Pittura di genere dalle origini fino al XX secolo

Origini della pittura di genere

La pittura di genere o scene di costumi è una Categoria pittorica che include scene di carattere aneddotico, familiare, intimo o popolare.

Essa designa l'illustrazione di scene di vita quotidiana, i cui personaggi sono tipi umani anonimi. Originariamente utilizzata per tutti i generi di pittura ad eccezione della pittura storica, l'espressione non ha trovato il suo significato attuale fino alla fine del XVIII secolo. Nel 1766 Diderot scriveva così: “Noi chiamiamo indistintamente pittori di genere e quelli che si occupano solo di fiori, frutti, animali, selve, selve, monti, e quelli che mutuano le loro scene dalla vita comune e domestica” (Saggi sulla pittura). Ma, nel 1791, Quatremère de Quincy evocò il “genere propriamente detto, ovvero quello delle scene borghesi” : divenne così il primo teorico ad applicare il termine “genere” alle rappresentazioni della vita domestica . Questo uso non divenne comune fino alla metà del XIX secolo.

Evoluzione e significato del realismo

Questa categoria pittorica mette in gioco la nozione di realismo, che non può essere ridotta alla descrizione oggettiva della realtà, ma è inseparabile da contenuti ideologici più o meno evidenti. La pittura di genere nasconde così spesso complessi significati allegorici, morali o religiosi, che sono in gran parte spiegati dal contesto della produzione. Il realismo non condiziona il pittore, che può moltiplicare le tonalità (satiriche, didattiche, sentimentali...) nella sua interpretazione di soggetti consacrati dalla tradizione o dalla moda. L'evoluzione cronologica, invece, conferma la secolarizzazione del genere, che privilegia sempre più la descrizione e l'aneddoto.Infatti, la nozione di "pittura di genere" si è sviluppata tardi, e deriva dallo sviluppo, iniziato nel XVI secolo, di un dipinto che rifiuta "grandi" temi storici o religiosi, allegorie accademiche, commemorazioni magniloquenti di un evento specifico. Ma fu solo nell'Ottocento che il termine ha assunto il suo significato attuale. Bosch e Bruegel il Vecchio sono i grandi precursori della pittura di genere, che fiorisce nel diciassettesimo secolo.

Influenze e sviluppi nel XVII secolo

La necessità di reagire al manierismo determina un'adesione quasi unanime al all’ideale pittorico del Caravaggio. Questa rivoluzione fu una tappa essenziale nella storia della pittura di genere, che, per la prima volta, acquisì da nord a sud dell'Europa alcune caratteristiche generali per quanto riguarda la tecnica, l'impaginazione, la scelta dei soggetti e le atmosfere luminose. E questo perché a Roma, dall'inizio del XVII secolo e fino al 1630, si affiancarono pittori fiamminghi, olandesi e francesi (come Valentin e G. de La Tour probabilmente).

Tornati in patria, i pittori francesi svilupparono un linguaggio personale, formando una nuova generazione di artisti, presto soggetti a loro volta ad altre influenze. È così che i pittori fiamminghi stabilitisi a Parigi vicino a Saint-Germain-des-Prés influenzano l’arte di A. Le Nain, mentre suo fratello Louis acquista notorietà nel dipingere soggetti di genere contadino (La Forge o Maréchal dans sa forge, Parigi, Louvre).

Il XVII secolo, nelle Fiandre, è interamente dominato da Rubens. Se quest'ultimo interviene nell'evoluzione della pittura di genere, non è per la sua Kermesse o la sua Ronde de paysans, ma per la potenza abbagliante del suo lavoro. Brouwer, che prima dipinse scene contadine, poi aggiunse le sottigliezze della luce suggeritegli dall'opera di Rubens.

Jordaens, pur non recandosi in Italia, conosceva la scuola del Caravaggio, oltre ad essere influenzato dall’arte di Rubens.

Pittura di genere nell'Olanda dell'Età dell'Oro

La pittura di genere, rispondente ai gusti borghesi della clientela, trovò nell'Olanda dell'Età dell'Oro uno sviluppo privilegiato. Il ruolo di Rubens nelle Fiandre fu poi interpretato da Rembrandt, che insegnò a G. Dou e Van Ostade. Hals è legato ai Caravaggisti dal vigore gioviale dei suoi personaggi popolari, che appartengono alla pittura di genere in quanto, al di là del ritratto, evocano uno stile di vita, un ambiente sociale, un'epoca. Ter Borch, in un colore raffinato, dà un'immagine pacifica delle stanze di guardia e del riposo del guerriero. J. Steen dipinge composizioni a volte brulicanti, a volte intime, a volte velando un'intenzione moralizzatrice o allusioni erotiche.

Intorno a Vermeer, emerge un'altra corrente: quella della vita silenziosa, del mondo chiuso dove l'amante si rinchiude per leggere la sua lettera, il geografo per sondare i segreti dell'universo, la merlettaia per utilizzare i suoi fusi. Poi, per la magia della luce, per la ricchezza del tatto, l'oggetto più umile assume l'importanza e la brillantezza di un tesoro.

Nella prima metà del XVII secolo, Siviglia è un fiorente centro artistico, dove si formeranno Zurbarán, Murillo, Velázquez. La vecchia che frigge le uova, Il portatore d'acqua, Il pranzo mettono in scena il piccolo popolo.

Sviluppi nel XVIII e XIX secolo

Nel XVIII e XIX secoli, la pittura di genere continua a rappresentare una scena della vita quotidiana (lavoro, tempo libero, festa, ecc.) o un aneddoto. Una natura morta è un dipinto di oggetti inanimati (cibo, selvaggina, frutta, fiori, oggetti vari, ecc.) che l'artista ha posto su un supporto (tavolo, pietra o supporto di legno) in modo che costituiscano un insieme giudicato armonioso.

Artisti e opere significative

La natura morta e la scena di genere erano ancora considerate generi minori nel XVIII secolo. Tuttavia, alcuni artisti si specializzano in questa area che, grazie a loro, si evolve. Si tratta spesso di personalità che si ribellano a qualsiasi costrizione o tipologia prefissata. Costruiscono un'opera molto originale, tenendosi lontani dalle correnti dominanti dell'epoca: il rococò e il neoclassicismo. Alla fine della loro vita, tali artisti vengono spesso dimenticati, ma il loro lavoro va al di là del tempo. Dobbiamo citare:

Jan van Huysum acquisì una reputazione eccezionale nel XVIII secolo in un genere considerato minore dalle accademie: la natura morta. Era soprannominato "la fenice di tutti i pittori di fiori".

L'opera di William Hogarth è uno degli elementi fondanti della pittura britannica. È soprattutto attraverso la scena di genere satirico che ha segnato la storia dell'arte.

Chardin è particolarmente famoso per le sue nature morte, con le quali invita l’osservatore a dare uno sguardo diverso al XVIII secolo. Attraverso l'osservazione empatica unita alla padronanza tecnica acquisita attraverso un duro lavoro, il pittore conferisce una sorta di eternità. agli oggetti di uso quotidiano

Questo artista occupa un posto molto speciale nel XVIII secolo. In un'epoca di licenziosità, è il pittore della morale. In un momento di cinismo, è il pittore del sentimento intimo. Ha lasciato notevoli scene di genere e ritratti, ma non ha avuto successo nella pittura storica.

Come pochi pittori, riesce a trasmettere la sua meditazione interiore su frutti, fiori e cibi, generalmente disposti su un tavolo di pietra dal fondo scuro e uniforme. Una susina, una peonia, una brioche diventano allora soggetti di riflessione.

Cognata e allieva di Jean-Honoré Fragonard, Marguerite Gérard è specializzata in scene familiari che mettono in risalto le donne dell'alta società dell'epoca.

La pittura di genere diventa discreta al culmine della moda dei temi eroici durante la Rivoluzione e l'Impero. La rivoluzione del 1848 apre una fase di militanza sociale ed estetica.

Jean-François Millet si dedica alle raffigurazioni della condizione lavorativa dei contadini, che esprimono un'intensa nostalgia per il rapido progresso dell'industrializzazione.

Gustave Courbet, capo dei pittori realisti, conferisce alla scena di genere un'aggressività provocatoria attraverso la natura prosaica dei soggetti, il realismo radicale del trattamento e la scala dei formati (La sepoltura a Ornans, 1850, Musée d'Orsay, Parigi) . Con Courbet si infrange la gerarchia tradizionale: la pittura narrativa si identifica di fatto con la pittura di genere, poiché "la pittura è un'arte essenzialmente concreta e non può che consistere nella rappresentazione di cose reali ed esistenti" (Courbet).

Impressionismo e modernità

La strada aperta da Courbet viene seguita dagli impressionisti che, accanto a ritratti e paesaggi, si interessano a scene di vita parigina, concretizzando l'ideale di vita moderna del pittore.

Manet, Degas e Toulouse-Lautrec sono gli artisti più interessati alla contemporaneità, che evocano attraverso nuovi temi: il mondo borghese degli affari, gli spettacoli eleganti o popolari, le corse, i ballerini e il music hall, le case di appuntamento, la dura condizione della gente comune.

Declino delle categorie tradizionali

Allo stesso tempo, le definizioni tradizionali dei generi perdono la loro rilevanza per rappresentare una parte crescente della pittura di figura, dalle scene tahitiane di Gauguin alle invenzioni iconografiche delle varie correnti simboliste. Il soggetto scompare dietro la supremazia dello stile, e si hanno degli sconvolgimenti continui.

Le successive avanguardie di inizio Novecento, infliggendo un colpo mortale al duplice principio della narrazione e dell'imitazione delle apparenze, e quindi alla rappresentazione credibile del quotidiano, completeranno la sepoltura delle categorie che avevano governato la concezione della pittura dal XVI al XIX secolo.