondo si frantuma in tante schegge

appuntite, incastrate tra le figure: sono queste che danno senso allo spazio.

Le singole figure sono dipinte in maniera differente e sono costruite secondo il criterio

della visione simultanea da più lati, si presentano con un aspetto decisamente inconsueto

che sembra ignorare qualsiasi legge anatomica.

“La pittura è una professione da cieco: uno non dipinge ciò che vede, ma

ciò che sente, ciò che dice a se stesso riguardo a ciò che ha visto.”

Vediamo così apparire su un volto frontale un naso di profilo, oppure, la testa appare

ruotata sulle spalle di un angolo innaturale. Tutto ciò è la premessa di quella grande

svolta, che Picasso compie con il cubismo, per cui la rappresentazione tiene conto non

solo di ciò che si vede in un solo istante, ma di tutta la percezione e conoscenza che

l’artista ha del soggetto che rappresenta. I quadri cubisti sconvolgono la visione del reale

perché vi introducono quella che è definita la “quarta dimensione” ovvero il tempo, la

memoria. Negli stessi anni, la definizione di tempo, come quarta dimensione della realtà,

era postulata in fisica dalla Teoria della Relatività di Albert Einstein, da cui l’artista è stato

certamente influenzato. E’ singolare come si avverta la necessità di andare oltre la

conoscenza empirica della realtà per giungere a nuovi modelli di descrizione e

rappresentazione del reale.