Il dramma del doge Foscari: arte, storia e romanticismo nel XIX secolo

Descrizione della scena centrale

In una grande stanza a volta, con un soffitto a cassettoni, compaiono diversi gruppi di persone.

Al centro della tela, un giovane a torso nudo si sviene, un uomo dietro di lui lo sostiene e due donne di fronte, gli tengono le mani e sembrano piangere.

Altri personaggi sono collocati dietro. In primo piano, a destra, due uomini stanno dietro una scrivania; uno seduto prende appunti e volge lo sguardo verso la scena riprodotta al centro della composizione e l'altro guarda oltre la spalla del primo.

A sinistra, sotto un baldacchino e seduto su una sorta di trono, posto su due gradini, sta un prelato che sembra sopraffatto. Due uomini si tengono al suo fianco: uno, con la barba, vestito di rosso; l'altro vestito di nero sta leggendo un documento che tiene tra le mani.

Il doge e la sua tragedia

La scena è tratta dalla storia di Venezia del XV secolo; il doge Francesco Foscari, eletto nel 1423, aveva guidato Venezia in infinite guerre contro i Turchi, in cui aveva perso tre figli; l'ultimo, Jacopo, fu denunciato al Consiglio dei Dieci per tradimento e di essersi accordato con il nemico. Torturato il 20 febbraio 1445 e dopo aver confessato il suo crimine, fu condannato all'esilio perpetuo. Nel dipinto, Il Doge, schiacciato dalla vergogna e dal dolore, assiste alla lettura della sentenza che colpisce il suo ultimo figlio. Vestito con i suoi abiti cerimoniali e con in testa il corno, simbolo della Serenissima Repubblica, annientato, tiene la testa bassa, mentre suo figlio, a torso nudo al centro della composizione, implora pietà e sua moglie si aggrappa a lui. In basso a sinistra, il boia e i suoi aiutanti; a destra, giudici e notabili di Venezia.

Composizione e architettura del dipinto

La composizione è caratterizzata da un gran numero di linee verticali che delimitano gli spazi in cui agiscono i diversi protagonisti. A sinistra, il doge e gli ufficiali giudiziari; al centro suo figlio; a destra lo scrivano. La separazione tra padre e figlio è già iniziata, con le due linee della porta della camera di tortura. Le diagonali creano un punto di fuga a destra della composizione, come un imbuto in cui era possibile solo un'uscita fatale. L'architettura e la costruzione rigorosa non fanno che rafforzare la tragedia della situazione. Troviamo gli effetti di luce e i mezzitoni luminosi cari a Delacroix. Tutta la scena è immersa in una luce fine e trasparente. Il raggio di luce che illumina il Doge fa di Foscari il centro del dramma. L'emozione è struggente e il grande spazio vuoto che separa i due uomini sottolinea l'imminente allontanamento.

Influenze artistiche di Delacroix

Sotto l'influenza di John Constable, pittore inglese del primo Ottocento, Delacroix si rese conto che moltiplicando i tocchi di toni simili ma non identici, si ottiene una vibrazione di colori molto maggiore di un tono uniforme.
Capo della scuola romantica, Eugène Delacroix amava trarre ispirazione da episodi drammatici legati alla storia del Medioevo.

Influenze letterarie e medievali

Fu dopo la Restaurazione che le traduzioni di Walter Scott, Goethe e Schiller furono pubblicate in Francia; nel 1827, Shakespeare fu rappresentato a Parigi in inglese; è nello stesso momento che in Francia sono scoperti Dante, Alessandro Manzoni e i Romanceros du Cid.

Attraverso di loro, appare nella pittura una nuova ispirazione medievale, soprattutto letteraria. Essa sarà fortemente rafforzato dalla passione degli artisti per i drammaturghi francesi, e in particolare gli scrittori romantici, che creano nuovi temi e modificano totalmente le forme del dramma storico, Alexandre Dumas e soprattutto Victor Hugo che diventerà la principale fonte di arte trobadorica intorno al 1830.

Moda medievale e influenze gotiche

Il clima intellettuale di Parigi è tutto orientato verso il Medio Evo: assistiamo alla passione per la storia della Francia e per l'archeologia. Si diffonde anche la moda dei mobili "à la cathédrale", della decorazione festiva gotica, sia per l'incoronazione di Carlo X che per la "quadriglia di Maria Stuarda", organizzata nel 1829 e i cui costumi ci sono noti tramite i disegni di Eugène Lami. I pittori francesi sono anche fortemente influenzati dalle parallele fantasticherie gotiche degli artisti stranieri, e in particolare da quelle dei nazareni, e dei romantici tedeschi, nutriti dalla cavalleria. Delacroix trae spesso ispirazione da Walter Scott dalla Divina Commedia o Shakespeare. Tuttavia, l'adesione al romanticismo trobadorico è più o meno di breve durata a seconda dell'artista. La pittura di storia romantica abbandona rapidamente aneddoti e dettagli per una visione più lirica e più ampia.

Evoluzione della pittura romantica

Gli sconvolgimenti del secolo ebbero ripercussioni anche sulle arti. Mentre fin dal Medioevo gli stili si erano derivati l'uno dall'altro succedendosi nel tempo, l'Ottocento vedrà la moltiplicazione delle scuole. Fino al 1914, la Francia svolgerà un ruolo artistico importante in Europa, soprattutto nella pittura. Per molto tempo i pittori hanno ancora lavorato "su ordinazione" per lo Stato o per ricchi. Come nell'Ancien Régime, il genere determina la qualità dell'opera: al vertice, la pittura di temi storici, poi la ritrattistica, la pittura di genere, il paesaggio il cui gusto si diffonde e infine la natura morta.

In Francia, l'Accademia di Pittura e Scultura, che gestisce la Scuola di Belle Arti e costituisce la giuria per il Salon annuale, dirige la creazione di un neoclassicismo molto ricercato. La perfezione tecnica del mestiere, l'accuratezza nella rappresentazione della realtà sono messe al servizio di opere con soggetti convenzionali, corrispondenti alle aspirazioni di riconoscimento sociale delle nuove categorie dominanti.

Allo stesso tempo, durante la prima metà del secolo, si sviluppa la scuola romantica: da Eugène Delacroix in Francia a Caspar David Friedrich in Germania, i pittori cercarono di aumentare l'espressività delle loro opere con linee o colori. Il movimento romantico appare alla fine del XVIII secolo è quindi europeo.

Esso assume la visione opposta del razionalismo e dell'idea di progresso che avevano guidato gli uomini dell'Illuminismo e i leader politici della Rivoluzione. Di fronte alla disillusione, al tumulto delle guerre e delle rivoluzioni, ritorna la moda per il gusto, per l'irrazionale, per il religioso e per il passato. Più che il contatto con gli uomini, si cerca la comunione con la natura. L'immaginazione, così liberata, ricerca il sogno, l'insolito, persino nel terrificante (come il pittore inglese Füssli). I romantici rifiutano le regole e pongono l'artista al centro del suo lavoro e la sua sensibilità gli deve permettergli di trasmettere la nuova visione del mondo. Egli è creatore e veggente. Rinnovamento dei soggetti, rifiuto di scene bibliche o mitologiche, ispirazione nelle leggende medievali caratterizzano la nuova sensibilità. I nuovi artisti hanno l'ambizione di cambiare il mondo di cui sono testimoni e agiscono.

Reazione al romanticismo: realismo

In reazione al Romanticismo, con Corot, J.F. Millet o Gustave Courbet, la scuola realista spesso animata da preoccupazioni sociali che cercano di rappresentare l'aspetto del loro tempo e spesso le condizioni di vita delle persone umili, senza però cercare come di idealizzare la realtà, come, invece, facevano i Romantici.

Il tema storico e il dipinto Foscari

Il tema storico del dipinto era caro a Delacroix, che già nel 1847 menziona nel suo Diario un dipinto intitolato "Foscari". Nel maggio 1854 il soggetto riappare nel diario dell'artista: "Dauzats viene di giorno per darmi indicazioni sul mio Foscari", il che tenderebbe a dimostrare che l'architettura del dipinto non è di Delacroix. La presentazione dell'opera all'Esposizione Universale del 1855 permise di confrontarla con le opere più antiche di Delacroix.

Il grande dramma romantico della famiglia Foscari sedusse il duca di Aumale che acquistò il dipinto nel 1873 e lo prestò all'Ecole des Beaux-Arts nel 1885, in occasione della mostra retrospettiva di Delacroix. Il tema fu un successo all'epoca e può essere paragonato a quello di Francesco Hayez "I due Foscari" del 1842 e all'opera di Verdi "I due Foscari" del 1844.

Acquisto del dipinto da parte del duca

Diverse ragioni possono spiegare l'acquisto di questo dipinto da parte del duca di Aumale nel 1873: il carattere storico della scena rappresentata, l'emozione del dramma romantico contenuto nell'opera, i temi della perdita dei figli e dell'esilio hanno probabilmente toccato il principe che visse ventitré anni fuori dalla Francia e che perse sette figli, due dei quali adulti.