El romanticismo espanol

El Romanticismo

En el cambio de siglo, España vive una serie de cambios que inciden en el espíritu de sus habitantes: las campañas de Napoleón llevan el espectro de la dominancia extranjera. Los ideales ilustrados de cosmopolitismo y fe en el progreso pierden terreno ya que se pruduce una tendencia hacia la irracionalidad y surge un nuevo espiritu nacionalista. Los valores que se imponen en el hombre romántico son la exaltación de la libertad, la afirmación de los sentimientos subjetivos del individuo, la rebeldía hacia la sociedad y el deseo de evasión. El tema de la Revolución Francesa ‘libertad, igualdad y fraternidad’ se difunde en todo el continente pero la llegada de Napoleon Bonaparte lo contradice. Sus guerras de conquista favorecen el nacimiento de los nacionalismos e impulsan la reacción de las monarquías absolutistas. Historia En España, el siglo XIX se abre con la sublevación contra el ejército francés el 2 de mayo de 1808, a consecuencia de la ocupación por parte de las tropas napoleónicas. Pocos días después, el rey Carlos IV y su hijo Fernando VII abdican en favor de José Bonaparte, hermano de Napoleon Bonaparte, que reinó durante los cinco años de la Guerra de Independencia (1808-14).

Las guerras tienen un efecto devastador en la población civil, continuamente agredida y saqueada. En medio del tumulto de la Guerra, en 1812, el gobierno provisional promulgó en Cádiz la primera constitución española que abre paso a la monarquía constitucional: inspirada en los ideales de la Revolución francesa, promueve el liberalismo y la democracia. Sus principios limitan el poder de la monarquía, ponen fin a la Inquisición y establecen la igualdad de derechos entre ciudadanos. La Constitución de Cádiz representa la base de las constituciones españolas promulgadas posteriormente y que los futuros estados americanos adoptarán. Con el fin de la Guerra de Independencia, vuelve al trono el heredero de Carlos IV, Fernando VII, que anula la Constitución dando comienzo al sexenio absolutista, durante el cual restaura la monarquía del Antiguo Régimen. Poco después, Fernando es obligado a jurar la Constitución de Cádiz y empieza así el llamado trienio liberal, en el que se ponen en práctica los principios liberales expresados en la Constitución. Sin embargo, a causa de la inestabilidad política, el rey vuelve a ejercer el poder absoluto y empiezan diez años de mal gobierno que pasan a la historia como la década ominosa: durante este periodo, muchos intelectuales se exilian hasta la muerte del rey. En 1833, Isabel II es nombrada reina gracias a la derogación de la Ley Sálica que prohibía el acceso de las mujeres al trono, eso provoca la reacción del hermano del rey el cual reivindica el poder dando comienzo a las guerra de sucesión llamadas Carlistas. El país precipita en un estado de guerra civil casi permanente pero, de todas formas, los carlistas no consiguen derrotar a Isabel que asume oficialmente el poder en 1843. Isabel ejerce un reinado de inspiración liberal moderada, pero en los últimos años el reinado asume un carácter más conservador provocando graves conflictos sociales: la revolución burguesa liberal. Los progresistas combaten para eliminar los privilegios de la nobleza y del clero, los intelectuales trabajan para modernizar el país. De todas formas, se producen algunas modernizaciones: se inicia la construcción de una red de ferrocarriles, se instala el telégrafo, empiezan los trabajos del Canal de Isabel II y se instaura la escolarización obligatoria.

Aunque España sigue siendo un país fundamentalmente agrario, se crean las primeras áreas industriales en Cataluña y en el País Vasco. Arte: Francisco de Goya En este periodo, la pintura se enriquece de temas populares como el mundo de los bajos fondos y las escenas de la vida cotidiana. Frente al dibujo preciso del Neoclasicismo, los pintores románticos prefieren las pinceladas rápidas y la prevalencia de la sombras sobre la luz. El pintor Francisco de Goya es considerado el máximo representante de la pintura romántica española. Francisco de Goya nació en un pequeño pueblo de Zaragoza en 1746. Sus padres formaban parte de la clase media baja de la época. Pronto se trasladaron a Zaragoza donde Goya recibe sus primeras enseñanzas sobre el Barroco y conoce a los hermanos Bayeu. Dado que deseaba aprender en la Corte, Goya se trasladó a Madrid y participó en el concurso de becas destinadas a viajar a Italia sin obtenerla. Asì decidió ir a Italia por su cuenta donde es muy productivo y participa en concursos. Vuelve a Zaragoza donde recibe sus primeros encargos y contrae matrimonio con Maria Josefa Bayeu, los primeros encargos que recibe en la Corte son gracias a esta relación. Goya realizó cartones como El Quitasol por la Real Fábrica de Tapices de Santa Barbara. Otros encargos importantes son el Cristo crucificado por la Academia de San Fernando y la cúpula de la Basílica de Zaragoza. Al regresar a Madrid, inicia la faceta retratística en la que Goya retrata a toda la familia de Carlos III y se abre camino en la Corte. Cuando Carlos IV sucede a su padre, la relación entre Goya y el nuevo soberano es estrecha, siendo nombrado Pintor de Cámara. Unos años después, el pintor cae enfermo y se queda sordo, determinando un cambio de estilo. Obtiene un importante reconocimiento en la Academia de San Fernando tras la muerte de su cuñado e inicia la relación con los Duques de Alba, especialmente Dona Cayetana, cuya belleza y personalidad atraen a Goya. Realiza varios dibujos sobre ella y por eso se supone que Dona Cayetana es la protagonista del cuadro La Maja Desnuda. Durante la invasión de España por las tropas napoleónicas, Goya mantiene su puesto de pintor de corte con José Bonaparte. Pese a todo, no se priva de plasmar los horrores de la guerra en obras como El 2 de mayo y Los fusilamientos del 3 de mayo, que reflejan los dramáticos eventos de aquellas fechas en Madrid. Por haber trabajado para José Bonaparte, el artista cae en desgracia tras la restauración de Fernando VII. A causa de su enfermedad, vive en soledad en la Quinta del Sordo, donde realiza catorce murales con predominio de los tonos marrones, grises y negros, sobre temas macabros y terroríficos.

Estas obras, conocidas en la actualidad como Pinturas Negras. El quitasol (1777, óleo sobre lienzo, Museo del Prado) Forma parte de una serie de cartones que decoraban el comedor de Carlos IV. Presenta una escena costumbrista que era muy habitual en la época. Aparece una joven probablemente aristócrata que viste a la moda francesa y que mira seductoramente al espectador acompañada de un posible criado que le quita el sol con una sombrilla de color verde. Hay también un pequeño perrito negro que parece adormecido, es un elemento de moda por los senores elegantes y simboliza fidelidad. Otro elemento de moda es el abanico cerrado que ella sostiene en la mano, es un accesorio imprescindible de las mujeres españolas en la época de Goya. Los abanicos no sólo servían para refrescarse, sino que además constituían un medio de comunicación, ya que cada movimiento, cada abertura y cada cierre, tenía un significado. Mediante este lenguaje, la dama podía hacer una señal secreta de invitación al hombre elegido. En la composición se observa un triángulo que enmarca a la joven, típica de Miguel Ángel, con diagonales que convergen en su rostro. Está figura geométrica induce a estabilidad y serenidad. En el cuadro tiene una gran relevancia la luz y sus efectos, juega un gran papel la sombrilla que sirve para sombrear diferentes zonas como el rostro que se matiza con tonos verdes reflejo del color de la sombrilla. Los colores son luminosos con predominio de los tonos pastel de influencia rococó. Hay el amarillo y azul de la joven, el verde y los ocres del majo. La pincelada empieza a ser suelta como se percibe en el perrillo. No existe mucha profundidad, se insinúa algo con la dirección del mango de la sombrilla. La obra, aunque estática, viene marcada por el juego de miradas del majo a la joven y de esta a los espectadores, parece flirtear con el espectador. La maja desnuda (1799-1803, óleo sobre lienzo, Museo del Prado) Forma parte de la colección de Godoy. Es el retrato de cuerpo entero de una mujer recostada plácidamente en un diván, con almohadas y colcha, que mira al observador. El diván y la mujer se sitúan en un lugar oscuro e indefinido. La mujer se dispone con los brazos entrecruzados por debajo de la cabeza y recoge ligeramente sus piernas para marcar su cuerpo curvilíneo. La figura de la mujer atraviesa el lienzo en diagonal, lo que obliga al observador a recorrer el cuerpo de izquierda a derecha. La expresión resultante es la de una mujer audaz, que sonríe y mira satisfecha y orgullosa, sin pudor. Desde el punto de vista formal, en la obra destaca la precisión del dibujo con el que Goya modela la figura femenina y el predominio de una gama cromática fría, en la que destacan los tonos verdes, en contraste con los blancos y los rosas. La pincelada es muy suelta. La luz incide sobre el cuerpo de la mujer, contrastando con la atmósfera oscura. La Maja desnuda es la primera figura femenina que se muestra desnuda no siendo una diosa griega como Venus sino una mujer de carne y hueso. En 1813 fue confiscada por la Inquisición. La obra está emparejada con “La maja vestida”, realizada posteriormente. En la maja vestida, la mujer está vestida con transparencias y una chaquetilla amarilla. Utiliza pinceladas sueltas por las veladuras.

La postura de la maja es la misma. Se apunta la posibilidad de que la Maja sea la Duquesa de Alba, a quien Goya estaba estrechamente unido. La Familia de Carlos IV (1800, óleo sobre lienzo, Museo del Prado) Es un típico retrato de grupo en el que aparecen los reyes, otros miembros de la familia real y, siguiendo así a Velázquez en las Meninas, Goya mismo. En la obra, aparecen ordenadamente todos los 13 miembros de la familia real con intención de subrayar la figura de la reina María Luisa, que ocupa el centro de la escena. A la izquierda se sitúan el futuro Fernando VII con el infante Carlos María Isidro y una joven elegantemente vestida pero sin rostro, recurso empleado por Goya para representar a la futura esposa del príncipe. A la derecha, está el rey Carlos IV, la infanta María Luisa, que lleva en brazos al pequeño infante Carlos Luis, y al lado su marido el duque de Parma. Ocupando el fondo están los hermanos del rey. Goya coloca los personajes más cerca del espectador cuanto más importantes sean. La luz juega una función determinada, dando mayor importancia a la reina Maria Luisa. Por la profundidad, Goya coloca en el fondo cuadros que abran una mayor perspectiva. Los retratados están dotados de volumen mediante juego de luces y sombras. En cuanto a los colores presentes, se encuentran tres colores puros distribuidos en la obra: rojo, verde y amarillo. Por último, el tratamiento de las figuras es realista, sin embellecerlos. Los fusilamientos del 3 de mayo (1814, óleo sobre lienzo, Museo del Prado) Es una pintura de historia y forma un conjunto con el cuadro ‘2 de mayo’. Goya representa el día siguiente del levantamiento del pueblo madrileño en la Puerta del Sol, en 1808, contra los franceses. Sin embargo, el 3 de mayo los sublevados son fusilados por las tropas francesas. Pintó ambos cuadros por encargo del cardenal don Luis de Borbón. A la izquierda, destaca el fondo de la montaña de Príncipe Pío. Las víctimas forman tres grupos definidos. Vemos a un grupo de hombres arrodillados que van a ser fusilados, mientras otros esperan su castigo. Los cadáveres de los que acaban de ser ejecutados yacen amontonados en el suelo ensangrentado. Los condenados muestran diversas actitudes ante su inminente muerte. El personaje que va a ser fusilado, ocupa el centro de la composición y extiende los brazos hacia arriba, esto nos recuerda a un crucificado, y si nos fijamos bien en sus manos se observan estigmas en las palmas. Sin embargo, Goya no ha pintado el rostro de los franceses que no son importantes y parecen ser verdugos. La luz ilumina fuertemente la zona de los patriotas, mientras los soldados franceses aparecen en penumbra, separando simbólicamente las dos zonas. En cuanto al color, predomina una paleta de tonos oscuros: negros, grises y marrones.

Goya muestra una visión objetiva de la realidad, sin idealizar, incluso ofreciendo los aspectos menos positivos. El triunfo de los sentimientos y la expresividad anticipan el expresionismo del siglo XX. Literatura El movimiento romántico en España tiene dos tendencias: la conservadora, cuyos exponentes son Zorrilla y de Rivas que recuperan los valores patrióticos y religiosos, y la revolucionaria de Espronceda y de Larra que quieren romper con las convenciones sociales. Los artistas comparten la voluntad de dejarse guiar por su interioridad, un marcado individualismo, una visión del mundo pesimista y la obsesión por lo sobrenatural y la muerte. Se interesan por la Edad Media y ese interés por las tradiciones da paso a un nuevo género: el costumbrismo.
- Poesía: el representante es José de Espronceda junto a Gustavo Adolfo Bécquer. La poesía adquiere tonos más sentimentales e intimistas, la narrativa decae en favor del lirismo. Además, los temas suelen tratar la centralidad del yo, la oposición entre ideal y realidad, la exaltación de las emociones y la naturaleza que proyecta los sentimientos del yo lírico. Los personajes elegidos por los poetas son rebeldes y marginales como mendigos y piratas.
- Prosa: el género narrativo vuelve a cultivarse y se difunde con éxito gracias a la industria editorial y los periódicos. Hay un gran deseo de ficción literaria y de novela de aventuras y misterio. De todas formas, la producción española no es muy abundante y se traducen muchas novelas extranjeras que se publican en forma de folletines. La nueva estética romántica se plasma principalmente en la novela histórica pero se difunden también la novela social y la novela de costumbres. La primera sigue el modelo de autores franceses como Balzac y Dumas, crítica a la sociedad y a la clase dominante, la segunda se caracteriza por el retrato de las costumbres, los usos y las formas de vida de una región o un país.
- Teatro: es un género muy cultivado por los autores románticos, se desarrolla especialmente el drama. El teatro romántico rechaza las tres unidades aristotélicas y la obra está dotada de mayor dinamismo escénico. Los temas preferidos son históricos, legendarios y caballerescos, se representan los conflictos existenciales del hombre y las tensiones de la sociedad. Las tramas suelen centrarse entorno a un amor imposible entre un joven de vida complicada y una mujer inalcanzable que lleva inevitablemente a un final trágico. El protagonista posee una individualidad poderosa, representa el héroe romántico que es un rebelde y lucha contra la fuerza del destino. Hay también preponderancia de los monólogos como medio de expresión y conocimiento de los sentimientos más íntimos de los personajes. El objetivo es conmover e impresionar al espectador. Los escenarios (cementerios, castillos medievales o bosques inquietantes) suelen ser impresionantes para el lector. José de Espronceda Espronceda representa el principal ejemplo de romántico liberal y revolucionario, encarna el ideal del poeta bohemio que vive una vida atribulada. Gracias a sus poesías, nace un interés hacia personajes marginales como en la célebre Canción del Pirata que exalta la libertad del capitán que rechazó la esclavitud. Sin embargo, su poema mayor es El Estudiante de Salamanca. Canción del Pirata Los temas principales del poema son la exaltación del espíritu inconformista, del individualismo y del desprecio a los bienes materiales. Todos ellos representan al pirata, un personaje que vive al margen de la sociedad, perseguido y temido al mismo tiempo, un hombre rebelde que reivindica su independencia frente a los valores materialistas. En el poema aparece también la presencia de la naturaleza casi siempre hostil y amenazadora, representada en sus manifestaciones extremas y por eso definida sublime. La obra está organizada en dos partes principales: - En la primera parte, narrativa, un narrador externo en tercera persona sitúa el lugar, el momento de la acción y presenta al protagonista, un capitán pirata.
- En la segunda parte, lírica, es el pirata quien habla expresando sus valores. El subjetivismo y la exaltación del yo romántico resultan evidentes desde el punto de vista lingüístico ya que hay un predominio de pronombres y adjetivos posesivos. La canción del pirata (análisis) Se inicia el poema con la descripción del barco que el pirata gobierna, de su nombre el Temido y también se explica la importancia del mismo desde el punto de vista marítimo. Es temido no solamente por ser un barco pirata, sino también por quien lo gobierna. El barco cruza el mar con sus velas al viento. El capitán sueña con poseer las riquezas de oriente y occidente cuando llega a Estambul. El capitán se dirige seguro de ser invencible. Se nos habla de que ha capturado muchos barcos y hundido otros, sobre todo de nacionalidad inglesa, gran enemiga de España. Nos habla de que muchos países se rinden y respetan a este pirata. Para él, su barco es su patria y en él se siente libre. No necesita tierras porque en el mar él puede imponer sus propias leyes. Siente que tiene derecho sobre el mar y esto le hace sentir más valiente. Se refiere como el rey temible que reparte el botín que gana a partes iguales. Pero para él, la riqueza no es el botín sino la belleza. No le importa morir porque él mismo es un rebelde que lucha contra su suerte como un esclavo liberado contra su amo. No teme al mar, sus inclemencias y los oleajes, los sonidos de este son música para el pirata. El mar es parte de sí mismo y le relaja. El Estudiante de Salamanca El Estudiante de Salamanca es un largo poema narrativo. Su protagonista es don Félix de Montemar, un seductor inspirado en el mito de Don Juan Tenorio ya inmortalizado por Tirso de Molina. La obra se extiende desde la medianoche hasta el amanecer, con flashbacks sobre la historia de amor entre don Félix y la joven Elvira, por eso se puede definir como un ‘poema de la noche y de ultratumba’.

- En la primera parte, se presenta al personaje de don Félix y la ciudad de Salamanca, descrita con tintes lúgubres. - En la segunda parte, se narra con tono elegiaco la ingenua dona Elvira, seducida y abandonada por don Félix, muere de amor. - En la tercera parte, la composición es enteramente dialogada: se asiste a una partida de cartas en la que don Félix participa y pierde su dinero, aparece don Diego hermano de Elvira que viene a vengar su muerte. - En la cuarta parte, Don Félix y Diego se retan en duelo, el protagonista mata a don Diego. Luego encuentra a una mujer con velo blanco y siguiéndola asiste a escenas macabras: ve a su entierro, llega a un palacio lleno de espectros, ve unos fantasmas espantosos. Aparece el fantasma de Don Diego que lo obliga a casarse con la mujer misteriosa que es doña Elvira, transformada en un cadáver esquelético. Ella lo besa y Félix comprende que él también está muerto. La obra está llena de sugerencias lúgubres y macabras típicas de la estética romántica. Es evidente la inspiración al mito de Don Juan y en algunos elementos del Barroco: la locura del protagonista, la danza macabra, la visión del propio entierro, la mujer esqueleto, el viaje a los infiernos. Don Felix es el primer Don Juan moderno, un joven muy atractivo, pero cínico y blasfemo. Espronceda lo transforma en un personaje romántico porque no se ciñe a las reglas, exalta el yo sobre todo y no se arrepiente de sus pecados. En cuanto al léxico, hay campos semánticos relacionados con lo macabro y con la ultratumba. Además, el autor utiliza un léxico específico por los personajes: don Felix está relacionado con la rebeldía mientras que doña Elvira con el tema romántico de la melancolía, tristeza e infelicidad. Gustavo Adolfo Bécquer Bécquer nace en Sevilla donde estudia humanidades y pintura. Se traslada a Madrid, sin embargo su carrera literaria no tiene éxito. Contrae una enfermedad.

Se casa con Casta Esteban, pero el matrimonio nunca es feliz. La temporada que pasa en el monasterio de Veruela por razones de salud le inspira unas obras. Obtiene el empleo de censor oficial de novelas, pero con la revolución pierde todo su trabajo y su esposa lo abandona. Se traslada entonces a Toledo donde reconstruye el manuscrito de las Rimas. Bècquer es un ‘romántico tardío’ ya que empieza su carrera durante la corriente realista-naturalista pero está considerado el poeta romántico más importante y capaz de influenciar a los autores que lo sucedieron. Escribe artículos, cartas literarias y obras teatrales, sin embargo la más destacada está constituida por las Rimas. Las Rimas son unas composiciones poéticas muy breves y sencillas de tono intimista. Sus temas son esencialmente la poesía y el amor en sus distintas variantes. Rimas En su breve vida, Bécquer publicó algunas de sus Rimas en diferentes revistas. Sin embargo, al estallar la revolución de septiembre de 1868, el palacio del ministro donde estaban recogidas sus rimas es saqueado y el manuscrito se pierde. Bécquer trata de reproducirlo de memoria en el Libro de los gorriones, pero no llega a publicarlo en vida. Por eso, a los pocos meses de su muerte, sus amigos editan la obra y la publican. El libro se compone de 79 poesías divididas en cuatro bloques: - reflexión sobre la poesía y la inspiración poética del genio humano - exaltación amorosa y la contemplación de la belleza femenina - predominan la desilusión y la melancolía frente al amor - reflexiones sobre la muerte En las Rimas, Bécquer explora su propio ánimo de poeta y se centra en el amor desde la felicidad amorosa hasta el desengaño que supone la muerte. El metro preferido es el que mezcla endecasílabos con heptasílabos. Su estilo se inspira en la poesía alemana contemporánea de la que toma el gusto por la brevedad y la musicalidad. En la construcción destacan los paralelismos y las antítesis que subrayan contradicciones entre luz y oscuridad, inspiración y razón. Es importante también el abundante uso de frases exclamativas e interrogativas y la representación de experiencias sensoriales.

El lenguaje es sencillo y cercano a la sensibilidad del lector. Las Rimas señalan el nacimiento de la poesía moderna y esta modernidad se ve en la clara insatisfacción del lenguaje común como medio de comunicación. Hay un esfuerzo constante para construir un lenguaje poético autónomo y esencial. Rimas (análisis) - La introducción sinfónica. En esta introducción se insiste en la radical separación existente entre inspiración y expresión. Becquer habla del proceso de la creación y se lamenta de la dificultad de expresar todo lo que pasa en su cabeza. “Duermen los extravagantes hijos de mi fantasía”, con estas palabras el autor hace una personificación de los pensamientos. Las compara con los niños desnudos que necesitan palabras que los vistan y así se podrá presentarles al mundo. Es decir, el poeta necesita palabras que puedan expresar sus pensamientos y hacer que sean compartidos con otras personas. El poeta busca un lenguaje muy preciso, mucho más depurado, sin embargo, para él, el lenguaje es limitado y no puede encontrar las palabras para expresar sus ideas y sus sentimientos. Sus ideas poéticas tienen un impulso vital y ejercen presión sobre el autor para salir de su mente nebulosa a la luz del mundo pero no logran hacerlo. El autor está obsesionado de sacar sus ideas poéticas de su mente y hace un referencia a la rima VII, el poeta no quiere que se pierda el arpa que espera con sus notas dormidas la mano que sepa arrancarlas. A la vez que siente la necesidad de expresarse, reconoce la imposibilidad de hacerlo.

- Rima I. Esta primera rima está compuesta por tres estrofas. El tema fundamental del poema es el intento del poeta de expresar sus sentimientos. En la primera estrofa nos dice que para él escribir es ayudar al alma en su contradicción entre idea y forma, pero reconoce que aunque tenga la intención de escribir un himno grande, esto se quedará en un mero intento. En la segunda estrofa, el autor reconoce que el idioma le resulta insuficiente para conseguir expresar todo lo que desearía, quizás tiene que exprimirse con las imágenes audiovisuales de la música y la pintura. La tercera estrofa nos relata que en realidad desea decir todo esto a una mujer amada y que preferiría confesarlo él mismo a solas.
- Rima VI. La primera estrofa comienza ubicando directamente la acción en un salón, dónde se encuentra un arpa, abandonada por su dueña y cubierta de polvo. Esta imagen es toda ella una metáfora. El arpa es la representación de la creación, la inspiración y la creatividad; mientras el polvo sobre ella es el abandono y la poca dedicación. También es importante el hecho de que esté ubicada en un sitio oscuro. Este salón dónde el poeta sitúa la acción puede referirse a la mente, quién sin querer, pierde su propia creatividad. El poeta observa la situación y se lamenta por cuántas veces el talento sufre por el mal uso, pudiendo ser aprovechado para crear piezas de gran valor artístico. En la segunda estrofa, el poeta habla del arpa de nuevo. Todo el tiempo que ésta pasa callada es tiempo perdido, se podría producir unas melodías. Y la inspiración, como un pájaro dormido, necesita ser despertada. En la tercera estrofa, el poeta nos dice que ve el arpa como el genio que duerme en el alma, y espera de que alguien venga y lo resucite como hizo Jesús con Lázaro.
- Rima XI. El tema de este poema es el de la búsqueda de la mujer ideal para Becquer. El texto relata que dos mujeres le entregan su amor, pero el poeta las rechaza pues no le parecen apropiadas porque son muy fáciles de conseguir. Sin embargo, la última mujer, con una serie de características que la hacen inalcanzable es la que Becquer elige como su mujer ideal. La mujer descrita en la primera estrofa simboliza la pasión, como ella misma a través del empleo de las palabras ardiente, pasión y goces. La mujer de la segunda estrofa es todo lo contrario sea en la descripción física (rubia, pálida), sea en lo que ofrece al poeta (dichas, ternura). La última mujer es muy distinta de las que la preceden: ante todo no posee un cuerpo (soy incorpórea, soy intangible) y declara ser un fantasma, o sea inexistente. Y el poeta, enamorado, le dice: Ven tú. La elección de Bécquer nos revela la concepción de un amor ilusorio, imposible, inalcanzable. Es un rechazo del amor real, de la realidad absoluta, al que se prefiere una ilusión.
- Rima XXI. En ese poema se entiende que para Bécquer la poesía es una expresión que nace de la belleza y la contemplación. A la pregunta «¿Qué es poesía?» sigue una descripción de la situación «dices mientras clavas en mi pupila, tu pupila azul». y una respuesta que el poeta mismo elabora: »Poesía eres tú». Se entiende, entonces, que para él la persona amada o la musa inspiradora refleja lo que es para él la poesía. Destaca la similitud que Bécquer establece entre el color azul y la belleza, ya que utiliza este color para describir las pupilas de su amada a la cual considera la más bella.
- Rima XXIII. El tema del poema es el amor, el poeta se pregunta adónde va el amor cuando se acaba. Por lo tanto el poeta se siente dolido por un amor que ha terminado. Así que esta rima se podría clasificar en el grupo de rimas de amor desengañado. Los dos primeros versos tienen una estructura claramente paralelística. Los dos versos comienzan nombrando un signo de tristeza "suspiros" y "lágrimas" y los identifica con dos elementos de la naturaleza "aire" y "agua".

En el tercer verso se nota cómo el autor se dirige a la mujer y le pregunta con una interrogación retórica si sabe adónde va el amor cuando se acaba. José Zorrilla Transcurre gran parte de su vida en Madrid y en los ambientes bohemios, donde se dedica a la pintura y a la escritura. Recibe muchos honores entre los que destaca la admisión en la Real Academia. Es un poeta y dramaturgo de gran éxito y representante de la tendencia conservadora del movimiento romántico, relacionado con las convenciones de la religión cristiana. Su obra comprende poesía y textos teatrales en los cuales rechaza las unidades aristotélicas, utiliza metáforas ricas y un léxico variado y expresivo. Los protagonistas de sus obras son héroes rebeldes aunque está muy presente la religión cristiana como medio de redención de los pecados. Su obra principal es Don Juan Tenorio. Don Juan Tenorio Es la obra más destacada de José Zorrilla. En ella, el autor recupera el personaje de las leyendas populares inmortalizado por el dramaturgo Tirso de Molina en su obra El Burlador de Sevilla. Si don Juan de Tirso era un prototipo de antihéroe romántico, rebelde y de carácter impetuoso, Zorrilla acentúa sus características negativas, profundiza los sentimientos que vive y sobre todo introduce el elemento de la salvación gracias a la caridad cristiana representada por el personaje de doña Inés.

Además, Zorrilla amplifica las ambientaciones lúgubres de la obra demostrando la fascinación de los románticos hacia los ambientes tétricos como cementerios y ruinas, lo sobrenatural y todo lo relacionado con la muerte. Don Juan Tenorio està dividido en dos partes:
- En la primera parte, don Juan y don Luis se encuentran en una hostería de Sevilla para comprobar quién ha ganado la apuesta de seducir al mayor número de mujeres. Don Gonzalo, padre de doña Ines, la prometida de don Juan, ha oído hablar de la apuesta y va a la hostería a averiguar. Don Juan se jacta de sus conquistas. Don Gonzalo, enfadado, anula la boda con su hija. Don Juan, sin embargo, logra sacarla del convento donde está recluida. Los dos se declaran amor pero, en un duelo, don Juan mata sin querer a don Gonzalo y a don Luis, entonces huye hacia Italia.
- En la segunda parte han pasado cinco años. Don Jua vuelve a Sevilla y visita el panteón de la familia, donde se encuentran las estatuas de don Gonzalo y don Luis, luego descubre la de doña Inés que ha muerto de pena. Durante una cena con unos amigos suyos, se presenta el fantasma de don Gonzalo con el objetivo de conducir a don Juan al infierno pero doña Inés interviene. La piedad de doña Inés logra salvar a don Juan.