Laboratorio di lettura dell’immagine

LABORATORIO DI LETTURA DELL’IMMAGINE

1.​ La semiotica

La semiotica è una disciplina che si occupa dello studio dei segni e dei processi di

significazione, cioè di tutto ciò che produce significato e rende possibile la comunicazione. Il

termine deriva dal greco semeion, che significa “segno”, e richiama un’origine molto antica

legata anche alla medicina, dove la “semeiotica” studia i sintomi per arrivare a una diagnosi.

Tuttavia, la semiotica come la intendiamo oggi nasce molto più tardi, tra Ottocento e

Novecento, come risultato dell’incontro tra due ambiti principali: la linguistica e la filosofia.

Da un lato troviamo il linguista Ferdinand de Saussure, che parla di “semiologia” come

scienza dei segni; dall’altro il filosofo Charles Sanders Peirce, che sviluppa una riflessione

più filosofica sul rapporto tra segni e conoscenza. La disciplina viene poi consolidata negli

anni Sessanta, soprattutto grazie al lavoro di Roland Barthes. In Italia, uno dei principali

punti di riferimento è Umberto Eco, che definisce la semiotica come lo studio di tutto ciò che

è comunicazione o significazione. Un concetto fondamentale per capire la semiotica è

proprio quello di “significazione”. Ogni volta che comunichiamo, infatti, utilizziamo qualcosa

di presente (un segno) che rimanda a qualcosa di assente. Per esempio, una luce

lampeggiante nella notte può significare un pericolo: il significato nasce da un accordo

condiviso, che rende possibile la comunicazione. In questo senso, la comunicazione esiste

perché esistono sistemi di significazione. Inizialmente la semiotica si concentra sul

linguaggio naturale, cioè la lingua che parliamo e scriviamo, fatta di parole che rimandano a

concetti. Con il tempo, però, amplia il proprio campo di studio e arriva ad analizzare molti

altri sistemi di segni: immagini, cinema, arte, musica, pubblicità, moda, spazio. Per esempio,

un abito può comunicare uno status sociale, una pubblicità può trasmettere un certo modello

di consumo, un’immagine può avere significati condivisi culturalmente. Dal punto di vista del

metodo, la semiotica è una disciplina descrittiva. Questo significa che non dice cosa sia

meglio comunicare o come comunicare meglio, ma cerca di spiegare come i significati

vengono costruiti. Per farlo, analizza gli oggetti scomponendoli in parti, ricomponendoli e

interpretandoli secondo un preciso punto di vista, applicando modelli e categorie. Infine, la

semiotica ha una doppia natura, o “doppia anima”. Da una parte c’è quella strutturale, legata

a Saussure, che vede il testo come un sistema in cui ogni elemento acquista significato

grazie alle relazioni con gli altri. Dall’altra c’è quella interpretativa, legata a Peirce, che si

concentra su come i segni vengono interpretati e su come producono conoscenza. Questa

doppia origine rende la semiotica una disciplina complessa e aperta, che si collega anche ad

altri campi come l’antropologia, la psicologia e la narratologia.

2.​ Il film come rappresentazione.

Il film può essere analizzato dal punto di vista semiotico secondo diverse prospettive, tra cui

quella di rappresentazione, di narrazione e di linguaggio. Questi tre aspetti permettono di

capire come funziona un film e in che modo costruisce significati. Per quanto riguarda il film

come rappresentazione, bisogna pensare al cinema come a qualcosa che mette in scena la

realtà, o meglio una versione costruita della realtà. Il film è infatti un luogo in cui vengono

mostrati ambienti, personaggi, azioni, oggetti e situazioni che rimandano a qualcosa di più

ampio, cioè a significati culturali e sociali. La rappresentazione non è mai neutra: ogni scelta,

come l’uso dello spazio, del tempo, dei valori figurativi o della musica, contribuisce a

costruire un certo modo di vedere il mondo. Attraverso questi elementi il film non si limita a

mostrare, ma organizza e dà senso a ciò che mostra, rendendo visibili determinati significati.

3.​ Il film come narrazione

Il film come narrazione riguarda invece il fatto che ogni film racconta una storia. Questa

storia non è presentata in modo casuale, ma è organizzata attraverso una struttura fatta di

parti, come episodi, sequenze e sottosequenze, che permettono allo spettatore di seguire lo

sviluppo degli eventi. La sequenza, ad esempio, può corrispondere a una “microstoria” che

si esaurisce al suo interno, mentre l’intero film è il risultato dell’unione di queste parti. In

questo senso, il film è un momento di narrazione perché mette in ordine gli eventi e li

dispone in modo tale da costruire un racconto comprensibile. Anche il montaggio gioca un

ruolo fondamentale, perché collega le immagini tra loro e crea relazioni che permettono allo

spettatore di capire cosa sta accadendo, dando continuità o creando contrasti tra le scene.

4.​ Il film come oggetto di linguaggio.

Infine, il film come oggetto di linguaggio significa che il cinema può essere studiato come un

vero e proprio linguaggio, con le sue regole e i suoi elementi. Per analizzarlo, si parte dalla

scomposizione, cioè dalla divisione del film in unità sempre più piccole, come episodio,

sequenza, sottosequenza, inquadratura e immagine. A questa si affianca la stratificazione,

che riguarda invece tutto ciò che avviene all’interno di queste unità, come il tempo, lo spazio,

l’azione, la musica e i valori figurativi. Inoltre, il film utilizza diversi strumenti espressivi, come

i tipi di inquadratura, l’angolazione, i movimenti di macchina, le tracce grafiche e i suoni, tutti

elementi che contribuiscono a costruire il significato. Anche il montaggio, inteso come

accostamento di immagini, è parte fondamentale di questo linguaggio, perché stabilisce

relazioni tra le scene e guida la comprensione dello spettatore. In questo modo, considerare

il film come linguaggio significa analizzarlo nei suoi meccanismi interni, capire come è

costruito e come, attraverso l’organizzazione dei suoi elementi, riesce a comunicare un

determinato messaggio.

5.​ Il film come unità comunicativa.

Il film come unità comunicativa può essere compreso come un sistema complesso in cui

diversi elementi collaborano per costruire e trasmettere un significato. Non si tratta solo di

immagini messe in sequenza, ma di un insieme organizzato di punti di vista, informazioni e

modalità di coinvolgimento dello spettatore. In questo senso, il film comunica perché

seleziona cosa mostrare, come mostrarlo e da quale prospettiva farlo vedere, determinando

così il modo in cui lo spettatore comprende la storia. Un concetto centrale è quello di punto

di vista, che non riguarda soltanto ciò che si vede, ma anche ciò che si sa e ciò che si crede.

Questo significa che il film non offre mai una visione neutra della realtà, ma propone sempre

una prospettiva precisa, che orienta la comprensione degli eventi. Il punto di vista unisce

quindi una dimensione visiva, una conoscitiva e una interpretativa, e contribuisce a costruire

il senso complessivo del film. A questo si collega la focalizzazione, che indica il processo

attraverso cui il film seleziona alcune informazioni e ne esclude altre, mettendo in evidenza

ciò che ritiene importante. Ogni punto di vista, infatti, mostra solo una parte della realtà,

privilegiando determinati elementi e lasciandone fuori altri. Analizzare un film come unità

comunicativa significa quindi capire cosa viene scelto e messo in rilievo, e cosa invece viene

nascosto o tralasciato. All’interno del film possono esistere diversi punti di vista che si

confrontano tra loro. Questi possono appartenere ai personaggi della storia, chiamati

focalizzatori omodiegetici, oppure provenire da un livello esterno al racconto, come nel caso

dei focalizzatori extradiegetici, che rimandano al punto di vista dell’autore e dello spettatore

impliciti. A seconda dei casi, il punto di vista può essere più o meno ampio: può coincidere

con quello di altri personaggi, essere superiore o inferiore rispetto ad essi. Inoltre, i punti di

vista non sono fissi, ma possono cambiare nel corso del film, trasformandosi insieme allo

sviluppo della narrazione. Un altro aspetto importante riguarda l’attendibilità dei punti di

vista. Non tutti i personaggi raccontano la verità o rappresentano fedelmente il senso del

film: alcuni possono essere attendibili, cioè in linea con il significato complessivo, mentre

altri possono essere inattendibili e fornire versioni distorte o false dei fatti. Questo influisce

sulla comunicazione, perché lo spettatore deve interpretare e valutare ciò che vede e sente.

Infine, il film come unità comunicativa si costruisce anche attraverso diversi tipi di sguardo.

L’oggettiva mostra la realtà in modo completo e chiaro, dando allo spettatore una visione

apparentemente neutra e affidabile. L’oggettiva irreale presenta invece immagini insolite o

impossibili, mettendo in evidenza il ruolo della macchina da presa e il modo in cui il film è

costruito. L’interpellazione coinvolge direttamente lo spettatore, attraverso elementi che si

rivolgono a lui, rendendo esplicito il processo comunicativo. La soggettiva, infine, mostra la

realtà attraverso gli occhi di un personaggio, limitando la visione e facendo coincidere lo

sguardo dello spettatore con quello interno alla storia.

6.​ I quattro tipi di sguardo

I quattro tipi di sguardo rappresentano le principali modalità attraverso cui un film costruisce

il proprio punto di vista e comunica con lo spettatore. Essi permettono di capire non solo

cosa viene mostrato, ma anche come viene mostrato e con quale effetto sul vedere, sul

sapere e sul credere dello spettatore. Il primo tipo è l’oggettiva. In questo caso l’inquadratura

corrisponde a una visione complessiva e “neutra” della scena, spesso realizzata attraverso

un campo totale, detto anche establishing shot. Qui il film sembra mostrare la realtà così

com’è, senza mediazioni evidenti. Lo spettatore ha quindi un vedere esauriente, perché ciò

che viene mostrato appare completo o comunque sufficiente per comprendere la situazione.

Il sapere è diegetico, cioè deriva direttamente da ciò che è visibile nell’immagine, senza

bisogno di spiegazioni esterne. Anche il credere è saldo, perché ciò che si vede non viene

messo in dubbio: l’immagine appare affidabile e oggettiva. Il secondo tipo è l’oggettiva

irreale. In questo caso la rappresentazione della realtà è anomala, perché vengono utilizzate

inquadrature o movimenti di macchina impossibili o insoliti, come riprese dall’alto estremo o

movimenti vertiginosi. Qui emerge con forza il ruolo della macchina da presa, che diventa

protagonista. Lo spettatore ha un vedere totale, nel senso che la macchina da presa sembra

poter mostrare tutto senza limiti. Il sapere è metadiscorsivo, perché non riguarda solo ciò

che viene mostrato, ma anche il modo in cui viene mostrato, attirando l’attenzione sulla

costruzione del film. Il credere è assoluto, perché questa onnipotenza della macchina da

presa non lascia spazio al dubbio. Il terzo tipo è l’interpellazione. In questo caso il film si

rivolge direttamente allo spettatore, chiamandolo in causa attraverso diversi espedienti,

come la voce fuori campo (voice over), le didascalie o gli sguardi in macchina dei

personaggi. Qui il film rende esplicito il suo progetto comunicativo, quasi “parlando” allo

spettatore. Il vedere è parziale, perché non si limita a mostrare la realtà, ma la acc