L'evoluzione del ruolo femminile nell'arte: da musa a creatrice

L'evoluzione del ruolo femminile nell'arte

La donna non è sempre stata ammessa nel campo dell’arte come "artista" a pieno titolo. Tuttavia, divinizzata, rappresentata un'eroina durante la preistoria e l'antichità ed è abbastanza tardi che è salita al rango di creatrice su un piano di parità con l'uomo. L'immagine sociale della donna artista è stata a lungo screditata, con eccezioni estremamente rare e piene di eroismo.

Le sfide delle artiste nel tempo

Le artiste sono delle avventuriere eccezionali perché la loro determinazione e il loro talento sono stati messi a dura prova. In effetti, la vocazione di artista per le donne non è stata mai ben percepita perché le professioni creative erano considerate inadatte al temperamento femminile. La società, dominata dai valori cristiani, confinava le donne al ruolo di moglie e madre per cui nessuna formazione artistica era disponibile per loro. In tutta Europa, questa conquista per e attraverso l'arte è stata fonte di ispirazione. È una voce per l'emancipazione. Oggi, la carriera femminile di artista è legata all’obiettivo di conquistare l'emancipazione e per mostrare che ogni persona può trovare il suo posto, al di là di ogni pregiudizio.

La donna come musa e simbolo

Per capire il posto delle donne nell'arte come artiste, dobbiamo prima conoscere le "donne" nell'arte perché la donna prima di diventare un'artista è nata come modella preferita degli artisti.

Fin dall'antichità, essa è stata il simbolo del desiderio, il sogno ed è un modello estetico privilegiato, ambito, fantasticato. La donna è l'oggetto e l'uomo ne è il creatore. Pertanto, nella società patriarcale, esisteva una certa gerarchia, ben definita.

Le Veneri e la rappresentazione femminile

La Venere: Queste statuette fatte di avorio di mammut, osso o pietra sono conosciute sotto vari nomi: Venere paleolitica, Venere aurignaziana, Venere steatopigia, Venere obesa ... Il più neutrale e corretto è il primo. Gli esperti hanno descritto un'organizzazione schematica di tutta la Venere in un diamante con un grande asse verticale e con seni, addome e glutei allargati in un cerchio. Questa formula, se si applica effettivamente a molte statuette, non può essere generalizzata. Si possono tuttavia identificare alcune caratteristiche generali: la parte centrale del corpo (seno, pancia, glutei, cosce e sesso) è sempre rappresentata. Le mani, i piedi, gli arti superiori e, in misura minore, le gambe, sono trascurati. I tratti del viso non sono rappresentati tranne due eccezioni: la Signora di Brassempouy e la testa di Dolni Vestonice. L'esatta funzione di queste statuette non è nota; forse erano oggetti di ornamento o di culto, ma non è escluso che avessero altre funzioni.

Il ruolo delle donne nell'antico Egitto

Nell'antico Egitto, le donne avevano un posto importante; erano considerate come complementari degli uomini. La donna era uguale all'uomo davanti alla legge. Venivano spesso raffigurate in attività e assumevano le sembianze di dee. La donna e la sua immagine evocavano spesso fertilità

La donna nell'antichità greca

La donna nell'antichità greca

La donna aveva il ruolo di regina, a volte dea, addetta al focolare domestico e moglie. Le sue rappresentazioni erano numerose. Molto significativa a questo proposito è una raffigurazione di Afrodite che si slaccia il sandalo, mostrando una postura quotidiana della donna, una raffigurazione molto in anticipo sui tempi.

La donna è la figura della Vergine, è semplificata, schematizzata, è la rappresentazione di una madre con il suo bambino senza contesto o decorazione. Nelle icone, è rappresentata solo la sua funzione di madre

Rappresentazioni femminili nel Medioevo

La rappresentazione della donna nel Medioevo

Suore, madri, mogli, amanti o mercanti, tanti ruoli assunti dalle donne nel Medioevo che si riflettono nell'arte medievale. Santi e personificazioni allegoriche offrono rappresentazioni di donne ideali e forti che popolano le creazioni artistiche dell'epoca.

Il corpo femminile nel Rinascimento

Nel Rinascimento, il corpo è messo bene in evidenza. L'ambizione dei pittori è quella di andare oltre lo stadio del cosiddetto corpo imperfetto per mostrare un vero e proprio saper fare nella rappresentazione del corpo. L'idea di bellezza platonica è ora incarnata nella forma del corpo umano, corretta e dotata di un equilibrio impeccabile. Il corpo femminile riappare nell'arte non religiosa. È ancora una volta idealizzato. Le donne nei dipinti di Raffaello e Botticelli stanno in posizioni innaturali, che ricordano l'ondeggiare delle antiche statue greche. Per quanto riguarda la Venere di Botticelli, ha tutto della statua: di un candore avorio, senza il minimo pelo o rigonfiamento, è l'archetipo della bellezza marmorea. Una divinità più che una donna, con un corpo pienamente idealizzato.

L'arte sensuale di Rubens e Tiziano

La donna è delicata, laboriosa, silenziosa, discreta ma avviene un cambiamento realistico nell'arte del Rinascimento. I canoni della bellezza sono cambiati. Gli aristocratici e i mecenati che ammirano le fredde bellezze di Raffaello, amano anche le curve delle donne di Tiziano o Rubens. Cosce paffute, seni pesanti e sovrappeso: Rubens incarna questo spostamento verso l'arte sensuale, un appello ai sensi e al desiderio dello spettatore. La donna è una massa grassa di carne, è rappresentata in ciò che suscita nell'uomo ma anche nei suoi capricci frivoli. La donna è ancora soggetta alle fantasmagoriche rappresentazioni maschili.

Klimt, Mucha e Picasso: nuove visioni

Gustav Klimt ha realizzato dipinti in cui la donna è raffigurata su uno sfondo dorato: essa è bella come una dea e materiali preziosi la circondano. Mucha realizza poster in cui la donna è stilizzata, in forme curve molto grafiche. Ma è Picasso che è il primo ad aver fatto delle donne un soggetto di pura pittura in Les Demoiselles d'Avignon. Lucian Freud mostra la donna in tutta la sua femminilità, semplice, ma con luci violente, senza sfumature, cercando di rendere l'incarnato della pelle.

Il femminismo e l'arte contemporanea

Le donne rappresentano se stesse e con il movimento femminista, prendono un posto nell'ambiente artistico. In tal senso, Frida Kahlo è una figura importante nell'arte messicana. Nei suoi autoritratti, essa raffigura se stessa con un costante riferimento, attraverso dei simboli, alla sua sofferente condizione esistenziale. Anche le "Nanas" rappresentano l'intervento di Niki de Saint-Phalle nel movimento femminista degli anni '80. Da parte sua, Martial Raysse, realizza nel 1965 "pittura ad alta tensione" con l'intarsio del neon luminoso nella tela in cui la donna diventa oggetto pubblicitario.

L'arte contemporanea e l'emancipazione

Nell'arte contemporanea, le donne entrano in scena e affrontano molti soggetti artistici dove mostrano di non essere un oggetto, né di cultura, né di consumo. Dalla parte degli artisti maschi, possiamo osservare con Marcel Duchamp una desacralizzazione della rappresentazione delle donne, circondate e sprofondate in rami secchi. Joana Vasconcelos propone un'icona scultorea della donna contemporanea, facendo una campagna per l'immagine di una donna emancipata. Marie Claude Quignon si interessa delle donne che non hanno il diritto di parlare: una delle sue opere consiste nell'aver raffigurato vasi riempiti dalle donne con oggetti di loro appartenenza, al fine di trasmettere un messaggio ai posteri.