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not” fa riferimento al peccato originale. La “nunnery” oltre a luogo di espiazione ha anche

significato di bordello. “perchè vuoi essere una che genera peccati?” si passa da un you a un

thee, che non è sintomo d'intimità, ma superiorità da parte di lui. Dal verso “are u onest” si

passa dal verso alla prosa, sintomo in Shake di un abbassamento del tono poetico. (in versi

le lettere sono sempre maiuscole). Nei versi 121-130 parla degli uomini in generale, dicendo

che sono ambiziosi e subdoli, poi chiede dov'è suo padre:da un punto di vista teatrale, forse

si è accorto di essere spiato. In questo momento cerca di dare a Ofelia l'ultima possibilità di

stare dalla sua parte o la prova finale che ormai anche lei l'ha tradito. Dopo la sua risposta

lui sembra esplodere. Lei non ha capito che lui si è accorto di qualcosa, quindi pensa che sia

pazzo. Quando accusa le donne, sembra riferirsi a sua madre.

La cosmesi non era vista bene, perché voleva dire essere diversi da come Dio ci ha creati. Ci

sono omelie che dicono come ci si deve vestire, ad esempio un povero non può vestirsi da

ricco. Queste argomentazioni venivano usate dai puritani per chiudere i teatri dato che gli

attori si vestivano da qualcuno che non erano. Philip Stugges si chiede quale cretineria porta

a modificare il volto con pittura.

Amleto ce l ha col genere femminile perché ha tradito il marito e Ofelia ne fa le spese

perché è li. “jggen hammle” fa riferimento alla danza, che creava sensualità e quindi era

peccaminosa. (Per creare tensione nella scena si usava una corda.)

Ofelia non riconosce più Amleto, si ritiene la donna più ingannata e miserrima. Con questa

scena Polonio dimostra che Amleto è folle d'amore, a causa della proibizione di vederlo.

Amleto fa recitare quella cosa perché ha bisogno delle prove. La mouse trap. Vv 115.

seconda scena terzo atto, p 298. Amleto si rivolge ad Ofelia chiedendole di posare la testa

sul suo petto e continua a fare il folle con doppi sensi. “nothing” pronunciato nAthing,

quella A rimanda all'immagine dell'organo sessuale femminile. 03/12/13

Visione film, 11 versioni.

Da notare il rapporto tra Ofelia e Amleto, come lei si relaziona a lui. Amleto è pazzo o finge

solamente? Che costumi? Ambientazione? 04/12/13

The Nunnery scene, atto 3, scena 1

L'Amleto italiano ha una lettura edipica, influenzato da quello di Oliver. Richard Burton

aveva circa 40 anni, così come Ofelia non era giovanissima. Quello della regia di

Richardson, fatto prima a teatro, poi al cinema,è un Amleto molto strano, in quanto iniziano

la scena in modo molto amichevole. Zeffirelli e Kevin Kline sono dello stesso anno, ma

sono del tutto diversi: Zeffirelli immagina che tra Gertrude e Amleto intercorrano pochi

anni. La scena finale è molto violenta, Amleto sembra quasi voler stuprare la

moglie.l'Hamlet di Kenneth Branagh, con Kate Winslet ha un cast molto importante, nasce

con una versione di 5 ore e poi ridotta a 2 e qualcosa. Questo è l'Amleto moderno. Celestino

Coronado inserisce la coscienza di Amlteo, facendo recitare due gemelli. Scott Campbell

inserisce una Ofelia di colore.

L'Amleto 2000: il titolo non è casuale perché Amleto è stato scritto a cavallo tra due secoli,

come il 2000, e si temevano grossi cambiamenti a causa del cambio di secolo. E' una NY

post moderna,molto particolare, quasi una città morta, non c'è nessuno a giro, come non c'è

fila da BlockBuster. Un madrelingua non pesante l'uso dei versi shakespeariani in un

ambientazione moderna. C'è grande vicinanza tra i due, nonostante siano innamorati devono

andare ognuno per la sua strada. Lei brucia la foto di Amlteo perché è costretta a

cancellarlo, ormai è una pedina nelle mani di Claudio e Ghertrude.

Quello con Kate Winslet: Branagh ha sempre con se un accademico che lo aiuta a capire le

cose filosofiche. Lui qui palesemente cerca di scovare Claudio. Lo specchio è come un

riflesso della realtà. Qui Ofelia è veramente sottomessa, non reagisce minimamente. Il

“ricordami nelle tue preghiere” non viene detto ad Ofelia in tutte le versioni, in alcune pare

parlare con se stesso.

In Mel Gibson: lei conduce l'azione e alla fine non piange e non si prostra a terra, come se,

pur dovendo recitare la sua parte, rimane con la sua personalità. Anche Amleto è molto

pudico, non è per nulla combattivo.

In Kevin Kline: scena vuota, solo palco di legno quindi la recitazione è fondamentale. Qui

Amleto non è mai sarcastico.

In quello di Burton, sembra che Amleto sappia sempre tutto e quindi è molto sarcastico.

In Gassman non c'è chimica tra gli attori. Si accorge che Ofelia sta recitando perché lei sta

leggendo il libro alla rovescia e lui lo rigira.

La versione di Oliver è la classica. La versione russa invece mostra tutta la tradizione del

teatro russo. E' qui che c'è il movimento dell'elastico, è la mano a dare la tensione. E' un

diverso tipo di passionalità rispetto agli altri, il modo di porsi è completamente diverso.

La versione di Williamson è strana rispetto alle altre. L'intimità termina solo quando lui

scopre di essere spiato. Manca lezione 09/12/13

10/12/13

Anche il pezzo finale di Shakespeare in Love è falso, in quanto non è stato ispirato da Lady

Viola a scrivere la Twelfth Night e la stessa non comincia così, ma con la melanconia di

Orsino. Da un punto di vista della riscrittura e dell'appropriazione siamo nel campo della

citazione, di cui alcune sono precise, altre no. (Vedi slides) Quando dice “Viola per me non

invecchierai mai” sono le stesse parole di Antonio a Cleopatra. Spesso queste citazioni sono

fuoriluogo, non c'entrano col contesto da cui sono riprese: ad esempio quando dice “doubt

that the stars are fire” è una citazione di Amleto, quando dice di non dubitare del suo amore.

Così come “words, words, words” che sono riprese da Amleto, quando legge il libro. Il

puritano che si chiama Makepeace, già il nome è contraddittorio in quanto in epoca

elisabettiana erano tutto meno che procacciatori di pace, riprende frasi di Romeo e Giulietta.

Tutte queste citazioni non hanno la stessa funzione che hanno nell'originale, creando un

effetto parodico, sempre usato dal regista. La descrizione che fa Shake a Viola quando sono

sulla barca sono parole riprese dal Sonnet 130.

Il primo incontro tra Stoppard e Shake è completamente diverso dall'originale: ci sono

personaggi insulsi, una commedia che ha Amleto in sottofondo. Sono due personaggi

catapultati in epoca elisabettiana, che parlano un inglese contemporaneo e sono in crisi

quando devono parlare con Claudio o Amleto, perché il linguaggio non è il loro. Hanno però

delle grandi intuizioni su cose che verranno sul futuro come quando lanciano la moneta e

esce sempre testa, è solo il calcolo della probabilità o come quando fanno il modellino

dell'aereo che vola ma non capiscono il perché. Non capiscono quello che hanno intorno e ci

ricordano altri due personaggi del teatro inglese, infatti sono modellati su Beckett. Il film è

su Rosencrantz e Guildenstern, i due amici inglesi di Amleto. Già nel 1891 Gilbert aveva

provato a fare una commedia su loro due.

La fama di loro due nella critica è stata spesso negativa, perché si dibatte sul fatto che siano

personaggi negativi o vittime: commento di Oscar Wilde, in cui dice che non muoiono mai.

Secondo Stoppard non sono colpevoli.

Slide su rapporto tra Hamlet e Rosencrantz and Guildestern are dead. Quella di Stoppard da

un lato è costruita su citazioni precise del testo, dall'altro ha una riscrittura diversa. Non

succede solo con lui, infatti ci sono tante riscritture di Shake. 11-12-13

Visione di R&G are dead.

Le ultime due scene viste sono entrambe caratterizzate da una sottolineatura della finzione

della storia originaria. Gli attori sono i grandi protagonisti del finale, il teatro, dice l'attore,

ha il potere di far risorgere, infatti quello colpito risorge. Questa è una commedia all'insegna

della transfocalizzazione, dove il punto di vista viene completamente spostato infatti ci

vengono narrati tutti gli eventi sul retro del palco. R&G non sono coscienti della propria

situazione, sembrano sempre essere li per caso, quasi non sembrano sapere chi sono. Gli

altri personaggi poi non sembrano riconoscerli come R&G, ma come due facce di una stessa

medaglia, un essere unico. Uno dei due però è molto più filosofico e l'altro più scemo. In

tutta la commedia non percepiscono ne quello che succede intorno a loro, ne quello che

stanno facendo e dicono di continuo “siamo stati chiamati”, ma non ne conoscono il motivo.

Non capiscono bene le indicazioni date in inglese elisabettiano in quanto sono più moderni e

non sono al corrente del complotto. Stoppard parodizza anche il suo Amleto in 15 minuti. Di

sottofondo c'è il concetto della morte, che non viene però percepita da R&G , nonostante sia

una pantomima comica. Gli altri attori gli mostrano il loro destino, ma i due non riescono a

capire. L'intera commedia riprende Beckett di aspettando Godot. I due non capiscono perché

gli mancano le informazioni, mentre il pubblico sa tutto.

L' “Amleto in 15 minuti” è scritto da Stoppard per una compagnia di teatro d'avanguardia e

l'idea era quella di rappresentare un testo classico, riscriverlo brevissimo e metterlo in scena

su un bus di due piani londinese tra una fermata e l'altra. In realtà non riuscirono a farlo e

andò in scena nella terrazza di fronte al national theatre. Quella che vediamo è una versione

cinematografica di 20 minuti scarsi, dove Stoppard interviene. Il testo reale inizia col

prologo, mentre questo lo ha alla fine. Quando chiedono il bis, se ne fa una versione ancora

più corta. Il film ha il grosso anacronismo in quanto gli attori aspettano che arrivi la

pellicola, infatti c'è un paggio che corre a portare la pizza al regista e intanto c'è Shake che

butta i fogli scritti mentre tenta di scrivere l'Amleto.

15 min. Hamlet è del '95, il prologo è spostato, è pieno di anacronismi voluti a sottolineare il

nuovo mezzo con cui questa tragedia è realizzata, quindi si sottolinea la presenza della

cinepresa, con un sapore antico come il cucire i pezzi della pellicola. I ruoli comici sono

accentuati dal fatto che gli attori recitano due parti, come Polonio che fa anche Claudio.

Heiner Muller è il regista che ha scritto Amlet machine e il suo progetto era quello di fare

una riscrittura di Amleto, ne ha fatto una versione di circa cento pagine, che poi si

trasformano in 8. Scrive in un contesto completamente diverso da Stoppard, quest'ultimo

nato in Cecoslovacchia, la madre sposa un inglese ed ha sempre voluto tornare alle sue

radici, è sempre stato attratto dal problema degli intellettuali nell'est che non erano liberi di

recitare. Usa Shake per fare una critica della società. Muller invece aveva questo nome

importante e quindi godeva di grande libertà. In questo testo racconta la rovina dell'Europa

del xx secolo. Nel testo tedesco, le citazioni, sono in lingua originale. Robert Wilson mette

per la prima volta in scena questo corto a New York. Il titolo è un riferimento da Amleto, in

cui parlano di Amleto come una macchina. 16/12/13

Leggere bene il testo di Muller per l'esame, chiederà le reazioni avute nella lettura. Muller

ha scritto anche altri testi che si rifanno ai classici. Uno dei più famosi è “Quartetto”

riscrittura delle “Relazioni pericolose”. Sono testi apocalittici, che descrivono un mondo in

disfacimento, dove la storia è solo un'interpretazione, i fatti storici effettivi non hanno più

alcuna importanza. Fino al 600/700 le donne è come se non fossero mai esistite, così come i

poveri. Difficilmente si usano queste figure per raccontare ad esempio del medioevo. Si

raccontava solo la storia di chi vince. Muller tende a presentare la storia contemporanea (la

sua è scritta la di la della cortina di ferro, con una percezione diversa dalla nostra). Arriva a

scrivere questo breve testo con un procedimento di sottrazione: colui che era stato

considerato una spia e per questo ucciso, vengono riprese le sue salme e fatti grandi funerali

di stato. La situazione che troviamo in Amleto la ritroviamo qui. Il testo si divide in 5 quadri

1- album di famiglia 2-l'Europa delle donne 3- scherzo 4- pest a buda battaglia per la

Germania 5-nell'attesa selvaggia / dentro la orribile armatura/millenni: questi titoli

racchiudono una grande pregnanza: il 1 ci presenta la famiglia del testo, il 2 è il quadro

affidato a Ofelia, nel 4 Pest fa riferimento alla peste.

1- Album famiglia: l'idea della macchina la riprende da Amleto 2.2.122-123. E' stato scritto

nel '77 ma ha origine negli anni '50 quando il regista Ben Nesson chiese a Muller di tradurre

Amleto. Da questa traduzione voleva creare una riscrittura della tragedia, una variante,

ambientata in un azione comunista dopo la morte di Stalin. Questo testo che Muller dice

essere di circa 200 pagine, quindi un dramma in pieno titolo, non fu mai realizzato, ma trova

una realizzazione successiva nelle 8 pagine dell'Hamletmachine. I protagonisti sono solo

Amleto e Ofelia e, a differenza di quello Shake, Ofelia ha un importanza pari a Amleto. Il

secondo e quinto ha solo Ofelia, il terzo tutti e due, gli altri solo Amleto. Il dramma è

costruito sulla sottrazione e sul frammento, frammenti che evocano immagini irritanti e

cruenti e creano un recitato accompagnato da un lavoro sul corpo dell'attore e questo porta

alla libera dilatazione del testo. (movimenti lunghi, tantissimo tempo). Il tempo è post-

moderno, un tempo contemporaneo che non rispetta i canoni classici. Si tratta di un dramma

che parla del dramma, un teatro che parla del teatro, dove il recitato costituisce un grande

metadiscorso sul teatro. Si apre con un immediato parallelismo tra la tragedia di Amleto e il

periodo stalinista: “Io ero Amleto..”. Il testo è molto denso, connette la tragedia, il

tradimento di Claudio a un mondo contemporaneo, distrutto: non è solo di Muller questa

idea, ma anche di Carmelo Bene. “a passo dell'oca i consiglieri” fa capire che si tratta di

militari della Germania dell'est perché da noi questo non c'è. “lutto mal pagato” è un lutto

per cui nessuno è mai stato condannato, un lutto che non esisteva. Andando avanti riprende

elementi del testo shakespeariano (vedi slides). I pezzi presi da Hamlet sono in inglese,

come a voler sottolineare che sono di Shake. Il quadro si chiude portando all'estremo tutte

queste immagini di putrefazione. C'è il riferimento al fatto che Amleto si concede a Claudio

(?) e fa riferimento alla madre vista come una prostituta. Parla dello spettro, il tradimento di

Gertrude e Claudio. Amleto dice che vorrebbe non essere mai nato da donna, cosa

impossibile, quindi rimanda a quell'assioma tipico della poetica di Beckett per cui il peccato

più grande dell'uomo è quello di essere nato. Fa riferimento al desiderio incestuoso di

Polonio: adesso strappo il tuo abito nuziale, adesso devi gridare,a desso ti prendo madrina..

soffoco il tuo grido con le mie labbra” rapporto incestuoso, come se Amleto volesse

soffocare sua madre con un bacio.

2-

Ofelia è protagonista assoluta della scena, a differenza di Amleto che nega il suo essere nel

presente perché dice “io ERO Amleto”, Ofelia dice “io SONO Ofelia, quella che il fiume

non ha trattenuto, la donna con le vene tagliate, la donna con la testa nel forno a gas, ieri ho

smesso di uccidermi”. Si presenta subito come la donna che sofferto nella storia per mano

dell'uomo. Ofelia si presenta come emblema della ribellione femminile, in opposizione al

personaggio shakespeariano dato che li obbediva sempre al padre. Respinge con grande

forza la condizione a cui la storia ha relegato Ofelia come personaggio e Ofelia come

rappresentante delle donne. “io ho smesso di uccidermi, faccio a pezzi gli strumenti della

mia prigionia, distruggo il campo di battaglia, strappo le porte per aprire il mondo, con le

mani insanguinate strappo le foto dell'amato che mi hanno usato a letto, getto al fuoco i miei

vestiti”. Un po come Amleto 2000, Ofelia che cancella col fuoco l'immagine di Amleto.

3-scherzo. E' uno scherzo come c'è in musica. E' centrale, momento di calma, leggero.

4- Pest a Buda battaglia perla Germania

Si apre con Amleto. E' interessante come l'attore che recita Amleto, cessa la sua funzione

d'intermediario tra personaggio e pubblico e si chiama fuori dall'illusione teatrale. Comincia

dicendo “Amleto” poi si leva maschera e costume e dice “io non son Amleto, non recito più

nessuna parte, il mio dramma non ha più luogo...non sto più al gioco”. Questo è una sorta di

colpo di teatro. Poi comincia un monologo su vari momenti della storia del comunismo

come la rivoluzione del '56 con immagini di putrefazione anticipate già dal titolo del

quadro. Se da una parte rimanda ai fatti di Ungheria, dall'altra rimanda a immagini di

putrefazione. Dopo il monologo, c'è didascalia “ schermo nero, sangue dal frigo, 3 donne

nude: dicono ognuna nella propria lingua: occorre rovesciare i propri luoghi nel quale

l'uomo..” Questo è il quadro più politico. (non è mai andato in scena nella Germania dell'est

prima della caduta del muro. Poi messo in scena davanti al muro, come se quelle rovine

rappresentassero quelle della Danimarca).

5- Nell'attesa selvaggia/ dentro l'armatura/ millenni

Si chiude la scena in mezzo a pesci, macerie e pezzi di cadaveri. Non è una novità nel

dramma contemporaneo, i cadaveri si trovano in altre scene. Ofelia viene avvolta in fasce di

garza da uomini vestiti da medico: ci fa pensare ai dissidenti mandati negli ospedali

psichiatrici nella Germania dell'est. Ofelia riassume il dramma, racconta di Elettra, si

riappropria del suo essere femminile, negando la storia di sottomissione a cui era legata.

Nega la sua femminilità. Elettra dice “ nel cuore dell'oscurità, sotto il sole del supplizio,alle

metropoli del mondo, nel nome del sacrificio io butto via tutti i semi che ho ricevuto,

trasmuto il latte dei miei seni nel veleno mortale (cit. da Amleto) , mi riprendo il mondo che

ho partorito, soffoco il mondo che ho partorito tra le mie cosce e seppellisco la mia vagina”.

Le sue parole sono all'insegna della ribellione totale, dove tutti i confini tra odio amore, vita

e morte si dissolvono, e l'unico principio che rimane è quello contro la violenza. Il teatro

contemporaneo inglese è stato definito in your face theatre, ossia un teatro che ti butta in

faccia qualunque verità. 2Abbasso al gioia della sottomissione, viva l odio, disprezzo,

rivolta, morte. Quando con il suo coltello da macellaio andrà nelle vostre stanze da

letto,saprete la verità” questa frase è rivolta agli uomini: quando una donna prenderà

coscienza di tutto quello che subito e prenderà un coltello per vendetta, capirete. Al processo

della setta satanica Menson, una delle donne della setta disse una frase molto simile. Muller

l'ha letto su life, ma non sappiamo se effettivamente c'è un collegamento.

E' un testo molto forte ma molto suggestivo. Questo testo è un affresco della

contemporaneità, è un testo post ideologico dove Amleto davanti alle rovine dell'Europa,

cerca la propria identità, così come Muller, marxista, orfano dell'ideologia, è in conflitto

perenne con la storia. La sua è una visione negativa, dove il divario tra storia e utopia è

incolmabile e l'utopia si trasforma in forma di incubo.

Le riscritture di Amleto:il postmoderno. Vedi slide, lo schema teatro e dramma di secondo

grado: la macchina cibernetica. Spiegare cos'è una riscrittura: il dramma può essere

rappresentato in cinema, balletto, lirica, etc. Si parla di macchina cibernetica, ossia una cosa

ciclica, perché spesso queste riscritture finiscono per influenzare il testo di partenza: il film

di Olivier, ha influenzato la messa in scena teatrale per anni. (Grease: musical, film, altro

musical preso dal film). Le riscritture spesso creano una nuova visione del testo, diverso

dall'originale. (vedi i cartoni animati di Shake).

Parole chiave: rifacimento (remake) prendere un testo e rifarlo, più tipico dell'800.

Riscrittura e adattamento: nelle dispense ci sono opinioni diverse (dobbiamo elaborarne una

nostra) la riscrittura è un procedimento ideologico, si riscrive qualcosa che non funziona

più. Citazione: può essere chiara o opaca, quando è ben nascosta come in shake in love.

Parodia: un testo viene parodiato, ma il testo di partenza deve essere conosciuto. Travesty e

Burlesue: il primo è quando il testo viene travestito da altro, il secondo è una burletta.

Transcodificazione: processo per cui si passa da un corpus a un altro. Nelle slide poi ci sono

tre citazioni (lo storicismo cancella la storia). 17/12/13

OTHELLO

Come personaggio è forse il primo grande eroe tragico shakespeariano. Quelli prima, come

Romeo e Giulietta e Amleto sono altro, dato che il tragico che troviamo lì è un tragico

classico: ad esempio gli innamorati cadono per interventi esterni (nella tragedia classica è il

fato, in R&G c'è la legge patriarcale che gli impedisce di sposarsi). Amleto non è un eroe

tragico, è un dramma senza azione, lui non decide e non agisce. Othello è quell'ero che cade

nona causa di una forza superiore, ma perché non si rende conto del mondo che lo circonda

e che Iago lo sta ingannando. Legge la realtà attraverso gli occhi di Iago, quindi in modo

errato e vede Cassio come traditore e Desdemona anche.

Othello lo troviamo in due testi, quarto del 1622 e foglio del 1623. Questi due testi si

differenziano minimamente per alcune cose e per altre invece in modo importante: il

secondo è un testo purgato da imprecazioni che farciscono il linguaggio di S. Tra il 22 e il

23 fu approvata una legge che proibiva lo sproloquio e linguaggio blasfemo sulla scena. Il

testo che abbiamo è dal quarto.

Il testo si apre con Iago e Roderigo che vogliono vendicarsi di Otello. Viene designato come

moro, sebbene non è specificato che Otello sia nero. Gli arabi, i mori, sono bianchi. A

Venezia il moro poteva indicare le persone che non erano cristiane. Comunque è uno

straniero a cui la Serenissima affida il proprio esercito. Iago voleva il suo posto, ma era un


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DETTAGLI
Corso di laurea: Corso di laurea magistrale in lingue e letterature europee e americane
SSD:
Università: Firenze - Unifi
A.A.: 2014-2015

I contenuti di questa pagina costituiscono rielaborazioni personali del Publisher lightside-votailprof di informazioni apprese con la frequenza delle lezioni di Letteratura inglese e studio autonomo di eventuali libri di riferimento in preparazione dell'esame finale o della tesi. Non devono intendersi come materiale ufficiale dell'università Firenze - Unifi o del prof Cioni Fernando.

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