Dal Post-impressionismo al cubismo

Post-impressionismo

Le tendenze postimpressioniste si svilupparono in Francia nell’ultimo ventennio dell’Ottocento, influenzando l’arte europea e preparando il terreno per le Avanguardie del Novecento. Pur partendo dall’Impressionismo e dalla pittura en plein air, i Postimpressionisti sentivano la necessità di superarne la pura impressione visiva, cercando maggiore solidità dell’immagine, contorni più definiti e una nuova libertà nell’uso del colore.

Artisti come Cézanne, Seurat, Gauguin e Van Gogh intrapresero percorsi individuali, spesso legati alla loro interiorità e alla cultura personale, ma tutti ebbero inizialmente un contatto con l’Impressionismo. Cézanne espose con il gruppo impressionista nel 1874, Seurat cercò di dare basi scientifiche alla pittura dell’impressione, Gauguin e Van Gogh furono profondamente influenzati da questa corrente prima di sviluppare il proprio stile. In generale, il Postimpressionismo segnò un’evoluzione artistica che andava oltre la rappresentazione immediata della realtà, aprendo nuove strade espressive.

Paul Cézanne

Paul Cézanne ottenne riconoscimenti solo tardivamente: il primo nel 1900, quando aveva 61 anni. Nato ad Aix-en-Provence nel 1839 da una famiglia agiata, studiò disegno e si trasferì a Parigi contro il volere del padre per dedicarsi alla pittura, cercando inutilmente l’accettazione dei Salons ufficiali.

Paul Cézanne fu un artista fondamentale per il superamento dell’Impressionismo e l’evoluzione dell’arte moderna. Pur apprendendo dagli Impressionisti la pittura en plein air e la luminosità del colore, rifiutò la loro visione fugace della realtà, cercando invece una rappresentazione più solida e strutturata.

Il suo approccio si basava sulla semplificazione della natura attraverso forme geometriche fondamentali – cilindro, sfera e cono – per costruire lo spazio con rigore e stabilità. Il colore, invece di essere solo impressione visiva, divenne per lui un mezzo per dare volume e profondità alle forme.

Ossessionato dalla ricerca della “verità essenziale” nelle cose, Cézanne lavorò incessantemente, spesso insoddisfatto dei propri risultati. Il suo metodo influenzò profondamente le avanguardie del Novecento, in particolare il Cubismo, che sviluppò ulteriormente la sua idea di struttura e sintesi della realtà. Morì nel 1906 dopo un crollo durante una sessione all’aperto.

La casa dell’impiccato – Un’opera tra Impressionismo e ricerca personale

La casa dell’impiccato a Auvers-sur-Oise fu uno dei due dipinti che Cézanne espose alla prima mostra degli Impressionisti nel 1874. L’opera presenta elementi tipicamente impressionisti, come la pittura en plein air e i piccoli tocchi di colore luminosi. Tuttavia, già emergono caratteristiche che lo distinguono dagli Impressionisti:

• L’assenza di figure umane rende il paesaggio più statico e contemplativo.
• Il paese è incastonato tra due edifici, che fungono da quinte architettoniche, creando una struttura più solida.
• La vallata si sviluppa in profondità, chiusa da un cielo che sfuma da lilla ad azzurro intenso.
• L’uso ridotto di olio nei pigmenti conferisce una superficie più materica e rugosa, lontana dalla leggerezza impressionista.

Cézanne riteneva che la pittura dovesse unire occhio e cervello: la semplice percezione visiva non bastava, bisognava indagare la realtà più a fondo per scoprirne la struttura essenziale. Per questo la sua arte si basava sulla geometria, considerata il fondamento della natura. Secondo lui, tutto poteva essere ricondotto a cilindro, sfera e cono, e il colore stesso doveva costruire forme e volumi, dando all’opera solidità e monumentalità.

Quest’approccio, evidente già in La casa dell’impiccato, segnò la sua evoluzione successiva e influenzò profondamente l’arte moderna, preparando la strada al Cubismo.

I bagnanti – Struttura e colore nella ricerca di Cézanne

Nei “I bagnanti”, Cézanne riprende un tema classico della pittura, già affrontato in epoca recente da artisti come Bazille (1869) e Seurat (1883-1884). Tuttavia, a differenza degli Impressionisti, il suo interesse non si concentra sulla rappresentazione dell’acqua, ma sulla costruzione solida della composizione.

L’opera mostra dieci giovani uomini nudi o seminudi lungo la riva di un fiume, disposti all’interno di una struttura geometrica: un cono ideale con il vertice rivolto verso l’alto. La prospettiva è resa attraverso la riduzione delle dimensioni delle figure nei piani arretrati, dando profondità alla scena.

Il colore gioca un ruolo fondamentale. Gli azzurri, presenti nel cielo e nelle ombre dei corpi, creano una connessione tra le figure e l’ambiente circostante, mentre gli ocra e gli aranci, usati per la pelle, le nuvole e le rive, rafforzano l’armonia dell’insieme. Questo approccio, che Cézanne chiamava “modulazione”, consiste nel bilanciare i toni per dare volume e solidità alle forme, andando oltre la semplice impressione visiva. Con questa opera, Cézanne dimostra ancora una volta il suo desiderio di superare l’Impressionismo, cercando una pittura basata su struttura, equilibrio geometrico e costruzione del colore, anticipando le ricerche dell’arte moderna.

Le grandi bagnanti – Il culmine della ricerca di Cézanne

Dopo I bagnanti, Cézanne si concentra esclusivamente sul nudo femminile, sviluppando sempre più il suo linguaggio basato sulla costruzione dello spazio e dei volumi.

L’opera più significativa di questa fase è Le grandi bagnanti (Museum of Art di Filadelfia), un dipinto di grandi dimensioni rimasto incompiuto, ma fondamentale per l’evoluzione dell’arte moderna.

Questa composizione deriva da una serie di opere precedenti, tra cui quelle conservate alla National Gallery di Londra e alla Barnes Foundation, dove le figure sono disposte nella parte inferiore della tela e racchiuse tra due rette oblique convergenti.

Nella versione di Filadelfia, Cézanne raffigura diciassette donne immerse nella natura, con il paesaggio incorniciato da alberi inclinati che sembrano convergere verso il centro della composizione, esaltando la struttura geometrica dell’opera. Il colore è ridotto all’essenziale (verde, ocra, blu, rosso) e applicato in ampie campiture modulate, creando un equilibrio cromatico solido e armonico.

Quest’opera rappresenta il culmine della ricerca cézanniana e diventa un punto di riferimento per gli artisti della generazione successiva, in particolare Picasso e Braque, che lo considereranno un maestro e trarranno ispirazione per il Cubismo.

I giocatori di carte – La geometria della forma

Uno dei capolavori di Cézanne, I giocatori di carte raffigura due uomini seduti in un’osteria, intenti a giocare a carte davanti a uno specchio che, però, appare opaco e indistinto, fondendosi con il rivestimento ligneo della parete.

A differenza di dipinti impressionisti come Il bar delle Folies Bergère di Manet o L’assenzio di Degas, qui non c’è più nulla di impressionista: l’attenzione non è sulla luce o sulla vita quotidiana, ma sulla costruzione solida delle forme.

Le figure sembrano manichini inanimati, ridotte a puri volumi geometrici:

• Il cappello del giocatore di destra è un emisfero, mentre quello dell’altro è un cilindro con una lieve curvatura.
• Le braccia hanno volumi cilindrici e tronco-conici, mentre le giacche sono masse squadrate e pesanti.
• Anche gli oggetti seguono questo principio: la bottiglia è un cilindro, il tavolo è formato da parallelepipedi, la tovaglia ha pieghe rigide e metalliche.

Il colore, con toni dominanti di verdi e bruni, è applicato per campiture nette, creando una superficie quasi scultorea, come colpi d’ascia su un tronco.

Con questa opera, Cézanne dimostra il suo interesse per la struttura e la tridimensionalità, ponendo le basi per le ricerche del Cubismo.

La montagna Sainte-Victoire vista dai Lauves – Cézanne e la ricerca della struttura

Negli ultimi anni della sua vita, Cézanne si dedicò con ossessione alla rappresentazione della montagna Sainte-Victoire, un massiccio calcareo vicino alla sua città natale, Aix-en-Provence. Dipinse questo soggetto numerose volte, ogni volta con un approccio diverso.

Nella tela di Filadelfia, il paesaggio è scomposto in forme geometriche essenziali e poi ricostruito attraverso superfici di colore. La profondità non è più resa con la prospettiva tradizionale, ma attraverso il colore e la sensazione di aria palpabile tra il pittore e il soggetto. Il cielo, la montagna, gli alberi e le case si fondono cromaticamente, con il verde che compare anche nell’azzurro del cielo.

Questa visione è radicalmente opposta all’Impressionismo. Confrontando l’opera con la versione della stessa montagna dipinta da Renoir, emerge la differenza:

• Renoir crea un paesaggio gioioso, luminoso e armonioso, che sembra accarezzare l’osservatore.
• Cézanne invece scompone e analizza la natura, sezionandola per ricomporla secondo una logica strutturale.

Proprio per questo motivo, a pochi anni dalla sua morte, Cézanne sarà considerato il precursore del Cubismo. Picasso e Braque vedranno in lui un maestro, colui che ha tracciato la strada per una nuova concezione della pittura.

Il neo-impressionismo o divisionismo

Seurat iniziò come pittore impressionista, ma già nel 1885, a soli 26 anni, sviluppò la sua tecnica divisionista. Questa consisteva nell’accostare colori puri senza mescolarli, basandosi sulle teorie di Chevreul sul contrasto simultaneo.

A questa intuizione aggiunse il principio della ricomposizione retinica: i colori, invece di essere miscelati sulla tavolozza, venivano fusi direttamente dall’occhio dell’osservatore. In questo modo, la pittura manteneva massima luminosità e brillantezza. Per ottenere questo effetto, Seurat applicava il colore sulla tela in piccoli tratti o puntini, dando origine alla tecnica nota come Pointillisme (Puntinismo), anche se lui preferiva i termini Divisionismo o Cromoluminismo, per sottolineare l’attenzione alla luce e al colore.

Questa tecnica fu inizialmente chiamata “Neoimpressionismo”, poiché rappresentava un’evoluzione scientifica della pittura impressionista, distinguendosi dall’approccio più istintivo e lirico di Monet, Renoir e Degas. Seurat voleva infatti dare all’Impressionismo una base più rigorosa e sistematica, affidandosi alle ricerche scientifiche sui colori.

Il critico e letterato Félix Fénéon (1861-1944) fu il principale teorico e promotore del Neoimpressionismo, contribuendo alla sua diffusione.

Georges Seurat e il Neoimpressionismo

Georges Seurat (1859-1891) fu il principale esponente del Neoimpressionismo, un movimento noto anche come Impressionismo scientifico, Cromoluminismo, Pointillisme o Divisionismo.

Il suo stile si basava sulle ricerche del chimico Michel-Eugène Chevreul, che aveva elaborato la teoria del contrasto simultaneo dei colori. Chevreul osservò che, accostando due colori complementari, la loro luminosità risultava esaltata, rendendoli più brillanti e vividi. Seurat, affascinato da queste teorie, elaborò un proprio cerchio cromatico, in cui i colori si sfumavano progressivamente verso il bianco, e applicò questi principi scientifici alla pittura, elaborando la tecnica del Pointillisme: invece di mescolare i colori sulla tavolozza, li scomponeva in piccoli punti di pigmento puro, che si fondevano otticamente nella visione dell’osservatore.

Une baignade à Asnières

Dipinto tra il 1883 e il 1884, Une baignade à Asnières segna il passaggio di Seurat dall’Impressionismo a una pittura più strutturata e analitica. L’opera raffigura uomini e ragazzi sulle rive erbose della Senna, intenti a prendere il sole o a fare il bagno. Tutti guardano verso destra, tranne un bambino dai capelli rossi.

Sullo sfondo, il paesaggio urbano con il ponte, le case e le ciminiere fumanti rappresenta la modernità e l’industrializzazione della periferia parigina.

Seurat inizialmente adotta tecniche impressioniste per la resa di prati, alberi, cielo e acqua, ma introduce anche piccoli puntini di colore azzurri, arancioni e gialli, precursori del Pointillisme. Inoltre, il grande formato della tela impedisce la pittura en plein air, tipica degli impressionisti, obbligando l’artista a lavorare nel suo studio.

Le figure si distinguono per la loro immobilità statuaria, lontana dal movimento vorticoso degli Impressionisti. Seurat si ispira infatti alla composizione classica e armoniosa di Pierre Puvis de Chavannes e alle pose solenni di Piero della Francesca, che aveva studiato all’École des Beaux-Arts.

Quest’opera rappresenta quindi un momento di transizione: pur mantenendo elementi impressionisti, Seurat inizia a sviluppare una pittura più costruita e scientifica, che sfocerà nel Neoimpressionismo.

Une dimanche après-midi

Realizzato tra il 1883 e il 1885, Un dimanche après-midi à l’Île de la Grande Jatte è il capolavoro di Georges Seurat, dipinto con la tecnica del Pointillisme e presentato nel 1886 all’ottava e ultima mostra degli Impressionisti, suscitando disappunto e indignazione in Monet.

L’opera raffigura una folla di borghesi che trascorre una domenica sull’erba di un’isola della Senna: uomini e donne passeggiano, si riposano all’ombra, pescano, suonano la tromba, remano o si intrattengono in coppia. Tra tutte le figure spicca una coppia sulla destra, composta da un uomo con cappello a cilindro e monocolo e da una donna con un’ombrellina e una scimmietta al guinzaglio.

A differenza della pittura impressionista, caratterizzata da pennellate rapide e istintive, Seurat impiega quasi due anni di lavoro, applicando infiniti puntini di colore puro, accostati secondo la teoria del contrasto simultaneo e il cerchio cromatico per ottenere la massima luminosità. La fusione avviene nella retina dell’osservatore e non sulla tavolozza del pittore.

L’atmosfera del dipinto è immobile e silenziosa, quasi irreale. Le figure sembrano manichini senza peso, disposte con rigorosa geometria e ritmicità verticale.

L’ordine della composizione è evidente, con assi di simmetria ben definiti e gruppi organizzati secondo schemi piramidali e diagonali.

Il risultato è un’opera che sembra cristallizzata nel tempo, dove la realtà appare fragile e pronta a dissolversi come bolle di sapone, enfatizzando la dimensione astratta e quasi metafisica della scena.

Paul Gauguin - Via dalla pazza folla

La vita di Paul Gauguin fu un continuo viaggio tra Europa, Sud America e Oceania. Nato a Parigi nel 1848, trascorse l’infanzia in Perù dopo la morte del padre. Tornato in Francia, studiò a Orléans e Parigi, poi, a 17 anni, intraprese la carriera marinaresca. Dopo il congedo nel 1871, si stabilì a Parigi lavorando come agente di cambio, sposandosi nel 1873.

Nel 1883, a causa della crisi economica, lasciò il lavoro per dedicarsi alla pittura.