Storia dell'arte moderna

Periotto Asia primo semestre storia dell’arte

Impressionismo

Impressionismo - Corrente ottica che si sviluppa fine 800 a Parigi artistica - Dipingo ciò che sento.

Lavorano nel dipingere ciò che io percepisco dalla realtà.

Ricerca impressionistica

• Colori puri.
• Visione retinica.
• Contrasto simultaneo.
• Tempo zero.
• Atmosfericità.
• Ombre colorate.
• Abolizione della prospettiva.

Fattori che influenzano l’impressionismo

1. Fotografia

Come cambia la realtà con la fotografia?

I pittori non hanno più bisogno di disegnare la realtà perché con la fotografia si ha una percezione più realistica della realtà. Il pittore può dipingere cose più personali → cambia il paradigma della percezione delle persone.

Fotografi: agente della morte, perché facendo le foto si accorgevano che invecchiavano.

→ Cambia la vita delle persone perché cambia l’illusione della vita esterna.

2. Colori e teorie ottiche

Chevreul.

3. Arte giapponese

• Colori puri, unici, piatti.
• No prospettiva.
• Punto di vista strani.
• Contorni neri.
• Molta atmosfericità.

Giappone nel 1600 viene raggiunto dall’EU per questo si hanno molti scambi e importazioni in EU, in questo è presente anche l’arte giapponese.

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Monet

Impressioni del sol levante (1872)

• Dipinge l’impressione di quel momento.

A essere raffigurato è uno scorcio mattutino del porto di Le Havre, avvolto da una nebbia spenta che rende tutto sfocato e indefinito.

In primo piano troviamo, disposte in diagonale da sinistra verso destra, tre piccole imbarcazioni che, con placidi remeggi, solcano le acque portuali.

Sullo sfondo, dietro il velo di foschia, si profilano infatti i pennoni delle navi ormeggiate, le silhouette dei mezzi meccanici per la movimentazione delle merci, alcune ciminiere fumanti e persino un albero.

Stagno delle ninfee (1899)

• Colori puri.
• Amplifica l’esperienza sensoriale.
• Non contiene linee di contorno.

Il soggetto è ispirato al giardino in stile Giapponese, cioè senza profondità.

Le tonalità predominanti sono quelle del verde, che si fondono tra loro per creare un'armonia di colori.

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Donne in giardino (1866)

• Attenzione importante ai colori.
• Punto di vista diverso → dipinge su cavalletto.

Egli ricorre a dimensioni in genere riservate alla pittura storica, di genere «nobile», per raffigurare un soggetto banale, privo di qualsiasi carattere mitico e divino, come quello delle quattro fanciulle che, incorniciate dalla natura rigogliosa di un giardino che dispensa generosamente fiori dai colori variopinti, trascorrono amabilmente il loro tempo.

Monet dipinge quasi sempre all’esterno/aria aperta.

Tempo 0 = si dipinge ad una determinata ora del giorno, così l’illuminazione non cambia. Il tempo 0 viene anche chiamato “istante bloccato”.

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Renoir

Lui prestava più attenzione alle persone e meno interesse al paesaggio.

Colazione dei canottieri

Presta molta attenzione alla figura “dell’uomo”. In questo dipinto si nota come le persone stiano interagendo tra di loro, dalla posizione dei corpi allo sguardo. È una della prime opere dove lo sguardo ha un compito fondamentale.

Ballo al Moulin de la Galette

• I fattori principali sono ancora lo sguardo e la posizione dei corpi.
• Gioco di ombre e luci, es. ombre degli alberi.

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Monet vs Renoir

Renoir: Renoir presta più attenzione alle persone sull’isolotto, si vedono i volti, si notano i colori dei vestiti, persino se la persona ha o non ha un cappello oppure il colore del fiocco del vestito. Lui al contrario di Monet non presta la massima attenzione al paesaggio circostante, per esempio l’acqua non è così verosimile come in quella di Monet.

Monet: Monet presta più attenzione al paesaggio circostante, per esempio la realizzazione dell’acqua è molto più verosimile di quello di Renoir. Non presta molta attenzione alla figura delle persone, per questo le rappresenta molto scure, non si riesce a vedere nemmeno la faccia.

Rispetto a Renoir, Monet, usa colore più spenti. I colori sono più accesi.

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Monet e Van Gogh e l’arte giapponese

Entrambi i due pittori prendono spunto dall’arte giapponese.

Arte giapponese e Monet

Monet usa colori molto più verosimili alla realtà, al contrario dell’arte giapponese che sono molto più inverosimili, maggioranza di giallo e blu.

Arte giapponese e Van Gogh

Rappresentazione dello stesso ponte sotto la pioggia, sono rappresentate lo stesso numero di persone e la barca nella stessa posizione. Questo dipinto ha una visuale dall’alto, cambia punti di riferimento, il pittore si sposta in alto.

Tra un dipinto e l’altro cambiano solo i colori.

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Renour

La classe di danza (1873-1875)

• Inizia a dipingere in luoghi chiusi.
• Taglio fotografico → il disegno viene tagliato.

Come altrove in Degas, anche quest'opera coglie un attimo a caso dei mille possibili della lezione, per cui è possibile trovare espressioni estremamente naturali e spontanee: Degas, d'altronde, indaga questi aspetti marginali ma significativi della quotidianità con un'attenzione quasi ossessiva, fermo nel suo proposito di fissare un'immagine che sembra spiata «dal buco della serratura».

La naturalezza del quadro è suscitata dal taglio fotografico dell'immagine, ripresa dal basso verso l'alto. Degas fa spiovere la luce del dipinto in parte da una grande finestra dal fondo e in parte da destra e dedica un'attenzione particolare ai suoi aspetti coloristici, con i quali definisce sapientemente il movimento delle ragazze danzanti e le particolarità degli abiti e delle figure.

Un'altra peculiarità risulta essere la sensazione di estensione oltre i margini della tela; questo effetto suggerisce la temporaneità del momento immortalato dal pittore e la volontà dell'autore di superare l'immobilità e la claustrofobia della normale pratica accademica, ostile a questi tagli così inconsueti.

Schema prospettico:

Non solo Degas qui ricorre alla prospettiva grazie all'aiuto delle assi pavimentali, ma grazie al contrasto tra nero e bianco.

Bianca è infatti la stoffa velata dei tutù, mentre neri sono i nastrini che cingono i colli delle ballerine: nell'apparato cromatico del dipinto, tuttavia, intervengono diversi altri colori i quali contribuiscono a delineare questa atmosfera ferma, quieta e squisitamente realistica.

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L’assenzio (1876)

• Taglio più sociale/umano.
• Sguardo perso.
• Punto di vista immersivo = ci restituisce la sensazione che siamo seduti lì vicino ai bevitori di assenzio.
• Specchio sullo sfondo → rende lo spazio più ampio.

Degas abbandona il punto di vista frontale e ricorre a un impianto prospettico a zig-zag, derivante dalle stampe giapponesi, il quale semplifica e accelera la visione verso l'alto.

Questa prospettiva obliqua viene descritta dal tavolino in basso, dietro al quale immaginiamo esserci un terzo personaggio che contempla silenziosamente la scena.

Degas delinea l'impianto prospettico del dipinto con rigore e lo organizza in modo che l'osservatore del dipinto si possa introdurre agilmente nella scena.

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De Toulouse Lautrec

I suoi dipinti avvengono principalmente in luoghi chiusi, rappresenta la belle Époque.

La Goule

• Goule = golosa, donna sullo sfondo.
• Cambia il tipo di linguaggio che usa, perché il committente ha chiesto una determinata locandina. Le locandine fatte da Lautrec attiravano di più i clienti e l’esigenza del Moulin rouge era guadagnare.
• Locandina grafica.

La Moulin rouge (1892)

• Colori più spenti, il colore scuro rende l’ambiente più tetro.
• Specchio sullo sfondo rappresentato con la tecnica della sottrazione (=striatura).
• È anche autoritratto perché è presente nel dipinto.
• Prospettiva fotografica → donna sulla destra è tagliata.
• Inoltre la donna ha un chiaroscuro colorato, un gioco di colori sulle ombre. Il volto è rappresentato come una maschera, sembra che dietro non ci sia nulla.
• È un dipinto molto bello ma con un tocco di amaro, grazie ai colori.

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Al salon di rue des Moulins (1894-1895)

Raffigura l'interno di un postribolo di rue des Moulins, luogo dove Toulouse-Lautrec e gran parte della bohème dissipata di Parigi trovavano consolazione e rifugio.

In questo ambiente faraonico troviamo alcune prostitute che si rilassano: Toulouse-Lautrec spoglia le filles da intenti moralizzanti e da allusioni erotiche e, anzi, le presenta come donne annoiate, in attesa del loro cliente.

Postimpressionismo

Etichetta che viene usata per osservare meglio i vari dipinti.

Dove dipingo ciò che vedo e l’espressionismo, che dipinge ciò che sento.

È un ponte tra l’impressionismo.

Elementi del postimpressionismo sono:

• Il nuovo valore attribuito ai modi di stesura del colore.
• Impiego della linea grafica.
• Struttura compositiva.
• Specifica attenzione ai valori simbolici.

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Seurat

1° teoria ottica: Cromo - illuminismo / impressionismo scientifico.

2° teoria ottica: ricomposizione retinica; se io accosto un puntino blu ad uno giallo vedo verde → puntinismo, con questa tecnica si hanno colori più puri, con più luce (RGB).

Baigneurs a Asnieres (1883-1884)

Il dipinto è una composizione statica e geometrica di forme umane e naturali, in cui le linee diagonali e curvilinei dei corpi e dell’ambiente fluviale si corrispondono.

Si liberano delle forme impressionistiche per il colore perlaceo delle pelli, per la geometrica compostezza delle singole posizioni sui diversi piani e le ombre riportate sul manto erboso.

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Domenica pomeriggio all’isola della Grand Jatte (1884)

Struttura l’intero dipinto secondo un’organizzazione geometrica dello spazio e delle figure, al fine di ottenere un risultato perfettamente equilibrato. Il dipinto è costituito da una figura femminile posta al centro, che divide in due esatte metà lungo l’asse verticale, mentre il paesaggio divide lo spazio in 3 aree.

Seurat utilizza la misura della sezione aurea, per dividere orizzontalmente il dipinto, corrisponde alla linea marcata dalle ombre, al bordo della giacca della donna centrale e prosegue con la donna con l’ombrello rosso fino alla macchia di colore verde nell’acqua.

Dipinto è diviso in 3 parti:

• Parte inferiore → zona in ombra.
• Parte centrale → rettangolo aureo.
• Parte superiore.

L’atmosfera sospesa e immobile è un’ulteriore affermazione di una pittura che sceglie la strada dell’allontanamento dalla realtà momentanea e atmosferica.

Rigidità voluta: è una sua ricerca della realtà metafisica.

L’artista vuole portarci la sua personale realtà, diversa da quella che vediamo.

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Le modelle (1888)

• La giovane modella sembra essere quasi colta in tre momenti diversi, legati ad una sequenza temporale: lo svestirsi, la posa e il rivestirsi.
• Le diagonali si incrociano sulle mani incrociate della figura centrale.
• Autocitazione alla “Domenica pomeriggio all’isola della Grand Jatte”, vista sullo sfondo a sinistra.

Il circo (1890-91)

• In questo dipinto cerca di superare la sua staticità.
• Teorie ottiche: predominazione di due colori complementari, giallo e viola.
• La configurazione del dipinto è in modo ascendente, dall’alto verso il basso, e in diagonale. In base a vecchi studi psicologici, affermavano che se si dipinge in mondo ascendente si genera un’emozione positiva.

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Signac

Stile puntinista neo-impressionista, è uno dei maggiori esponenti e teorici dello e del gruppo da lui definito "cromo-luminarista".

L’argine (1886)

• Studio del colore dell’acqua.
• Studio sulla variazione delle luci.
• Puntinismo.
• Quadro molto luminoso.

Mont Saint Michel Sunset (1897)

Gioco di luci e colori.

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Cave in Saint Tropez

Ai tempi dell’armonia, l’età dell’oro non è del passato è nell’avvenire.

È la rappresentazione di una contemporanea età dell’oro. La composizione raffigura un gruppo di uomini e donne riuniti con la natura.

Età dell’oro: preconcetto di un rapporto genuino tra uomo e natura. L’uomo vive bene nella sua ingenuità.

A tempi dell’armonia passata cerca di creare un quadro pieno di speranza perché il passato era visto come qualcosa di malinconico e perduto.

Nel dipinto ogni persona è libera di fare quello che gli pare, con i suoi tempi, c’è chi mangia, altri che giocano, c’è il tempo per l’amore e per festeggiare.

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Cezanne

La casa dell’impiccato (1872-73)

• Inizia a discordarsi dalle teorie ottiche.
• Utilizza piccoli tocchi di colori.
• L’artista conserva le strutture volumetriche degli edifici, degli alberi e del paesaggio in lontananza.
• Evita qualsiasi effetto atmosferico.

La montagna di Saint Vincitore

Il pittore mostra una libertà esecutiva che si esplicita in una tassellatura continua di colori, basata su contrasti di tonalità terrose e verdastre, che ricostruiscono una percezione sensoriale dalle forme, portando l’artista a un passo dall’astratto.

• Ricerca della realtà con volumi puri -> attraverso delle tassellature.
• Lascia alcuni punti bianchi per aumentare il contrasto.

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Giocatori di carte (1893-96)

L’interno della stanza è definito orizzontalmente da due piani paralleli delineati dal tavolo e dal bancone in legno e verticalmente da due aree divise dalla bottiglia al centro.

Le due figure dei giocatori sono collocate specularmente, in una posizione molto simile a due manichini. Questo allontanamento dal lato naturalistico fa risaltare di più lo studio dei volumi, figure platoniche, la forma emisferica del cappello del giocatore posto a dx, la calotta cilindrica di quello a sx, i cilindri delle braccia, i parallelepipedi che definiscono gli oggetti.

Il Cubismo nasce circa 30 anni prima della sua vera comparsa. Esso è direttamente collegato alla opere di Cezanne.

Le grandi bagnanti (1906)

• Trasmette noia, monotonia.
• La composizione degli alberi forma un triangolo.

Mette in secondo piano le bagnanti e in primo la figura centrale dall’altra parte del fiume, questo causa un senso di profondità.

Le diagonali cadono in un posto dove non c’è nulla, perché Cezanne crea uno spazio vuoto centrale per definire quello ai bordi.

Paratassi = assenza di un ordine gerarchico, dal più importante al meno, tra ciò che è centrale e ciò che è periferico → livellamento.

Nuovo sistema di bilanciamento.

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Paul Gauguin

La sua pittura rappresenta: il distacco dall’oggetto reale e dal naturalismo, utilizzo dei segni grafici e dei colori per creare un ponte tra l’interiorità dell’artista, il soggetto dipinto e un universo di immagini sganciate dalla realtà contingente.

Visione dopo il Sermone (1888)

• Scena della bibbia, “lotta tra l’angelo e Giacobbe”.
• I colori sono antinaturalistici, modalità antinaturalistica.
• Il colore della terra non è reale.
• La prospettiva è annullata.
• Punto di vista dall’alto, tronco dell’albero → sembra di essere all’interno del dipinto, immersivo.

Questo dipinto ci ricorda molto l’arte giapponese.

Aha oe feii = ma come sei gelosa

• Colori antinaturalistici, spiaggia rosa.
• Sembra di essere lì, ad interrompere il loro momento di intimità.
• Dall’espressione e dalla postura si capisce che la donna gelosa è quella seduta.

Periotto Asia primo semestre storia dell’arte

Cristo giallo

• Colori antinaturalistici, anche se non c’è un motivo specifico del perché il Cristo è giallo.
• Dettagli poco curati, le mani sembrano delle chele di granchio.
• Introduzione al cloisonnisme = bordo nero che contorna il Cristo, così da creare una figura più definita.
• Rispetto del primitivismo.

Le ricerche di Gauguin sono quelle della purezza/semplicità e della propria origine → figure semplici.

Da dove veniamo? Chi siamo? Dove andiamo? (1897-98)

Ciclo della vita, a destra abbiamo un bambi