Tintoretto, Jacopo - La liberazione di uno schiavo - analisi

Il capolavoro di Tintoretto

Nel 1548, Tintoretto realizza il suo primo capolavoro, La liberazione di uno schiavo, una tela di m 4,15 x 5,41 destinata ad arredare la Scuola Grande di San Marco. Vi viene narrato l’episodio di un servo che, recatosi a venerare le reliquie di San Marco, venne condannato dal padrone ad essere accecato e a subire la frattura delle gambe. Tuttavia, grazie all’intervento miracoloso del Santo, egli rimase illeso.

La scena e i protagonisti

La scena è rappresentata in uno spazio piuttosto ristretto fra due edifici, collegati da un alto pergolato. I protagonisti sono posti al centro: o schiavo nudo a terra, il carnefice in piedi, rivolto verso il giudice, seduto su di un trono a destra, per mostrargli gli strumenti della tortura che per miracolo si sono spezzati, in alto S. Marco, raffigurato con uno scorcio opposto rispetto a quello dello schiavo, che arriva per portare la liberazione. Le tre figure sono collocate seguendo un arco (schiavo – carnefice – S. Marco). Diversi personaggi portano il turbanti: sono degli orientali che rappresentano i Turchi, nemici da sempre della Repubblica di Venezia. La folla dei protagonisti segue un andamento ondeggiante e a volte speculare ed ognuno è raffigurato in una postura ondulata e mai statica: all’uomo a sinistra sopra il basamento di pietra corrisponde dalla parte opposta il giudice seduto sul suoi trono e proteso in avanti; alla donna, a sinistra, raffigurata di spalle, corrisponde il gruppo di uomini accalcati alla base del trono del giudice. La folla è composta da persone appartenenti a diverse classi sociali: uomini, soldati, donne, neri, orientali con turbante, tradizionalmente nemici dei Veneziani e simbolo dei barbari infedeli. La scena sembra tenersi sul palcoscenico di un teatro e lo sfondo, molto piatto ricorda una quinta teatrale.

Luce e colori

I colori sono caldi e ricordano quelli di Tiziano; la luce ha due origini: quella ideale proviene dall’aureola del santo di un chiarore accecante e quella artificiale dalla zona destra anteriore poiché non può provenire dall’alto in quanto impedita dal pergolato. Lo sfondo è costituito da un luminoso spazio vuoto delimitato da un edificio di ispirazione classicheggiante, al di là del quale si intravede un cielo sereno, appena segnato da lievi strati bianchi di nubi e il verde di un giardino interno. Le due diagonali della tela si incontrano nella mano del Santo, protesa verso lo schiavo: un particolare che costituisce la parte più importante della raffigurazione.

È possibile individuare due fonti luminose, oltre a quella ideale che proviene il santo: una, calda e naturale, che rischiara in maniera uniforme lo sfondo e l’altra in primo piano, più decisa, costituita da un fascio diagonale di raggi che vanno dall’alto a destra a sinistra in basso.

L’artista ha anche inserito un richiamo cromatico del rosso presente nella rappresentazione di San Marco, del padrone e dello lo spettatore in primo piano, a destra.

Contrasti di luce e significato

I contrasti di luce che caratterizzano il manierismo veneto, esprimono il rumore della folla di fronte al miracolo, la perentorietà della volontà di Dio e l’abbandonarsi sfiniti del corpo inerte dello schiavo ormai non più in preda agli spasmi del dolore.