Musica - Tesina

Premessa 1

Una sinfonia di colori 2

- L’effetto del colore 4

-Il rapporto con Schönberg.. 5

-..e quello con Skrjabin 6

-L’associazione dei colori 7

La musicologia dell’essere 9

- L’interesse per la musica 10

- L’ineffabilità della musica 11

- Ciò che la musica dice.. 13

- ..e ciò che non dice 13

Joyeux Noel 14

- Music as a Bridge 15

Bibliografia 16

Ho voluto scegliere la musica come argomento della mia tesina perché è da sempre

una parte che mi caratterizza, è una parte di me. Ho sempre amato la musica, da

qualche anno canto e suono il pianoforte, ma purtroppo in modo autodidattico; non

sono mai riuscita a prendere lezioni.

Amo la musica perché credo che senza di essa non sarebbe la stessa cosa. La musica

è un elemento che ti accompagna in ogni singolo istante della tua via. Tutto è

musica: la voce, la natura, il silenzio. È importante perché è quella cosa che da voce

a tutto ciò che non è esprimibile con le parole.

Nel mondo ci sono miliardi di persone, lingue e culture diverse, spesso quindi risulta

difficile capirsi. La musica ,invece, è qualcosa che ha la capacità di unire tutti. È

qualcosa di soggettivo. Quando si ascolta una canzone questa può essere

interpretata in modi differenti, a seconda di ciò che una persona prova in quel

momento. Ma qualsiasi sia la propria interpretazione questa non verrà mai criticata

o giudicata da altri. Nella musica io colgo un senso di serenità, di pace e di felicità

soprattutto.

Avendo fatto alcuni concorsi canori ho notato come non è importante la bravura

dell’artista, quanto la sua capacità di trasmettere emozioni. Trovo che cantare e

vedere gli occhi degli spettatori brillare e cogliere nel loro sguardo un senso di

riconoscimento sia una soddisfazione immensa.

La musica per me è da sempre stata una componente molto importante. Si noti per

esempio nelle prime pellicole cinematografiche come queste, completamente senza

parole, siano caratterizzate da melodie, suoni che trasmettono l’emozione di quella

determinata scena. Musiche più cupe anticipano qualcosa di negativo, mentre

quelle più armoniose prevedono una scena tranquilla,allegra.

Uno degli artisti più importanti che associa la musica all’arte è il pittore russo Vassily

Kandinskij, il quale accosta le sette note ai colori e

questi medesimi a differenti strumenti musicali. Nato a

Mosca il 4 Dicembre 1866 e scomparso il 13 Dicembre

del 1944 a Neuilly-sur-Seine, compiuti gli studi

universitari di giurisprudenza ed economia politica e

quelli musicali di violoncello e pianoforte, decise di

dedicarsi esclusivamente alla pittura. Fu determinante

per la sua scelta la scoperta dell'impressionismo di

Claude Monet e del Lohengrin di Richard Wagner.

Kandinskij fu considerato il principale iniziatore

dell'Astrattismo. Egli diede un'interpretazione in chiave

neoimpressionista e "Simbolista" . Questa visione venne

portata avanti all’interno del gruppo Phalanx da lui

fondato nel 1902. Kandinskij espose alcune

improvvisazioni e composizioni, tra le quali figurava

quello che viene considerato il primo acquerello astratto,

ora situato a Parigi nel Musée National d'Art Moderne.

Considerò la pittura una sorta di composizione musicale, una sinfonia di colori.

«Già molto presto mi resi conto dell’inaudita forza d’espressione del colore.

Invidiavo i musicisti, i quali possono fare arte senza bisogno di raccontare qualcosa

di realistico. Il colore mi pareva però altrettanto realistico del suono»

Successivamente il pittore si trasferì dalla

Russia a Monaco di Baviera. Questo

cambiamento di località fu un fattore

assai importante per la visione artistica di

Kandinsky. Qui venne a contatto con il

compositore Thomas von Hartmann e col

ballerino Aleksandr Sacharov.

Quest’ultimo,proprio per la sua passione

per il ballo, elaborò una nuova teoria

artistica (“la danza assoluta”) la quale si

fondava appunto sulla danza; questa si

proponeva di rendere visibile l’invisibile. Primo acquerello astratto

La collaborazione con questi due

personaggi proseguì. Il trio compì vari esperimenti; uno dei più famosi è il seguente:

«Il musicista sceglieva da una serie di acquerelli quello che, da un punto di vista

musicale, gli sembrava essere il più chiaro. In assenza del ballerino suonava questo

acquerello. Poi arrivava il ballerino, gli si faceva ascoltare il brano musicale, ed egli

lo trasponeva in danza, indovinando poi l’acquerello che aveva ballato».

L’artista afferma che, per svolgere questa scena , sono necessarie tre componenti

molto importanti:

- Il suono musicale, espresso dalla voce umana o semplicemente da strumenti

musicali;

- Il suono del colore, che viene creato attraverso luci, scene, costumi;

- Il suono corporeo - psichico, reso attraverso movimenti, danze.

Questi tre movimenti dovevano interagire tra di loro al fine di creare un unico

progetto, attraverso la fusione di luci,scene,movimenti,suoni.

Fece questo lavorando a determinati progetti come per esempio Der Gelbe Klang (Il

suono giallo) con il quale ebbe molto successo e che suscitò diverse polemiche tra gli

artisti ancor prima di essere messo in scena ( circa sessant’anni dopo).

Kandinsky lasciò poi alcuni appunti per altre composizioni sceniche, come De Gr ner

ü

Klang(Il suono verde) e Violetter Vorhang (Il sipario viola). Quest’ultimo è stato

rappresentato non recentemente e

prevede, secondo anche gli appunti

dell’artista, alcuni strumenti a

percussione affidati ad un

esecutore.

Vasillij Kandinsky

Pagina con annotazioni riguardanti

la parte musicale di Violetter

Vorhang

Il colore suscita diversi effetti sullo spettatore.

Un effetto fisico, superficiale e basato su sensazioni momentanee, determinato dalla

registrazione da parte della retina di un colore piuttosto che di un altro;

Un effetto psichico dovuto alla vibrazione spirituale (prodotta dalla forza psichica

dell'uomo) attraverso cui il colore, che ha un odore, un sapore e un suono,

raggiunge l'anima .

Per spiegare meglio questo dualismo del dolore Kandinsky usa una metafora

musicale molto chiara e comprensibile.

“Il colore è il tasto, l'occhio è il martelletto, l'anima è un pianoforte con molte

corde.”

Verso la fine degli anni ’10 l’artista avviò la composizione di quella che poi, una volta

conclusa , diverrà la sua opera teorica più significativa, Dello spirituale nell’arte.

«Risulta che la migliore insegnante sia la musica, l’arte che non si è dedicata alla

riproduzione dei fenomeni naturali, ma alla espressione dell’animo dell’artista e

alla creazione di una vita autonoma attraverso i suoni musicali»

Da questo momento Kandinsky comincia a concentrare la sua arte verso una forma

libera, introducendo così il concetto di «composizioni»,«improvvisazioni»,

«impressioni».

Le composizioni sono il fritto di un lavoro lento e di riflessione, che richiedeva studi

preliminari; le improvvisazioni ,invece, sono rappresentazioni che nascono di getto,

senza essere pensate ma scaturite da un evento di carattere interiore. Infine le

impressioni sono più legate a un’esperienza diretta con la natura.

Un avvenimento centrale per quanto

riguarda l’attenzione di Kandinskij verso il

fatto musicale è rappresentato dalla

pubblicazione del famoso almanacco Der

blaue Reiter (Il Cavaliere azzurro), che egli

compilò nel 1912 assieme al pittore Franz

Marc.

In Der blaue Reiter furono inoltre

riprodotti i brani musicali Herzgewächse,

per soprano, celesta, harmonium e arpa

di Arnold Schönberg.

Quest’ultimo ebbe molta importanza per

Kandinskij. Infatti il pittore, dopo aver

assistito a un concerto del celebre

musicista,tenutosi a monaco il 1° Gennaio

1911, gli scrisse, sebbene non lo

conosceva. Ciò che colpì Kandinskij fu il trovare una grande affinità tra la musica del

compositore e la sua pittura. Non molto dopo aver assistito a quel concerto,

Kandinskij dipinse Impressione 3, un opera che molto probabilmente raffigurava le

emozioni e le sensazioni che il pittore aveva provato durante il concerto.

Vasillij Kandinskij

Impressione 3 (concerto) (1911)

Olio su tela, 77.5x100 cm

Si nota sulla tela una grande macchia nera

posta in alto al centro. Questa rimanda all’immagine di un pianoforte. Vi è poi,

adiacente a questa, una grande stesura di giallo che ,per Kandinskij era il colore del

calore spirituale. Infine nella parte inferiore dell’opera, si possono notare alcune

sagome, che raffigurano quindi gli spettatori presenti al concerto del compositore.

Questa grande affinità tra Kandinskij e Schönberg terminò in un primo momento con

lo scoppio della prima guerra mondiale, poi riprese nel 1922 ma si interruppe

nuovamente definitivamente poco dopo. Questo perché tra i due non vi erano delle

grandi affinità. L’unico aspetto che avevano in forte comune era il voler rinnovare

l’arte attraverso il proprio interiore.

Fondamentale per Kandinskij è infatti il rapporto suono-colore, messo invece in

secondo piano dal musicista.

Cominciò così un avvicinamento con Skrjabin, il quale voleva vedere i suoni

cromaticamente e ascoltare musicalmente i colori . Questi voleva attuare la

sospensione di ogni percezione di spazio e di tempo. Da quest’aspirazione prese

spunto Kandinskij che dipinse Improvvisazione Contenuta-Fuga.

Vasillij Kandinskij

Improvvisazione Contenuta-fuga

Il pittore vuole perciò creare un’arte nuova che non vuole significare e

rappresentare nulla, ma che, come la musica, voglia solo far vibrare le corde

dell’anima. Gli strumenti sono perciò i colori, ognuno con una sua caratteristica e un

suo significato:

giallo:

Il è dotato di una follia vitale,di un'irrazionalità cieca; è il suono di una tromba.

azzurro:

L' è il blu che tende ai toni più chiari, distante, come un cielo artistico; è il suono

di un flauto.

Il rosso : è caldo,irrequieto. L'energia è consapevole. Il rosso medio è profondo,il rosso

scuro è meditativo. È il suono di una tuba.

L'arancione: esprime energia, movimento; è il suono di una campana o di un contralto.

Il verde: è mobilità in una assoluta quiete, fa annoiare, è una quiete appagata, appena vira

verso il giallo acquista energia, giocosità. È il suono del violino.

Il viola:

è instabile. È paragonabile al corno inglese, alla zampogna, al fagotto.

Il blu: è profondo; intenso suggerisce quiete,se tende al nero è drammatico, se tende ai

toni più chiari le sue qualità sono simili a quelle dell'azzurro, se viene mischiato con il giallo

lo rende malto, ed è come se la follia del giallo divenisse "ipocondria".È il suono del

violoncello.

Il grigio : è l'equivalente del verde, ugualmente statico, indica quiete, ma mentre nel verde

è presente, seppur paralizzata, l'energia del giallo che lo fa variare verso tonalità più chiare

o più fredde facendogli recuperare vibrazione, nel grigio c'è assoluta mancanza di

movimento, che esso volga verso il bianco o verso il nero.

Il marrone:

ottenuto dal nero con il rosso, ma essendo l'energia di quest'ultimo .

fortemente sorvegliata, ne consegue che esso risulti ottuso, duro, poco dinamico

Il bianco: è dato dalla somma (convenzionale) di tutti i colori dell'iride, ma è un mondo in

cui tutti questi colori sono scomparsi, di fatto è un muro di silenzio assoluto,

interiormente lo sentiamo come un non-suono. Tuttavia è un silenzio di nascita, ricco di

potenzialità; è la pausa tra una battuta e l'altra di un'esecuzione musicale, che prelude ad

altri suoni.

Il nero è mancanza di luce, è un non-colore, è spento come un rogo arso completamente.

È un silenzio di morte; è la pausa finale di un'esecuzione musicale, tuttavia a differenza

del bianco (in cui il colore che vi è già contenuto, è flebile) fa risaltare qualsiasi colore. La

composizione pittorica è formata dal colore, che sebbene nella nostra mente sia senza

limiti, nella realtà assume anche una forma.

«L’analisi della parola dovrebbe aver luogo attraverso lo studio delle parole in

quanto suoni, trascurandone il significato. Successivamente, attraverso ricerche di

suoni isolati, sulla formazione delle sillabe, e infine attraverso la creazione di

parole inesistenti: l’importanza del suono o qualità musicale di una composizione