Nan Goldin per Supreme: celebrare la diversità con stile e provocazione

UNIVERSITÀ PONTIFICIA SALESIANA – ROMA

IUSVE ISTITUTO UNIVERSITARIO SALESIANO VENEZIA

Aggregato alla Facoltà di Scienze dell’Educazione – UPS

T B

ESI DI ACCALAUREATO IN

ADVERTISING & MARKETING

Titolo tesi:

Nan Goldin per Supreme: celebrare la diversità con stile e provocazione.

Relatrice: Prof.ssa Arianna Novaga Candidata: Noemi Saggiotto

Matricola: 11052

Anno Accademico: 2023-2024

UNIVERSITÀ PONTIFICIA SALESIANA – ROMA

IUSVE ISTITUTO UNIVERSITARIO SALESIANO VENEZIA

Aggregato alla Facoltà di Scienze dell’Educazione – UPS

T B

ESI DI ACCALAUREATO IN

ADVERTISING & MARKETING

Titolo tesi:

Nan Goldin per Supreme: celebrare la diversità con stile e provocazione.

Relatrice: Prof.ssa Arianna Novaga Candidata: Noemi Saggiotto

Matricola: 11052

Anno Accademico: 2023-2024

INDICE

Abstract (versione italiano) 5

Abstract (versione inglese) 6

Introduzione 7-8

CAPITOLO 1 FOTOGRAFIA INTIMISTICA 9

1.1. Perfetta imperfezione 9-15

1.2. L'altra faccia dell'emotività 16-26

1.3. Estetica dell'impassibilità 27-30

CAPITOLO 2 NAN GOLDIN X SUPREME 31

The Ballad of Sexual Dependency

2.1. 31-38

2.2. Supreme e identità 38-46

2.3. Contaminazioni 46-51

CAPITOLO 3 CENSURA E SCANDALO 52

3.1. Il brutto e il corpo 52-55

3.2. Dimensione psicologica 55-58

3.3. Ricordi 58-62

Conclusioni 63-65

Bibliografia 66-67

Sitografia 68

Immagini utilizzate 69-70

4

Abstract

La fotografia intimistica, nel corso degli anni, ha rappresentato una delle forme d’arte più

personali e autentiche; è caratterizzata dalla capacità di catturare la vita privata e le

emozioni dei soggetti in presa diretta e senza filtri. Pionieri come Nan Goldin, Larry Clark

e Nobuyoshi Araki hanno sfidato convenzioni sociali e artistiche, documentando temi

come l’amore, la sessualità e la dipendenza da droghe con una franchezza che ha suscitato

reazioni contrastanti.

L’obiettivo dell’elaborato è far emergere in che modo e per quale ragione l’industria della

moda trae vantaggio dall’integrazione di forme d’arte che affrontano tematiche marginali e

controverse. Nello specifico, attraverso il caso studio della collezione SS/18 del noto

marchio streetwear Supreme realizzata in collaborazione con Nan Goldin, saranno

analizzate le cause e le ragioni che hanno indotto il brand di lusso a cercare un’alleanza

con un’artista focalizzata su soggetti emarginati, evidenziando come tale scelta rifletta una

strategia più ampia nel panorama della moda contemporanea. 5

Abstract

Intimistic photography, over the years, has been one of the most personal and authentic art

forms; it is characterized by its ability to capture the private lives and emotions of its

subjects in direct, unfiltered focus. Pioneers such as Nan Goldin, Larry Clark, and

Nobuyoshi Araki have challenged social and artistic conventions, documenting themes

such as love, sexuality, and drug addiction with a frankness that has elicited mixed

reactions.

The goal of the paper is to bring out how and why the fashion industry benefits from

integrating art forms that address marginal and controversial issues. Specifically, through

the case study of the well-known streetwear brand Supreme's SS/18 collection created in

collaboration with Nan Goldin, the causes and reasons that led the luxury brand to seek an

alliance with an artist focused on marginalized subjects will be analyzed, highlighting how

this choice reflects a broader strategy in the contemporary fashion landscape. 6

Introduzione

Che rapporto intercorre tra le fotografie anticonvenzionali e profondamente intime di Nan

Goldin ed il marchio streetwear e underground Supreme?

Da un lato si osserva un’arte spontanea e genuina, incarnata dall’opera della Goldin, che

per prima ha avuto l’influenza più diretta ed evidente sulla fotografia di vite intime. Il suo

obiettivo cattura la realtà in maniera cruda e senza filtri immortalando momenti, luoghi e

soggetti che all’epoca, negli anni Ottanta e Novanta, sfidavano i tabù e le convenzioni

sociali. Non vi è alcuna ricerca del bello o dell’estetica, ma piuttosto la volontà di

trasmettere emozioni e sentimenti autentici attraverso una narrazione schietta della vita

privata, oscillando tra shock, voyeurismo e compassione.

Dall’altro lato si erge il fenomeno dello streetwear millenario Supreme, fondato negli anni

Novanta da James Jebbia. Nato dalla sottocultura degli skater newyorkesi e dall’Hip-hop,

Supreme è stato assorbito dal mainstream e viralizzato da influencer con milioni di

follower. Questo marchio di lifestyle si distingue per le sue numerose collaborazioni, che

spaziano abilmente tra l'underground e il mainstream, includendo nomi prestigiosi come

Comme des Garçons e Louis Vuitton.

Cosa accomuna dunque, queste due icone culturali provenienti da due angoli di strada

completamente differenti? Quali sono le implicazioni della decisione, da parte della moda,

di trarre vantaggio dall’arte che mette al centro soggetti emarginati? E come possiamo

definire la fotografia intimistica?

Se esiste una certezza dominante rispetto la fotografia intimistica in questo studio è la

complessità nel delineare una definizione precisa di questo campo creativo. La selezione

diei vari fotografi presentata in queste pagine, insieme all’analisi della collaborazione tra

Nan Goldin e Supreme per la collezione SS/18, intende fornire un’idea di questa estetica

fotografica - dove la macchina fotografica agisce come uno scrutatore silenzioso,

diventando una sorta di diario dell’intimità umana. 7

Questa tesi intende esplorare la rappresentazione della vita domestica e intima attraverso la

lente della fotografia artistica contemporanea, approfondendo il potere della fotografia

come diario e cronaca personale. Quindi viene studiato come i fotografi abbiano ampliato i

confini della credibilità visiva includendo persone, oggetti, luoghi spesso trascurati,

concentrandosi sulle connessioni emotive e personali. In questo modo, i fotografi di vite

intime trasformano lo stile fotografico dominante focalizzandosi sui momenti intricati e

complessi della quotidianità, lontani dalla tradizionale documentazione familiare e sociale.

L’elaborato, dunque, mira a esaminare le dinamiche e le scelte che hanno portato alla

realizzazione di questa provocatoria Capsule Collection, mettendone in evidenza le

peculiarità fotografiche, stilistiche e identitarie. Tale ricerca intende proporre nuove chiavi

di lettura relative a queste contaminazioni artistiche, approfondendo le motivazioni di

critiche e censure da parte degli osservatori di fronte a questo ibrido tra arte e moda. Si

definiscono quindi gli scopi e le intenzioni di progetti che celebrano la diversità attraverso

metodi anticonvenzionali, ispirando un impegno significativo verso le nuove generazioni.

Per realizzare questo obiettivo, verrà adottato un approccio compilativo e documentale,

combinando materiali fotografici, case of study e testi.

La tesi è articolata in tre capitoli: nel primo viene fornita un’introduzione a questo stile

fotografico della vita intima, attraverso un excursus storico e sociale. Inoltre, si nominano

artisti che hanno avuto, come la Goldin, una grande ed altrettanta influenza sulla fotografia

intimista. Nel secondo capitolo si analizza in dettaglio la vita di Nan Goldin, per poi

esaminare la Capsule Collection di Supreme SS/18 per Nan Goldin, cercando di

individuare i fattori che hanno portato a questa collaborazione unica e iconica. Nel terzo

capitolo infine si elabora un resoconto del contesto storico e sociale attuale individuando la

natura di eventuali scandali, shock e censure. 8

CAPITOLO 1

LA FOTOGRAFIA INTIMISTICA

1.1. Perfetta imperfezione

«La musa della fotografia non è una delle figlie della Memoria: è la Memoria stessa». 1

È l’epoca della propulsiva e ruggente New York degli anni Ottanta, dove gli artisti ribelli

American Dream

stavano ridefinendo il concetto di arte, alimentando un nuovo di eccessi e

trasgressioni. In questo contesto, i grattacieli, le strade e i locali erano diventati un punto di

ritrovo, un luogo di ricerca d’identità. La città si ghettizzava, e quartieri come Queens,

Chinatown e Little Italy rappresentavano le roccaforti degli immigrati, dei latini e degli

afro-americani. La voglia di libertà non si urlava più nelle strade e negli slogan, e la

protesta si tramutava in atti di ribellione individuali, racchiudendosi in una sfera intima e

autodistruttiva: il degrado, la cocaina, la musica, la libertà sessuale, la violenza. Sono gli

anni di Jean Michel Basquiat e Sol Lewitt, Madonna e Michael Jackson, MTV e The

Simpson. Quest'epoca appare dorata e libera, ma anche colma di contraddizioni e tendente

all’autodistruzione. È il tempo della moda grunge e del glamour, che integra sempre di più

l'arte nelle sue campagne pubblicitarie affidandosi a fotografi e grafici di successo come

Helmut Newton e David LaChapelle; un tempo amplificato ancor di più dai tabloid,

intrecciato con la vita reale. A Manhattan Time Square brilla di luci artificiali, mentre la

periferia affronta il degrado. Oltre la droga e il vandalismo, un’altra piaga dilaga a partire

da questi anni, una vera peste del XX secolo, l’AIDS, che mette in ginocchio una

generazione che desiderava essere libera e spensierata.

Cosa è rimasto di quegli anni? Sicuramente numerose fotografie, crude, controverse come

il tempo in cui sono state scattate. In particolare le fotografie di Larry Clark hanno portato

alla luce giovani ribelli newyorkesi ossessionati dal sesso, dalle droghe e dalla musica.

Quella di Clark è un’arte unanimamente riconosciuta a livello globale per i suoi famosi

Capire una fotografia,

Berger J., Roma, Contrasto, 2014, p. 129.

1 9

ritratti che mostrano - in modo crudo e senza censure - le sfide, la perdita di punti di

riferimento e le insidie nel mondo degli adolescenti, portando così il fotografo americano

ad avere una grande influenza sulla fotografia contemporanea.

Nelle sue serie fotografiche degli anni '80 e '90, Larry Clark ha registrato la vita quotidiana

degli adolescenti in varie realtà: dalle strade degli skateboarders di New York al cuore del

ghetto latino di Los Angeles. In queste immagini, i giovani cercano disperatamente di

definire la propria identità alla ricerca di sé stessi, mentre sperimentano droga, sesso e armi.

Figura 1

Larry Clark, Couple, Tulsa, 1971. 2

Lawrence Donald Clark nasce a Tulsa, in Oklahoma, nel 1943, e coglie l’opportunità di

avvicinarsi alla fotografia grazie alla professione della madre, anch’essa fotografa. Dopo

aver conseguito la laurea all'Università di Milwaukee, si trasferisce a New York e si dedica

alla sua passione, documentando da vicino le subculture con le quali empatizzava e

socializzava. Fu proprio questo suo profondo interesse per le sfaccettature della società

Tulsa.

americana borderline che lo ispirò, e che portò alla nascita di

Fonte: artsy.net (10.05.2024).

2 10

«I was born in Tulsa, Oklahoma, in 1943. When I was sixteen I started shooting

anfetamine. I shot with my friends everyday for three years and then left town but I’ve

gone back through the years. Once the needle goes in it never comes out» .

3

Tulsa,

Con questo preludio inizia il progetto pubblicato nel 1971, che introduce una pietra

miliare nel panorama artistico in quanto si tratta di uno dei libri di fotografia più discussi e

influenti di tutti i tempi. Il successo di Clark è stato catalizzato specialmente da questa

opera che racconta - attraverso fotografie sgranate in bianco e nero scattate fra i venti e i

trent’anni - la storia di una generazione dimenticata, lasciata nell’ombra dall’affermarsi del

sogno americano.

In questo reportage, Clark vive la vita del gruppo insieme ad esso, senza interferire e senza

mai separarsi dalla macchina fotografica, ragione per cui questi scatti crudi e viscerali - che

ci proiettano dentro all’uso di aghi ipodermici, atti di violenza, sesso esplicito - ma allo

stesso tempo artisticamente raffinate, trasmettono un senso di autenticità raramente

Tulsa diario visivo.

raggiunto in opere simili. è più di un semplice racconto: è un La

potenza delle immagini, al di là della loro aspra realtà, risiede nella ricerca della verità

senza veli e in un realismo senza compromessi.

Oltre ai progetti fotografici, Larry Clark è noto anche per aver portato sul grande schermo

Kids,

film di culto del 1995, che definisce l’epoca della cultura giovanile di New York

il

City. Il film segue le vicende di un gruppo di skater newyorkesi alle prese con la loro

quotidianità. Il regista ha continuato ad esplorare le subculture, concentrandosi in

particolare sulla cultura skater, non smettendo mai di sollevare polemiche, e, talvolta,

andando incontro a censure. Tuttavia, queste controversie hanno contribuito ad accrescere

la popolarità del fotografo, trasformandolo in un’icona del cinema e della fotografia di

un’intera generazione.

Non cerco di essere controverso, cerco solo di essere onesto e di dire la verità sulla vita.

[…] Sono interessato a fare un lavoro che mi soddisfi, mostrando le vite delle persone

che non vengono mostrate. Ho voluto fare un film onesto dal punto di vista emotivo.

Senza compromessi né timori: sincero, semplicemente.

4

Tulsa,

Clark L., New York, Grove Press book, 2000.

3 di Larry Clark»,

Wikiquote, «Citazioni URL: it.wikiquote.org (14.05.2024).

4 11

Mentre molti artisti ricercano l’estetica e la bellezza dell’immagine conforme agli

stereotipi, Clark ha trovato nella fotografia un luogo in cui rifugiarsi e scongiurare le

proprie esperienze. Non si è mai interessato al racconto mediatico, ma piuttosto al racconto

della vita e della realtà.

Solitamente, ciò che rimane assente dalle immagini sono proprio gli elementi considerati

tabù culturali: le dinamiche familiari, le intimità emotive casuali o autoimposte. La

fotografia artistica, però, prendendo in prestito l’estetica della fotografia privata, spesso

rivela un lato emotivo alternativo anziché i cliché che ci si aspetterebbe. Le modalità di

rappresentazione, infatti, sono apparentemente prive di artificio, sono soggettive,

quotidiane, private. I linguaggi fotografici diventano comuni, più semplici e ancorati alla

vita di tutti i giorni, riflettendo una realtà temporanea, e contrapponendosi nettamente agli

approcci più calcolati e riflessivi della fotografia artistica contemporanea. Charlotte Cotton,

curatrice e scrittrice di fotografia, definisce questa tipologia di immagini «fotografia

intima », poiché caratterizzata da soggetti che si muovono in un ambiente quotidiano tra

5

eventi e contesti segnati da tristezza, conflitto, dipendenza, malattia e deviazioni dalle

norme sociali. La forma del diario, che potrebbe anche essere considerata come un micro-

reportage, è centrale nello stile fotografico intimistico qui esaminato, rispondendo

vicinanza,

efficacemente alla necessità di sia fisica che emotiva, alla storia e alle persone

raccontate.

In questo genere non è presente alcun tipo di ricerca estetica sul corpo: la fotografia

intimistica ne osserva, al contrario, i difetti, la miseria, i colori, la grezza verità delle forme.

Questi racconti trovano fondamento nella fragilità e debolezza dell'immagine stessa, che si

manifesta reale, cruda e istantanea. «[La fotografia] non punta più a testimoniare la storia,

non intende cambiarne il corso, ma si limita a prendere atto delle tracce che essa lascia

sulle vicende umane» .

6

La fotografia come arte contemporanea,

Cotton C., Torino, Einaudi, 2021, p.160.

5 Il pensiero dei fotografi,

Valtorta R., Milano, Mondadori, 2008, pp. 219-220.

6 12

Figura 2

Larry Clark, Billy Mann holding Timmy Tarr’s arm, 1971. 7

Sulla scia del lavoro di Clark, altri fotografi hanno attraversato la medesima modalità

linguistica e tra i tanti si menziona almeno Ryan McGinley. Quel che è straordinario nei

suoi ritratti è il modo particolare di rendere l’intimo qualcosa di pubblico, consentendo a

chiunque di osservare senza sentirsi invadenti e intrusi. Libertà, giovinezza, poesia:

bastano poche parole per descrivere la sua arte. All’età di 25 anni ha tenuto una mostra

The Kids

personale presso il prestigioso Whitney Museum of American Art, presentando

Were All Right, una raccolta di 1600 scatti realizzati tra il 1998 e il 2003 che ritraggono i

suoi amici attraverso scatti carichi di occhi neri, nasi sanguinanti, ragazzi tatuati, ragazze

sballate, corpi nudi e capelli bagnati.

La mostra al Whitney sembra quasi suggerire che la fotografia dell’intimità sia diventata

un genere ormai affermato, con giovani artisti che realizzano una documentazione

autentica e senza filtri della loro vita

Fonte: artsy.net (10.05.2024).

7 13

Figura 3

Ryan McGinley, Dash Bombing, 2000. 8

Anche nel lavoro di McGinley i soggetti sono giovani e adolescenti che trasmettono un

wild

grande senso di libertà, un’attitudine conferita dall’uso ricorrente del nudo in contrasto

Beat Generation

con il paesaggio. In McGinley c’è molto della , di quell’innocente e

9

curioso errare tra utopia e giovinezza. Con questa generazione di fotografi degli anni

Novanta, la fotografia americana cambia prospettiva, staccandosi dall’ambito della pura

documentazione per cercare di rappresentare la vita in tutta la sua intensità. Si potrebbe

affermare che le fotografie di McGinley fermino, in qualche modo, la rappresentazione

dell’istante , sottolineand