Ritratto nell’arte – Varie tipologie e funzioni

L'origine del ritratto

Nelle sue Storie naturali, Plinio il Vecchio racconta come nella città di Corinto, in Grecia, la figlia del vasaio Butades ebbe l'idea di disegnare con una linea e per mezzo di una luce, l'ombra del volto del giovane che amava per consolarsi per la sua partenza verso terre lontane e per ricordare il suo aspetto. Secondo Plinio il Vecchio, l'arte greca nasce dall'incontro tra l'osservazione della realtà e l'emozione causata dalla paura di perdere l'amato. Questo ritratto legato a un'ombra, al tentativo illusorio di conservare i lineamenti di una persona, creava, per la storia dell'arte occidentale, il mito della nascita del disegno e della ritrattistica. Questo non è sfuggito all'attenzione degli artisti che hanno ripetutamente trascritto questo mito leggendario nella loro pittura. È interessante notare che la parola "ritratto" deriva da "pourtraire" che nel Medioevo significava "disegnare".

Evoluzione del ritratto

Di Fronte, di profilo, di tre quarti, a mezzo corpo, in piedi, di busto, realistico o idealizzato, individuale o collettivo, il ritratto è un genere che declina il suo soggetto in molteplici sfaccettature e molti punti di vista.

Il periodo rinascimentale fece emergere il ritratto come genere pittorico a sé stante, mentre nell’ età moderna, soprattutto nei secoli XVII e XVIII, i pittori si specializzarono in questo genere e svilupparono nuovi codici di rappresentazione e nuovi standard. Per rispondere alle ordinazioni dei committenti, il buon ritrattista diventa colui che sa lusingare e mettere in scena il modello. Non si tratta più solo di rappresentare il volto di un individuo per amore della verità e della somiglianza, ma è anche necessario cogliere la sua psicologia, mostrare il suo rango in modo che nessuno ignori la posizione sociale, la sua "qualità" o la sua funzione.

Ritrattistica e potere

L'arte della ritrattistica è anche l'arte di esibire il potere o la ricchezza dello sponsor, come i ritratti cerimoniali, dandogli l'aspetto di una divinità, per onorare meglio la sua gloria nei ritratti allegorici, designando i membri di un lignaggio sotto forma di ritratto di famiglia o associando un individuo a un territorio attraverso ritratti all'aperto che rivelano giardini e proprietà. Allo stesso modo, alcuni attributi e oggetti simbolici rappresentati attorno al modello consentono di rivelare determinati aneddoti personali o incarnare valori morali ed estetici.

L'inquadratura operata dal pittore gioca quindi un ruolo essenziale: un modello a figura intera, spesso legato al ritratto cerimoniale, impone più sfarzo e maestosità mentre un modello a mezzo busto o a busto intero consente di introdurre più distintamente oggetti e attributi associati alla sua funzione. I soggetti rappresentati in una composizione serrata, dalle spalle alla testa, offrono al pittore l'opportunità di evidenziare le espressioni e i sentimenti del modello attraverso sottili giochi di luci e ombre che danno forma a ritratti intimi che, a volte, vengono anche indicati come ritratti psicologici.

Infine, accade che l'artista rappresenti sé stesso in autoritratti. Mostrarsi nell'esercizio della propria funzione significa rivendicare il proprio status di artista e affermare il proprio ruolo di creatore: gli artisti esistono e i loro autoritratti lo dimostrano. Dipingendo sé stessi nei loro ateliers, davanti alle loro opere, con i pennelli in mano, essi rivendicano il controllo totale della loro arte e si rivolgono direttamente allo spettatore, fissandolo.

Ritratto cerimoniale e equestre

Il ritratto cerimoniale è essenzialmente usato per rappresentare il re e la sua corte, con lo scopo politico di legittimare e glorificare il potere attraverso un'ampia diffusione della sua immagine in tutto il suo regno. È il caso del ritratto di Luigi XIV, rappresentato a sessantatré anni, in costume da incoronazione, con la spada reale al fianco, con la mano appoggiata sullo scettro e la corona posta su uno sgabello dietro di lui. Il tessuto a fiori di giglio è particolarmente raffinato e richiama la grandezza del regno del sovrano. Dal XVII secolo, la nobiltà e la borghesia a turno hanno imitato questo tipo di ritratto per essere rappresentati in posizioni ufficiali ed eroiche.

Il ritratto equestre occupa un posto essenziale nel genere della ritrattistica cerimoniale. Si trova già nell'antichità nelle rappresentazioni di Alessandro Magno o Marco Aurelio, come affermazione del potere imperiale. Questa è rimasta una tradizione fino ai tempi moderni quando il cavallo era ancora considerato il privilegio e l'attributo della nobiltà. Infine, incarna l'idea guerriera di conquista e dominio, associata all'iconografia del signore della guerra sul suo cavallo.

Ritratto allegorico e psicologico

Il ritratto allegorico di solito rappresenta il modello nelle vesti di una divinità. Si tratta di utilizzare gli attributi, il costume o le caratteristiche di una grande figura mitologica o leggendaria, o anche un'allegoria (per incarnare la giustizia, la forza ...) per assumere le qualità e i valori che sono specifici per lui.

Ritratto di gruppo e autoritratto

Questa è una categoria di ritratto con individui nel loro ambiente privato. Il pittore cerca di rendere conto della personalità del modello esprimendo i suoi sentimenti ed emozioni. Secondo un'idea diffusa, il successo di un ritratto dipendeva dalla capacità dell'artista di vedere "dentro" il modello per "svelarne" il sé profondo. Dal Rinascimento, l'interesse per la fisiognomica – lo studio del volto come espressione dell'anima – i cui principi erano stati sviluppati fin dall'antichità classica, conobbe una rinascita e si affermò ancora di più nei secoli XVII e XVIII.

Il ritratto di gruppo è, in pittura, una scena di genere che rappresenta diverse persone: una famiglia, un gruppo di amici, ecc. –, seguendo le regole del singolo ritratto per ciascuno. Questo tipo di lavoro raffigura scene di natura aneddotica o familiare. Più spesso, si tratta di mostrare il proprio rango, esibire la ricchezza della propria dinastia o designare membri del proprio lignaggio.

È la rappresentazione dell'artista da solo. Fino al Rinascimento, l'artista era essenzialmente un artigiano dedicato al servizio di un committente o un mecenate. A poco a poco, inizierà ad affermarsi come creatore a pieno titolo firmando le sue opere con il suo nome. Ma è proprio nel XVII secolo che i primi autoritratti appariranno come soggetto autonomo. Rappresentando sé stessi, gli artisti troveranno un buon modo per attirare l'attenzione su sé stessi, per evidenziare il loro rango, talento e reputazione. Come i principi, alcuni artisti a volte si sono messi in scena offrendo la loro riflessione sull'atto creativo. Affermare il proprio nome, affermare la propria funzione, affermare la propria arte: gli artisti affermano di esistere e i loro autoritratti lo dimostrano. Dipingendo sé stessi nell'universo del loro studio tra le loro opere, rivendicano il controllo totale della loro arte. È il caso degli autoritratti di Hyacinthe Rigaud e Nicolas Largillière il cui sguardo ci chiama al lavoro e sembra invitarci a scoprire le loro opere tanto quanto la loro personalità. Perché l'autoritratto, per molti versi, è anche un potente rivelatore: rappresentare sé stessi è giocare con l'immagine che si dà di sé e dell'artista che si afferma di essere.