Bellezza e Emozioni tesina

Premessa

Lo scopo che mi sono prefissata tramite la stesura di questa tesina è mettere in

evidenza un particolare modo di concepire l’arte e la bellezza. Una concezione

che non si limita solamente al puro giudizio estetico, ma che cerca di spingersi

oltre, ricercando il vero significato del termine “bello” all’interno dei sentimenti

e delle sensazioni che un’opera d’arte, una poesia, o anche solo l’universo

possono trasmetterci. Da qui il motivo per cui ho scelto di elaborare

l'introduzione della mia presentazione con un’immagine che ritrae il celebre

dipinto di Munch, “Il Grido”. L’opera del pittore norvegese, seppur basandoci

sui canoni classici non possa ritenersi esteticamente bella, è in grado di far

scaturire in chi la guarda un forte senso di angoscia e inquietudine. Ed è

proprio in questa capacità di trasmettere sensazioni, di coinvolgere che è

racchiusa la vera bellezza di un’opera d’arte.

Saggezza popolare e filosofia convergono per dirci quello che è uno dei luoghi

comuni più usati quando si parla di “bellezza”: “non è bello ciò che è bello, ma

è bello ciò che piace”. Ma è proprio così? E anche se fosse, se davvero il bello è

ciò che piace soggettivamente, perché in determinate epoche storiche o in

determinate culture piacciono alcune cose che non piacciono più in altri

contesti o in altri periodi?

Nell’arte classica dell’antica Grecia uno dei metri di giudizio più importanti era

la corrispondenza tra la forma che prendeva l’opera d’arte e la natura stessa.

Una statua umana ad esempio era tanto più bella quanto riusciva a riprodurre

per imitazione il corpo umano nella natura. L’estetica si riduceva così a una

misurazione attenta e anatomica delle parti del corpo, alla ricerca di

un’armonia delle forme che voleva essere appunto, imitazione di una

perfezione umana idealizzata e forse non reale. Ma che dire allora dei quadri di

Picasso? Se li valutiamo secondo l’estetica classica come possiamo definirli

belli? Eppure, soffermandoci ad esempio su uno dei più famosi quadri di

Picasso, Guernica, non possiamo che rimanere incantati di fronte alle

sensazioni che esso è in grado di suscitare in noi. Siamo davanti a un quadro le

cui dimensioni ci danno già l’idea dell’entità della tragedia, si aggiunga poi a

questo fatto quantitativo, il silenzio gridato dalla tela. Tale antitesi fa parte

della sublimità dell’opera che inaspettatamente si scaglia con violenza nello

spazio e nel tempo. Guernica di Picasso ci ha dato un esempio di violenza

trattenuta nella tela, eppure essa fuoriesce prepotente e nel suo movimento

produce in noi osservatori un’immobilità stupefatta.

Abbiamo parlato di arte e qui dobbiamo fare un passo in avanti: è bello ciò che

riesce a trasmetterci emozioni e a comunicarci gli stati d’animo di un artista.

Eccola la vera bellezza, quella bellezza capace di resistere alle mode, quella

bellezza non misurabile con il centimetro, la bellezza di una forma che, forse

incomprensibile immediatamente, ci racconta dell’uomo che l’ha creata e

rimane immortale e duratura.

L’esteta, tratti di una nuova figura umana

Prima di arrivare a capire chi realmente sia l’esteta e quale concezione abbia

della bellezza, è importante riuscire a inquadrare questa figura all’interno

dell’Estetismo, un movimento artistico e letterario nato in Inghilterra nella

seconda metà dell’Ottocento. Esso rappresenta inoltre una tendenza del

Decadentismo autonomamente sviluppatasi, insieme anche al movimento

simbolista in Francia.

L'Estetismo presenta anche un continuo invito a godere della giovinezza

fuggente, un edonismo nuovo in cui l'esaltazione del piacere è morbosamente

collegata alla corruzione della decadenza e in cui la bellezza è intesa come

manifestazione del genio, ma superiore, al contempo, al genio stesso.

L’estetismo nutre un fortissimo disprezzo per la volgarità e la folla, e, nello

stesso tempo, un'ossessiva predilezione per la mondanità, per la vita frivola e

capricciosa, per gli oggetti minuti e preziosi. A caratterizzare questo nuovo

movimento è inoltre la sua forte attenzione per gli elementi simbolici e

allegorici per ciò che sta ‘oltre’ la realtà. Tutti gli artisti di questo periodo sono

volti a ‘fare della propria vita un’opera d’arte’. Tale concetto viene ripreso da

Oscar Wilde; Anche D’Annunzio e Baudelaire sono molto importanti se si vuole

realmente entrare nell’ottica dell’esteta e capire la visione che egli ha nei

confronti della vita e dell’arte. Questi tre grandi autori, che successivamente

andrò ad analizzare, hanno indirizzato la loro esistenza verso una continua

ricerca della bellezza, incarnando perfettamente l’ideale del dandy e

dell’esteta. Gabriele D’Annunzio

In Italia Gabriele D’Annunzio è il portavoce principale dell’estetismo.

La vita di D’Annunzio può essere considerata una delle

sue opere più interessanti. Secondo i principi

dell’estetismo, bisognava fare della vita un’opera d'arte, e

D’Annunzio fu costantemente teso alla ricerca di questo

obiettivo. Oltre a vivere una vita mondana e scandalosa,

ricca di lusso e di piacere, egli diviene un’artista

inimitabile soprattutto grazie a gesta clamorose e

avventurose. Come ad esempio la leggendaria “Beffa di

Buccari” (una località vicino a fiume), e il volo su Vienna; Inoltre

nel 1919 organizzò la marcia su Fiume e prese parte a quei

movimenti che poi permisero la vittoria del Fascismo.

Comunque sia è importante ricordare che D’Annunzio fu

definito un ‘precursore’ del Fascismo e quindi NON un fascista, poiché lui era

sempre e comunque in conflitto con Mussolini.

In letteratura la prima e più famosa incarnazione dell’esteta dannunziano, la si

Il piacere.

trova in Andrea Sperelli protagonista del romanzo

Il piacere

Il protagonista Andrea Sperelli rispecchia la tipica figura di esteta nel quale

confluisce tutta l’esperienza mondana fino ad allora vissuta dallo stesso

D’Annunzio. Andrea è combattuto tra due donne: Elena Muti che incarna la

donna fatale e l’erotismo lussuoso, e Maria Ferres donna angelo e pura. Le

vicende non seguono un ordine cronologico. Vi è una continua lotta tra la

ricerca e la voglia inappagata nei confronti di Elena (la quale si è sposata) e il

rifugio sicuro presso Maria, la quale però lo rifiuta lasciandolo solo nella sua

sconfitta. Il Piacere non rappresenta il definitivo distacco del poeta dalla figura

di esteta, in quanto se da un lato egli critica il personaggio, dall’altro è ancora

affascinato dal gusto raffinato con cui Andrea si costruisce la vita. Per quanto

riguarda lo stile dell’opera l’intreccio del romanzo viene reso più fragile dall’uso

dei ‘flashback’, ovvero ‘salti nel passato’, ed infine lo stile risulta lontano dal

linguaggio comune e quindi levigato e raffinato.

Ne “Il Piacere” di D’Annunzio spesso la narrazione è un monologo del protagonista

(focalizzazione intera sul protagonista), ma riportato con la tenacia del discorso

indiretto libero. Altrove invece riappare il narratore onnisciente (focalizzazione esterna)

che ci descrive dall’esterno il suo personaggio (in genere nelle pagine maggiormente

critiche e di riflessione). Il lessico utilizzato è conforme al comportamento e

all’educazione da esteta di Andrea Sperelli e soprattutto all’ambiente aristocratico in

cui si svolgono i fatti: pregiato, quasi artefatto, aulico e molto ricercato, in particolar

modo nella descrizione degli ambienti e nell’analisi degli stati d’animo; si prendano ad

esempio l’uso di parole tronche, o le forme arcaiche e letterarie, come nel caso di

articoli e preposizioni articolate. Quanto appena detto è rintracciabile in un famoso

Il Piacere, ‘’Il ritratto d’ esteta’’.

passo de

Questa letteratura di crisi, impregnata d'estetismo, giunge a sconvolgere anche

la tranquilla Inghilterra vittoriana con Wilde e il suo “Il ritratto di Dorian Gray”.

Oscar Wilde and The Aesthetic Movement

The Aesthetic Movement is a 19th century European movement that

emphasized aesthetic values over moral or social themes in literature. The

artists and writers of the Aesthetic movement believed that Art did not have

any didactic purpose; it needed only to be beautiful. As a consequence, they

did not accept John Ruskin’s utilitarian conception of art as something moral or

useful. So The Aesthetes, by using the slogan ‘’Art for art’s sake’’, affirmed that

was no connection between art and morality.

The founder of the English Aesthetic Movement was Walter Pater with his work

Studies in the History of the Renaissance in which he said that happiness is

linked to the interest for beauty, he also proclaimed the idea of treating life

itself "in the spirit of art". Moreover he thought that the only reality is that of

impressions and sensations. the most beautiful sensations are to be found in

the art.

The movement was important because it represented a complete break with

the ideas which had been fundamental in Victorian literature. The task of the

artist is first of all to feel sensations and live "aesthetically" and to express

himself freely not being slave to fixed rules. Such a hedonistic conception gave

rise to a type of Literature based on the cult of sensations. The aesthetic

message was to live one's life as a work of art, that is to say to feel all kinds of

sensations. If Pater is considered the father of the movement, Oscar Wilde is

the most astonishing representative, above all with his novel “The Picture of

Dorian Gray’’, that contains his aesthetic creed.

The Picture of Dorian Gray

Dorian is a young handsome men. The artist Basil Hallword is fascinated by his

beauty and wants to fix it forever in a portrait. Dorian is so enchanted by the

beauty that he wishes he could be beautiful and young forever while his

portrait grows old. But while all his dreams are satisfied all the sins and the

bad things of his life appear on the picture. Actually Dorian lived only for

pleasure making use of everyone and letting people die for his insensitivity.

When Dorian saw that the portrait has changed his appearance he decided to

stab the picture but he mysteriously kills himself In the very moment of the

dead the portrait returns to its purity, to its original beauty and perfection.

Dorian Gray, can also be considered as Faust, a man who loses his soul in

return for eternal beauty and youth. But Wilde owes much to Edgar Allan Poe

.

especially for the motive of the double

About the end, the stab to the picture and also the subsequent inversion of the

‘roles’ can be read in more than one way, for example: it means the triumph

of art over life, because in the end it is the picture that survives in the glory

of its beauty, then it also means the impossibility of a life pursuing

sensual and intellectual delight with no acceptance of moral

responsibility. Charles Baudelaire

Hymne à la Beauté

Baudelaire pense que les idées esthétiques coïncident avec les idées morales

et donc le beau est rattaché au bien et la laideur, la souffrance et le malheur

au mal. Cette conception est bien exprimée dans les poèmes d'amour que

Madame Sabatier lui inspire. Le poète s’adresse à une beauté personnifiée,

traitée comme valeur absolue qui comprend toute sorte de contradiction : la

beauté qui provient d’en haut ( du ciel profond = l’adjectif profond souligne

encor plus l’idée que la beauté est une notion morale) ou d’en bas ( de

l’abime= c’est-à-dire qui provient d’un gouffre très profond, qui parait

insondable) Les plusieurs comparaisons et métaphores traduisent une idée de

beauté qui est parfois contradictoire en mettant en valeur le charme du côté

maléfique de la beauté Comme par exemple

Métaphore

Comparaison

personnification Viens-tu du ciel profond ou sors-tu de l'abîme,

Ô Beauté! ton regard, infernal et divin,

Verse confusément le bienfait et le crime,

Et l'on peut pour cela te comparer au vin.

Tu contiens dans ton œil le couchant et l'aurore;

Tu répands des parfums comme un soir orageux;