Leonardo da Vinci – Sant’Anna, la Madonna e il Bambino con l’agnellino

Leonardo a Firenze e il suo cartone

Di ritorno a Firenze da Milano, nel 1510, Leonardo che allora era ospite dei “Servi di Maria”, disegnò un cartone rappresentante Sant’Anna con la Madonna e il Bambino, da tradurre poi in un quadro per la chiesa della Santissima Annunziata. Il quadro fu portato in Francia dallo stesso Leonardo nel 1516, insieme a La Gioconda. Alla morte dell’artista, è probabile che il dipinto sia ritornato in Italia per essere acquistato dal Cardinale Richelieu che ne fece dono a Luigi XIII, re di Francia. Fu così che, entrato nelle collezioni reale, esso passò al Louvre.

Il simbolismo nel dipinto di Leonardo

Il tema è ripreso da Masaccio, ma Leonardo rende più accentuato il rapporto di interdipendenza fra le tre figure. In Masaccio, si ha una solida forma piramidale in cui le ginocchia della Vergine costituiscono la base e Sant’Anna ne costituisce il vertice. Nella tavola su olio di Leonardo, la Vergine siede sulle ginocchia di Sant’Anna e, colta da un attimo di apprensione materna, si sporge in avanti per sostenere il Bambino che a sua volta allunga le braccia per tenere un agnellino. L’agnello, che nella tradizione rappresenta la vittima sacrificale, è il simbolo di Gesù stesso che con il sacrificio della sua morte salverà l’umanità e la redimerà dal peccato. Come la Vergine nasce da Sant’Anna e Gesù nasce dalle Vergine, nello stesso modo da Gesù rinasce tutto il mondo verso una nuova vita cristiana. La figura di Sant’Anna prefigura la Chiesa la quale nel cercare di ostacolare l’azione della figlia, indica la volontà che si compia il sacrificio previsto

Tecniche artistiche di Leonardo

L’atmosfera che circonda i personaggi infonde serenità ed i colori sono tutti dolcemente sfumati: la luce è soffusa, in lontananza le montagne dalle aguzze cime, sorgono da un mare di nebbia. Il dipinto è molto significativo per la presenza della prospettiva aerea e dello sfumato. Leonardo sapeva che l’aria piena di umidità + più pesante e vicino al suole tende ad offuscare la vista. Per questo motivo egli raffigura i monti sempre più nitidi man mano che ci si avvicina alla sommità. Inoltre, poiché i colori diventano meno saturi, in lontananza prevale l’azzurognolo e le superfici degli oggetti si compattano e perdono le tessiture superficiali. Inoltre le forme sono sfumate con i colori dello sfondo che le circondano. Le forme e lo sfondo risultano come integrati Per quanto riguarda le fisionomie ,i i lineamenti risultano sfuocati e quindi le espressioni diventano difficili da interpretare. Proprio per questo molti dei volti rappresentati da Leonardo con la tecnica dello sfumato sembrano enigmatici e a loro espressione non è chiaramente leggibile a causa dei contorni poco netti degli occhi e delle labbra.

Differenze nel cartone del 1501

Un soggetto analogo è costituito da un cartone del 1501 circa, , entrato nelle collezioni reali inglesi ed esposto alla National Gallery di Londra che sembra essere la preparazione di una pittura successiva. In esso, però, esistono varie differenze sia nelle posizioni che nei personaggi; inoltre, al posto dell’agnellino compare San Giovannino. Tale cartone è costruito mediante la tecnica del chiaroscuro e con caratteri molto più legati alla tradizione rinascimentale fiorentina.