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LEZIONE  2    

Le  ottiche  (obiettivi  della  macchina  fotografica):  sono  una  serie  di  lenti  concave  e  

convesse   che   funzionano   tutte   come   un’unica   lente   concava.   Ma   non   sono  

un’unica  lente  perché  se  lo  fossero  si  avrebbero  delle  aberrazioni  ottiche.  

Lunghezza   focale:   lunghezza   della   lente   ottica   stessa.   La   focale   è   definita   dalla  

distanza   tra   il   centro   della   lente   e   il   punto   ideale   detto   fuoco   (ipoteticamente   al  

centro   del   nostro   fotogramma).   La   lunghezza   focale   definisce   l’obiettivo   della  

macchina.  Più  le  lenti  sono  curve,  più  alto  è  l’indice  di  rifrazione  della  luce  e  quindi  

la  focale  è  più  corta.  Al  contrario,  lenti  più  sottili  hanno  bassa  rifrazione  della  luce  

e  focale  più  lunga.    

 

Gli  obiettivi  sono  divisi  in  3  grandi  classi:    

obiettivo   normale:   lunghezza   focale   50   mm,   normale   perché  

ü progettata   per   riprodurre   ciò   che   vede   l’occhio   umano,   per  

convenzione   anche   il   rispettivo   angolo   visivo   è   di   50°.   I   lati   del  

fotogramma   sono   24x36mm.   Esempio:   H.C.   Bresson   sceglie   il   50  

mm  per  rappresentare  la  realtà  così  com’è.  

 

  grandangolare  o  focale  corta:  immagine  deformata  con  angoli  arrotondati  perché  

ü tende  ad  aprire  l’angolo  visivo.  Il  grandangolo  più  grande  è  il  fisheye.   Esempio:  Art  

Kane,  Joe  Louis,  ripresa  dal  basso  verso  l’alto  con  primo  piano  i  pugni.    

 

 

  teleobiettivo:   si   vede   solo   la   parte   centrale   con   dettagli   ravvicinati,   il   campo   è  

ü ristretto.   Il   problema   è   che   tende   a   schiacciare   la   prospettiva,   mette   in   risalto  

l’oggetto  in  primo  piano  e  sfuoca  tutto  il  resto.  Esempio:   A.  Messeger,  mes  voeux.    

 

 

 

 

 

Zoom:   unico   obiettivo   che   ci   permette   di   muoverci   senza   avvicinarci   realmente.   Presenta   un   obiettivo  

normale   più   un   grandangolare   o   un   teleobiettivo.   Il   problema   dello   zoom   è   che,   mescolando   questi  

obiettivi,  la  luminosità  sarà  più  scarsa.  Non  sarà  possibile  aprire  il  diaframma  al  massimo.    

F  sta  per  diaframma:  i  numeri  indicati  dicono  i  valori  della  massima  apertura  del  diaframma.    

 

Profondità   di   campo:   viene   definita   dalla  

lunghezza   focale   ed   è   la   zona   che   risulta   nitida  

con   la   messa   a   fuoco.   Più   la   focale   è   corta,  

maggiore   è   la   profondità   di   campo   e   viceversa.  

Jon   Senzer,  1:  con   focale   corta   grandangolare.   2:  

con   teleobiettivo,   mettendo   a   fuoco   l’oggetto,  

tutto   il   resto   si   sfoca   e   la   profondità   di   campo  

diminuisce.   Quanto   più   si   è   vicini   al   soggetto   da   mettere   a   fuoco,   minore   sarà   la   profondità   di   campo.  

All’aumentare  della  distanza  aumenta  proporzionalmente  la  profondità  di  campo  e  quindi  la  possibilità  di  

mettere  a  fuoco  aree  maggiori  del  soggetto.    

 

Anche   il   diagramma   influisce   moltissimo   sulla   profondità   di   campo:   mascherina   che   si   chiude   e   si   apre  

come   l’occhio   per   decidere   quanta   luce   far   passare.   1.4   è   il   diaframma   più   aperto,   22   è   il   diaframma   più  

chiuso.  Nella  fotografia  è  tutto  inversamente  proporzionale.  Cambiando  i  valori  del  diaframma  di  dice  che  il  

diaframma  cambia  di  uno  stop.  Uno  stop  equivale  alla  metà  o  al  doppio  del  valore  precedente.    

 

Il  parametro  del  diaframma  va  sempre  accompagnato  dal  parametro  tempo  di  esposizione.  In  automatico  

la  macchina  ti  dice  sempre  quali  saranno  i  valori    ottimali  per  una  corretta  esposizione.  

Diaframma  più  aperto,  tempo  più  corto.  Diaframma  più  chiuso,  tempo  più  lungo.    

 

Il   tempo   di   esposizione   viene   variato   tramite   l’otturatore.   L’otturatore   sta   dentro   alla   macchine   e   non  

nell’obiettivo.  È  formato  da  una  serie  di  tendine  tenute  chiuse  da  una  molla.  Questo  otturatore  si  cambia  

con   una   rotellina.   Attraverso   la   regolazione   del   tempo   di   scatto   si   controlla   l’effetto   di   movimento   del  

soggetto.  Se  c’è  un  oggetto  che  si  muove  e  voglio  immortalarlo  fermo  quindi  devo  giocare  con  un  tempo  di  

otturazione   corto   da   1/60   in   su.   La   corretta   esposizione   che   la   macchina   ci   offre   viene   data   attraverso  

l’esposimetro  TTL  ed  è  il  risultato  della  media  tra  le  luci  bassi  e  quelle  alte.  

1.   Rodchenko,   il   salto.   Se   si   vuole   ottenere   un   mosso   bisogna   usare   tempo   di   otturazione   lunghi   da   1/60   in  

giù.  2.   B.Blume,  trascendental  costructivism.  3-­‐4:Esempio  della  differenza:   G.   Kause,  Boulevard.  Diaframma  

chiuso  e  tempo  lungo  vs  diaframma  aperto  e  tempo  corto.    

 

 

 

 

 

 

 

 

Sensibilità:  altro  elemento  su  cui  si  può  agire.  Riferito  alla  sensibilità  della  pellicola  nell’analogico,  mentre  

nel   digitale   è   definita   dalla   dimensione   e   dal   numero   dei   pixel.   Definisce   la   nitidezza   della   foto.   Alta  

sensibilità  penalizza  la  definizione  dell’immagine  ma  permette  la  ripresa  con  condizioni  di  luce  difficile  (da  

400  a  3200  ASA).    Bassa  sensibilità  invece  necessita  più  luce  ma  tiene  vivi  i  dettagli  e  i  colori  (da  100  a  25  

ASA).  NB:  ASA  american  standard  association  con  l’analogico.  Con  l’arrivo  del  digitale  si  è  passati  all’ISO  che  

ha  gli  stessi  parametri  dell’asa.  100  iso  sono  100  asa.  L’iso  è  quindi  la  sensibilità/rapidità  con  cui  il  sensore  

reagisce  alla  luce.  Più  la  sensibilità  è  alta  più  velocemente  il  sensore  reagisce  alla  luce.  

 

Messa  a  fuoco  selettiva:  mettere  a  fuoco  una  

parte  dell’inquadratura.    

Diaframma  abbastanza  aperto,  tempo  di  

esposizione  lento.   A.N.  Murri  

 

 

 

Panning:   mosso,   giocando   con   soggetto   che   si   muove,   che   risulterà   in  

movimento   e   lo   sfondo   fermo   risulterà   in   movimento.   Quindi   devo  

muovermi   nella   stessa   direzione   di   chi   si   muove,   il   tempo   di   esposizione   è  

lungo.  È  il  contrario  del  mosso.   J.H.  Lartigue  

 

 

  Fotografia  notturna:  sensibilità  bassa  400  e  tempo  di  

esposizione   lungo.   Diaframma   per   far   entrare   più  

luce.  Usare  il  cavalletto.   A.Imbriaco  

 

 

 

  Bracketing:   scattare   la   stessa   foto  

con   diverso   tempo   e   diverso  

diaframma.   J.Sudek,   natura   morta  

alla  finestra  

 

 

 

 

LEZIONE  3  

 

Fotogiornalismo  

Branchia  della  fotografia  che  permette  di  informare  su  fatti  di  cronaca,  attualità  e  guerra  tramite  le  foto.  È  

un   ambito   vasto   e   complicato,   privo   di   regolamenti   e   fondamenti.   Questo   causa   molti   problemi   ai   fotografi  

che  devono  autoregolamentarsi  ma  anche  alla  stampa.     Falsi   storici   nel   1855   con   Roger  Fenton,   guerra  

di   Crimea.   Fu   una   delle   guerre   più   violente  

della   storia   ma   Roger   riporta   foto   di   soldati  

che   giocano   a   carte,   che   vanno   a   cavallo,   che  

parlano.   Vuole   tramandare   un   aspetto   più  

romantico  e  solidare  della  guerra.  Le  immagini  

non  venivano  ancora  pubblicate  sui  giornali.    

In   Italia,   durante   la   prima   guerra   mondiale,   viene   fondata   dai   fascisti   il  

giornale   “Il   popolo   d’Italia”   per   manipolare   e   convincere   le   persone.   le  

immagini  pubblicate  venivano  trattate  e  modificate  in  modo  tale  da  prendere  

una   certa   direzione   politica   per   rafforzare   il   regime   dittatoriale.   Le   foto  

riprendono   la   folla   dall’alto,   sono   immagini   di   collettività,   affiatamento,  

entusiasmo   e   condivisione   degli   ideali   fascisti.   Inoltre   vengono   mostrate  

sempre  delle  grandi  città,  per  mostrare  che  la  mentalità  era  condivisa  in  tutte  

le  piazze  del  paese.  Oppure  venivano  ripresi  scatti  degli  ultimi  abbracci.  Gli  uomini  che  salutano  la  famiglia  

prima  di  partire  per  il  fronte.     Regimi  dittatoriali  nel  1919.  Stalin  si  fotografa  

assieme   a   Trotskij.   Quando   poi   Trotskij  

cambierà   idee   politiche,   Stalin   lo   cancellerà  

proprio   dalla   sua   vita   e   anche   dalle   foto  

(1967).   In   questi   anni   nasce   il   concetto   di   etica  

nella   stampa.   È   giusto   pubblicare   sui   giornali  

foto  modificate?    

F.   Scianna   mette   all’erta   il   lettore.   Come   la   scrittura   può   ingannare   il   lettore,   ciò   può   farlo   anche   la  

fotografia.  Pensiamo  che  la  fotografia  certifichi  un  fatto  realmente  avvenuto.  Ma  questo  è  un  pregiudizio.  

C’è  sempre  da  parte  dei  fotografi  una  scelta  di  cosa  viene  fotografato  e  questa  è  una  scelta  di  mentire.  Non  

sto  raccontando  la  realtà  ma  la  mia  versione  della  realtà.     E.   Chaldej,   1945   fotografa   un   soldato   che  

sventola   la   bandiera   sovietica   sul   tetto   del  

Reichstag.   Foto   circolata   sui   giornali   vs   foto  

originale.   In   quella   modificata,   c’è   un   soldato  

con   un   orologio   solo   al   polso,   nell’originale  

invece   sono   due.   Questo   perché   bisognava  

mostrare   il   lato   positivo   della   guerra,   quindi   non  

bisognava   mostrare   che   i   soldati   andavano   a   saccheggiare   le   città.   Inoltre   il   colore   del   fumo   è   stato  

enfatizzato.    

Tra  le  due  guerre  il  fotogiornalismo  raggiunge  l’apice  della  popolarità  grazie  alla  nascita  della  rivista  Life  e  

alla   fondazione   dell’agenzia   Magnum   Photos   (agenzia   fotogiornalista   più   importante   al   mondo).   Viene  

chiamata  età  dell’oro  del  fotogiornalismo.  

R.   Capa   fotografa   lo   sbarco   in   Normandia   del   1944.   Vive   direttamente   sulla   sua   pelle   il   passaggio   da   una  

costa  all’altra.  Fotografa  milioni  di  foto  ma  a  noi  arrivano  sono  10  fotogrammi.  La  versione  ufficiale  dice  che  

l’operatore  che  si  occupava  dello  sviluppo  dei  negativi  abbia  commesso  un  errore  e  i  negativi  non  si  siano  

fissati   sulla   carta.   Ma   questo   ci   fa   pensare   che   ci   sia   stata   una   scelta   di   fare   sparire   alcune   immagini  

scomode.  L’immagine  più  iconica  di  Capa  è  lo  scatto  del  miliziano  colpito.  Egli  lo  fotografa  in  quel  momento  

piccolissimo  di  passaggi  tra  la  vita  e  la  morte.  È  eticamente  giusto  mostrare  il  momento  di  passaggio  tra  la  

vita  e  la  morte?  Anche  se  è  un’immagine  reale.  Qualcuno  ha  iniziato  a  non  credere  a  questa  foto,  come  si  fa  

ad  immortalare  una  persone  nel  momento  in  cui  sta  morendo.    

Si   immerge   nella   guerra   per   fotografare,   sostiene   infatti   che   se   una   foto   non   è   buona   è   perché   era   lontano  

dalla   foto.   Il   fotografo   deve   stare   dentro   al   fatto,   altrimenti   è   solo   uno   spettatore.   Capa   a   differenza   di  

Fenton  poteva  stare  dentro  alla  guerra,  grazie  ai  macchinari  che  utilizzava.      

 

 

 

 

 

 

L’agenzia   Magnum   Photos   nasce   nel   1947   da   Capa,   D.   Seymour,   G.   Rodger,   H.   Cartier-­‐Bresson.   Nasce  

sull’onda  di  Capa.  Il  fotografo  deve  essere  sempre  dentro  all’azione,  attento  e  pronto  a  fotografare.  Prima  il  

fotografo   non   veniva   tutelato,   non   aveva   diritti   sull’immagine.   Magnum   crea   delle   linee:   il  

fotografo   deve   avere   diritti   sull’immagine,   diritti   ad   avere   un   proprio   stile,   e   poter  

tutelarsi.   Deve   avere   il   controllo   sulle   immagini,   una   volta   che   le   consegna   per   essere  

pubblicate   egli   ha   il   diritto   che   la   foto   rimanga   tale   quale   a   quella   scattata   senza   alcuna  

modifica.    

Seymour,   donna   con   un   bambino   in   braccio   durante   l’allattamento   mentre   aspetta   la  

distribuzione  del  pane.    

  H.  Cartier-­‐Bresson.  La  sua  vita  è  dominata  dalla  parola  coerenza.  In  tutta  la  

sua   vita   non   ha   mai   modificato   il   suo   stile.   Stile   caratterizzato   dalla   scelta  

dell’obiettivo  normale  55  mm,  perché  così  l’immagine  non  viene  deformata  

e  manipolata.  Formato  35  mm  quindi  piccolo  che  mi  permette  di  fotografare  

in  qualsiasi  occasione.  Non  ha  mai  usato  luce  artificiale  ma  sempre  naturale  

in  esterno.  Anche  quando  fotografava  gli  interni  usava  comunque  la  luce  che  

entrava   dalle   finestre.     Momento   decisivo,   il   fotografo   deve   aver   sempre  

sincronizzato  cervello,  occhi  e  macchina  per  fotografare  quel  secondo  che  non  ritornerà  mai  più.  Bresson  

quando   fotografa   è   oggettivo,   neutro,   non   da   un   giudizio   critico.   Pubblica   un   libro   intitolato   Images   à   la  

sauvette  ovvero  immagine  colta  nel  momento  decisivo.    

 

Life  è  la  rivista  con  cui  nasce  il  fotogiornalismo.  Life  però  nasce  come  rivista  satirica  nel  1883.  Non  ha  un  

taglio  fotografico  e  si  usavano  solo  illustrazioni.  Poi  inizia  a  prendere  una  strada  patriottica  che  racconta  i  

fatti  di  cronaca  e  attualità  negli  USA.  H.  Luce  nel  1936  compra  la  rivista  e  inizia  a  introdurre  la  fotografia  

capendo  l’importanza  di  tale  tipo  di  immagini.    

 

  Margaret  B.  White,  fotografa  Gandhi,  scatta  immagini  sempre  

in  condizioni  estreme.  Fu  l’unica  fotografa  ad  entrare  in  Russia  

durante  l’invasione  nazista,  l’unica  a  fotografa  Stalin.  Aveva  lo  

stile  di  Capa  ma  lavorava  in  Usa.    

Life   prima   era   una   rivista   d’attualità,   poi   inizierà   a   raccontare  

tutti  i  fatti  più  salienti  dell’america.    

 

 

L’illustrazione   italiana   è   la   rivista   che   emula   Life   in   italia.   Parla   di   guerra,   moda   usi   e   costumi.   Era   però  

basato  più  sulla  parola  e  la  scrittura  piuttosto  che  per  immagini,  scrivevano  i  grandi  scrittori  italiani.    

Lavorarono  però  anche  grandi  fotografi  come   Luca  Comerio.  1-­‐2  

Uliano  Lucas,  zona  Sant’Ambrogio  a  Milano,  ritratti  davanti  al  tavolino.  Non  “ruba”  le  foto,  va  direttamente  

davanti  a  ciò  che  vuole  fotografare,  si  butta  nell’azione.  3-­‐4.  

 

E.  Smith,  fotografo  e  artista  delle  sue  foto.  Non  sono  semplici  fotografie  ma  vere  e  proprie  storie.  Saggi.      

 

 

 

 

 

 

 

 

1.  E.  Adams.  Conta  non  la  bellezza  estetica  ma  il  fatto  in  se.  Generale  vietnamita  che  spara  in  testa  ad  un  

vietcong.  Questo  foto  poco  dopo  essere  scattata  inizia  già  a  fare  il  giro  del  mondo  e  vince  il  premio  Pulitzer,  

diventando  uno  dei  fotografi  più  famosi.  Il  racconto  della  foto  diventa  sempre  più  misterioso  finché  dopo  la  

sua   morte   si   viene   a   scoprire   che   il   momento   dello   sparo   era   stato   provocato   dallo   sparo.   Il   generale   si  

sente  sfidato  alla  vista  delle  fotocamera  e  allora  spara.  Dove  sta  l’etica?  

2.  K.  Carter  scatta  la  foto  ad  un  bambino  che  sta  morendo  e  un  avvoltoio  dietro  che  aspetta  la  sua  preda.  

Carter  fotografa  il  bimbo  ma  poi  se  ne  va  senza  aiutarlo.  Anche  esso  vince  il  premio  Pulitzer.    

3.   S.   Aranda,   fotografa   in   piena   primavera   araba   una   donna   che   tiene   tra   le   braccia   il   figlio.   Ci   ricorda   la  

pietà  di  Michelangelo.  Colore  del  capo  in  contrasto  con  i  guanti  bianchi.  Volto  coperto  non  da  identità  alla  

persona.  È  una  condizione  generale  di  vita  araba,  senza  riferirsi  ad  una  persona  in  particolare.      

 

 

 

 

 

 

 

Non   esista   un’etica   del   fotografo   giornalista   e   così   il   fotografo   con   gli   anni   si   è   costruito   una   sua   propria  

etica.  Anche  la  stampa  poi  ha  iniziato  ad  avere  alcune  linee  guida,  criteri  di  selezione  delle  immagini  e  delle  

regole  di  comportamento.  L’immagine  deve  informare  e  non  ingannare.   I  photo-­‐editor  dovranno  verificare  

la   veridicità   della   foto   pubblicata,   la   fonte   dell’immagine   deve   essere   chiaramente   specificata  

nell’attribuzione.   È   lui   il   responsabile   di   un   errore   e   non   il   fotografo.   Se   una   foto   viene   modificata   deve  

essere  specificata  come  foto-­‐illustrazione.    

 

Citizen  journalist:  il  fotogiornalista  oggi  è  chiunque.  Non  esiste  la  paternità  della  foto.  Chiunque  si  trova  sul  

luogo  del  fatto  può  scattare  una  foto  e  pubblicarla.    

 

 

LEZIONE  3  

 

Il  colore  e  il  bianco  e  nero    

Il   mondo   è   colorato   e   noi   lo   percepiamo   come   tale.   La   luce   che   riceviamo   è   formata   da   onde  

elettromagnetiche  di  diversa  lunghezza,  ad  ogni  lunghezza  d’onda  corrisponde  un  colore.    

Radiazioni   elettromagnetiche:   solo   una   piccola   parte   è   visibile   all’occhio   umano   (colore),   ma   la   maggior  

parte   no:   radio,   microonde,   infrarosso,   ultravioletti,   raggi   x   e   raggi   gamma.   Tutte   queste   radiazioni   non  

visibili  non  si  possono  fotografare!  

Che  importanza  hanno  i  colori  per  noi?  Quanto  è  importante  il  colore  nella  fotografia?  È  indispensabile?    

La  fotografia  nasce  in  bianco  e  nero.  N.  Niepce  1824/1826  con  un’esposizione  di  8  ore.  Si  vedeva  il  mondo  

attraverso  tonalità  di  grigio.    

G.B.   Gardin,   Venezia   e   F.Roiter,   Venezia:   due   fotografi   vicini   nel   tempo,   con   due   visioni   molto   simili,   ma  

con   un   rapporto   completamente   diverso   con   la   fotografia:   il   primo   usa   il   bianco   e   nero,   il   secondo   solo   i  

colori.      

 

 

 

 

 

 

 

L’arancia   ha   bisogno   di   essere   fotografata   a   colore   perché   l’arancia   senza   il   colore   non   è   un’arancia.   Se  

fotografiamo   un’arancia   in   bianco   e   nero,   non   vediamo   un’arancia   ma   la   sua   forma.   In   questo   e   in   molti  

altri  casi,  quando  fotografo  in  bianco  e  nero  metto  in  evidenza  la  forma  e  non  l’oggetto  stesso.    

 

1.  R.  Fenton,  frutta  in  bianco  e  nero,  contrasto  cromatico    

2-­‐3.   P.   Strand,  Sceglie  il  bianco  e  nero  per  far  risaltare  la  staccionata  bianco  su  sfondo  buio.  Con  il  B/N  si  

priva  l’oggetto  del  suo  aspetto  realistico  per  evidenziarne  la  forma.    

Fratelli  Lumiére   inventano   l’autochrome:   una   lastra   di   vetro   sulla   quale   vengono   spalmati   granelli   di   fecola  

di   patata   colorata   nei   3   colori   primari   rosso   blu   e   verde   mescolati   con   i   sali   d’argento.   Si   ottiene  

 

un’immagine  colorata.  È  la  prima  volta  che  si  ottengono  immagini  colorati  nei  primi  del  900.  

4.   E.   Steichen:  Nel  900  la  fotografia  stava  già  avanzando  a  buon  passo  ma  l’autochrome  riporta  la  fotografia  

indietro  al  dagherrotipo.  Un’unica  copia,  nessun  negativo,  tempo  di  esposizione  lungo.  

Nel  1936  nasce  in  America  la  moderna  industria  a  colore  grazia  a  George  Eastman  fondatore  della  Kodac.  

 

Inventa  la  pellicola  a  colori.  

5.Walker   Evans  decide  di  fotografare  in  bianco  e  nero.  I  fotografi  ancora  scelgono  di  fotografare  in  bianco  e  

nero,   perché   il   mondo   è   già   complicato   anche   senza   aggiungere   il   colore.   Inoltre   il   bianco   e   nero  

simboleggia  speranza  e  disperazione  del  genere  umano.      

 

 

 

 

 

 

Arriva  il  colore  

 

W.   Eggleston,   bicicletta.   Stile   di   Walker   Evans,   da   quel   momento   i   fotografi   si   accorgono   che   il   mondo   è  

colorato   e   che   la   foto   deve   renderlo   tale.   Eggleston   a   differenza   dell’autocrome   non   scatta   fotografie  

colorate,   ma   fotografie   che   rappresentano   la   realtà   del   mondo.   Eggleston   mette   le   mani   sul   colore   con   il  

dye   transfer   che   permette   di   saturare   o   desaturare   i   colori.   Trasforma   lo   scatto   colorato   dando   un   suo  

colore   riconoscibile   per   mostrare   il   suo   lato   soggettivo   della   realtà.   Il   colore   diventa   uno   strumento  

espressivo.  

1.  E.  Weston   riprende  le  forme  della  natura,  si  

rende  conto  che  la  luce  è  colorata  e  fotografa  

tenendo   uniti   forma   e   colore.     2.   W.   Evans  

alla   fine   si   converte   e   decide   di   fotografare   il  

mondo   a   colori.   Il   colore   c’è,   fa   parte   del  

mondo.   3.   Guido   Guidi,   Ina   casa,   tende   a  

fotografare   con   una   dominante   cromatica  

tendente  all’azzurro  o  al  verde.    

 

Teoria  dei  colori  di  Goethe:  percezione  dei  colori  legata  alla  pittura.  A  differenza  delle  cose  dette  finora,  il  

colore   non   è   affatto   una   cosa   soggettiva   ma   un   dato   oggettivo   dal   quale   non   si   può   prescindere.   È  

necessario   quindi   comprendere   il   colore   attraverso   l’azione   sensibile   e   morale   e   la   funzione   estetica   per  

poterlo   usare   in   modo   corretto   nelle   varie   situazioni.   I   colori   possono   provocare   forti   emozioni,   possono  

avere  effetto  sul  fisico.    

Tabella   dei   colori   complementari:   ad   ogni   colore   primario   corrisponde   un   colore   complementare  

secondario   che   è   la   somma   degli   altri   due   colori   primari.   Per   le   sue   caratteristiche   fisiche,   psicologiche   e  

culturali,  il  colore  può  rappresentare  un  fattore  determinate  per  l’efficacia  del  messaggio  visivo.        

Se  un  oggetto  assorbe  tutta  la  luce,  risulterà  completamente  nero.  Se  invece  riflette  la  luce  risulterà  bianco.    

Parla  quindi  di  luce  riflessa  e  luce  assorbita.  

Tutti   gli   essere   umani   sono   attratti   dai   3   colori   primari:   rosso,   giallo,   blu.   I   bambini   sono   attratti   dal   rosso   e  

dal  giallo,  l’uomo  dal  blu.      

Ogni   colore   da   vita   ad   un   preciso   messaggio   visivo   legato   alle   condizioni   cultuali,   alle   implicazioni  

psicologiche  ma  anche  a  fattori  fisici.    

 

Rosso:   risposta   associativa   positiva.   Colore   dei   luoghi   comuni:   amore,   Natale,   san   valentino.   Connota  

calore,   vigore,   energia,   agitazione,   aggressività.   Ma   anche   drammaticità,   sensualità,   erotismo,   stimolo,  

fascino.  Allegria,  gioia  e  divertimento.    

Horst  P  Horst  donna  “annegata”  nel  colore  rosso.  Tutto  è  rosso,  i  vestiti  ma  anche  la  luce.  Rappresenta  la  

maturità  della  donna,  carisma  e  femminilità.  

Dior  pubblicità  rossa:  femminilità,  sensualità  accentuate  da  labbra  e  unghie  rosse.  Ma  anche  tutto  il  resto  è  

rosso.  Il  salvagente:  al  rosso  è  associato  il  gusto  dolce.  Rosso  associato  al  diavolo.  In  Egitto  era  associato  alla  

morte,  al  passaggio  nell’aldilà  perché  il  dio  della  morte  Seth  era  vestito  di  rosso.    

 

 

 

 

 

 

Rosa:  analogo  al  rosso  per  quanto  riguarda  la  femminilità.  Perde  però  la  carica  

aggressiva   e   mantiene   energia   vitale   fresca,   spontanea,   giovane,   romantica.  

Amore,   passione,   brillantezza.   Intimità,   emotività   e   femminilità.   Morbidezza,  

delicatezza,  forme  rotonde  

David   La   Chappelle,   Seno   enorme   materno,   non   legato   ad   eroticità   ma   alla  

maternità.    

 

Viola:   aspetto   mistico   e   spirituale.   Colore   meditativo   e   dell’inconscio.   Usato  

nella  religione  cattolica  come  veste  liturgica.  Colore  della  massima  espressione  

artistica   ma   può   portare   anche   a   malinconia   e   tristezza,   presunzione   e  

conservatorismo.   Dal   medioevo   si   tramanda   la   leggende   che   il   viola   porta  

sfortuna.  Nel  mondo  commerciale  tramanda  creatività  e  libertà  espressiva.    

Rudolf   Durkoop,   giovane   ragazza   dai   capelli   rossi   vestita   completamente   di  

viola.  Come  colore  di  sfondo  usa  il  verde  che  da  un  contrasto  forte.    

 

Blu:   colore   della   pace,   armonia,   acqua,   cielo.   Immensità   ed  

infinito,   colore   freddo,   riposante,   aiuta   a   calmare   e   rallenta  

battito  cardiaco.  Rappresenta  tradizione  e  classicità.    

Può   portare   a   distanza,   depressione,   ostilità.   Connota  

comunicazione   e   ascolto.   Igiene,   pulizia,   sicurezza   nei   trasposti.  

Depressione,  distanza,  sentimenti  ostili.    

Franco  fontana,  orizzonte:  pacatezza,  tranquillità.  

 

Verde:  natura.  L’unico  colore  che  tramanda  lo  stesso  significato  in  

tutte   le   culture.   Frutto   acerbo,   infanzia,   freschezza,   abbondanza,  

quiete,  chiarezza.  Rabbia,  gelosia,  malattia,  terrore.  Connotazione  

neutrale:  negativa  per  i  cibi,  positiva  per  i  viaggi.    

Ghirri,  governolo.    

Equilibria  la  percezione  del  colore  rosso:  vestito  dei  dottori.    

 

Giallo:   energia,   brio,   allegria,   luce,   rumore.   Vergona,   invidia,  

limone.  Gusto  dolce.  

Henry  Stein:  idea  di  pericolo  e  rumore  della  giostra.    

 

 

 

 

Marrone:   sensazione   di   corporeità,   materialità.   Prudenza,   tenacia,   pazienza.  

Passività,   arrendevolezza,   rassegnazione.   Maturazione,   calore   e   conforto,   cibi  

cotti  al  forno.     Guidi  guid:  accoglienza,  campagna  contadina.  

Mc  Donald:  legame  natura    

 

 

 

Arancione:   rosso   umanizzato,   stimola   concentrazione,   energia   irrequieta   e   calore   accogliete.  

Connessione  tra  umano  e  divino.     Chan  Chao,  buddista  

 

 

 

 

 

 

 

Prisma  di  newton  

Quando   la   luce   colpisce   un   soggetto,   le   onde   luminose   che   vengono   originate   vengono   assorbite   oppure  

riflesse   dalla   superficie.   La   luce   che   si   vede   bianca,   attraverso   il   prisma   viene   scissa   nei   7   colori  

fondamentali:  indaco,  violetto,  arancione,  giallo,  verde……  

Quando   il   soggetto   riceve   la   luce   può   assorbirne   una   parte   e   rifletterne   un’altra.   Quanta   luce   viene  

assorbita  e  quanta  ne  viene  riflessa  determina  il  colore  dell’oggetto  stesso.    

Se  noi  vediamo  un  oggetto  rosso  è  perché  le  molecole  di  quell’oggetto  assorbono  le  radiazioni  della  luce  

rossa  e  riflettono  tutti  gli  altri  colori.    Per  misurare  la  luce  ci  vuole  l’esposimetro.  

In   fotografia   esiste   un   modo   per   misurare   il   colore   della   luce   attraverso   il   termo   colorimetro.   Macchina  

progettata  per  leggere  le  variazioni  cromatiche  della  luce.  Con  il  termo  colorimetro  si  vede  il  rapporto  tra  la  

temperatura   diretta   di   un   corpo   e   il   colore   della   luce   che   emana.   Il   termo   colorimetro   misura   in   gradi  

Kelvin.    

Anche  il   fattore   di   esposizione  (diaframma  e  tempo)  incide  sul  colore  dell’immagine.  Più  si  sottoespone  più  

i   colori   risulteranno   saturi   e   contrastati.   Con   il   tempo   di   otturazione   più   veloce   si   sottoespone   cioè   si   fa  

entrare  meno  luce  in  macchina.  

La   luce   invece   si   misura   con   l’esposimetro.   Se   interno,   misura   la   luce   riflessa,   se   esterno,   misura   la   luce  

incidente.  La  luce  incidente  mi  da  la  possibilità  di  lavorare  sul  contrasto  massimo,  utilizzabile  con  il  bianco  e  

nero.    

1.   Ansel   Adams,   grande   fotografo   ma   anche   grande   teorico   della   fotografia   in   bianco   e   nero.   Lavora   sul  

concetto  di  luce  incidente  con  paesaggi.  

Egli   non   espone   l’obiettivo   ne   alla   luce   riflessa,   ne   alla   luce   incidente   ma   usa   un   cartoncino   grigio   medio  

kodac.   Inquadra   il   paesaggio   e   poi   mette   davanti   all’obiettivo   il   cartoncino   così   l’obiettivo   prendere  

l’esposizione  del  colore  del  cartoncino.  Il  grigio  medio  è  la  fascia  di  dettaglio  pieno  tra  il  nero  e  il  bianco.  

Raccoglie  tutte  le  altre  e  quindi  è  il  colore  perfetto.  2.  M.  Giacomelli,  Pretini  che  danzano.  3.  Campigotto,  

piramide  di  Giza.   4.B.  Davidson,  ragazza  nera  malata  a  Long  Beach  

 

1.  Eugene  Smith  Segue  la  fotografia  dallo  scatto  alla    stampa,  e  agisce  manualmente  anche  dopo  la  stampa  

togliendo  i  sali  d’argento  pe  far  emergere  il  bianco  della  carta,  dando  più  luminosità  e  contrasto  nella  foto.      

2.  Sarah  Moon,  costruire  scene  finte.   3.  Berengo  Gardin,  donna  che  dorme.  4.  Tao  equilibrio  tra  yin  e  yang  

Fotografare   in   bianco   e   nero   non   significa   scattare   una   foto   a   colori   e   poi   de   saturarla   perché   ci   va,   ma  

significa  decidere  di  vedere  il  mondo  in  bianco  e  nero  quando  invece  è  a  colori.  

 

Altre   foto:   1.   Sconosciuto,   nebbia.   2.   Giacomelli,   non   fatemi   dormire.   3.   Berengo   Gardin,   Firenze.   4.   P.  

Strand,  cavallo  bianco.  5.  Diane  Arbus      

 

 

 

 

1.   Nadar,   Victor   Hugo   sul   letto   di   morte   2.   Minor   White,   resti   di   una   barca   3.   Scianna,   Rappresentazione  

della  passione  di  Cristo  4.  Minor  White  cimitero  e  granaio  .  5.  Diane  Arnus    

 

Bianco:   Nuovo,   luce,   innocenza,   redenzione.   Ricavato   per   sottrazione.  

Sterilità,   insicurezza,   vuoto,   paura,   stimola   l’appetito,   cibi   leggeri   senza  

grassi.     1.  Rougler,  2.  Espana,  bianco  associato  anche  alla  morte.    

 

 

 

 

 

Nero:   vacuità   ricca   di   oggetti,   assoluto,   integrità.   Colore   che   contiene  

tutti   gli   altri   colori.   Paura,   mistero,   morte,   magia   nera.   Lusso   ed  

eleganza.    

1.  Biasucci,  Marrakech,  lavora  in  law  key.  2.  Brandt  

 

 

 

LEZIONE  5    

 

La  fotografia  contemporanea    

Termine  sfuggevole  da  non  confondere  con  post  modernismo.    

Anni  30-­‐50  negli  Stati  Uniti  ci  sono  autori  importantissimi  che  definiscono  nuovi  linguaggi  e  parametri    

 

William   Eggleston,   letto   con   luci:   crea   un   terreno   preparatorio   per   la   fotografia   contemporanea.   Uso  

innovativo   e   diverso   del   colore.   Non   c’è   più   l’attenzione   a  

quello  che  c’è  realmente  nella  fotografia,  non  c’è  una  griglia  di  

riferimento.   È   uno   stile   più   spontaneo,   autentico,   genuino,  

fresco.   Interessante   il   fatto   che   sta   accadendo   dentro  

l’immagine   e   non   l’aspetto   estetico   e   geometrico  

dell’inquadratura.   2.   Ragazza   con   l’anello,   fotografa   una  

ragazza  con  capo  mozzato.  Nuova  estetica  della  quotidianità.  

 

Walker   Evans   sceglie   di   usare   l’immagine   fotografica   come   elemento   di   conoscenza   del   mondo,   non  

attraverso   ricerca   estetica   ma   intellettuale.   Crea   uno   stile   che   verrà   poi   connotato   dopo   la   sua   morte   detto  

stile   documentalistico:   stile   freddo   senza   commenti   soggettivi   del   mondo   che   lo   circonda.   Mostra   la  

neutralità   della   macchina   fotografica.   Dare   una   nuova   veste   all’immagine.   Metropolitana   di   new   York.   Si  

nasconde  la  macchina  fotografica  dentro  al  cappotto.    

   


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Corso di laurea: Corso di laurea in Scienze e tecniche della comunicazione grafica e multimediale
SSD:

I contenuti di questa pagina costituiscono rielaborazioni personali del Publisher stc.iusve di informazioni apprese con la frequenza delle lezioni di Laboratorio di Fotografia e comunicazione visiva e studio autonomo di eventuali libri di riferimento in preparazione dell'esame finale o della tesi. Non devono intendersi come materiale ufficiale dell'università Istituto Universitario Salesiano Venezia - IUSVE o del prof Novaga Arianna.

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